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Reseña [Anime]: Noiseman Sound Insect

2013/08/24 2 comentarios
Director: Masaki Watanabe Estudio: Palm Studio Lanzamiento: 2006 Géneros: Slice of Life Demografía: Seinen Tipo: Serie (11 capítulos)

  Director: Kôji Morimoto
  Estudio: Studio 4ºC
  Lanzamiento: 1997
  Géneros: Experimental, Sci-fi 
  Demografía: Shônen
  Tipo: Cortometraje

A grandes rasgos el mundo de la animación nipona se encuentra en un constante ciclo de expansión y globalización, lamentablemente dicho proceso no se presenta de forma uniforme, y si bien terrenos como la animación independiente completamente canónica comienza, poco a poco, a ganar peso e importancia, no sucede lo mismo cuando nos referimos al tema de lo experimental o de vanguardia, que tristemente sigue siendo territorio sumamente inexplorado y no digamos infravalorado.

El tema de la escasez de trabajos en el rubro de lo experimental no es para nada un hecho menor, y mucho menos uno de reciente aparición, sino que estamos ante una problemática tan añeja y enraizada como la llegada del anime a los hogares nipones. De aquí que no es de extrañar que el mismísimo dios (Osamu Tezuka), en determinado momento de su carrera, haya expresado su consternación ante semejante situación, canalizando la misma hacia las series de televisión principalmente. Y es que no es para menos: el anime se torna, con el paso de los años, en un medio que gira en torno a cada vez menos cantidad de temáticas, ritmos narrativos y estilos gráficos. Así que, tomando la batuta dejada por el conocido blogger “Capitán Urías” (creador de la arcadia más culturalmente dispersa de toda la blogosfera) en su artículo Garabatos orientales 2 – Madurad, otakus, madurad publicado en el portal de cómics Zona Negativa —aunque extrapolando dicho argumento a la animación— es preciso mencionar que el panorama totalmente sombrío que se cierne sobre las muestras experimentales seguirá tal cual ha permanecido desde siempre. Y si existe una remota posibilidad de revertir dicha situación, no puede venir de otro lado más que de la fanaticada; ya que sí, seguirán existiendo animadores y estudios que en determinado momento se atrevan a romper con los cánones establecidos y realizar trabajos en donde nos conecten directamente con su imaginación, sin embargo estos seguirán siendo sucesos aislados como hasta el día de hoy debido a que no existe un público suficiente y definido que consuma con avidez dichas creaciones.

La influencia que cualquier fanaticada extranjera puede ejercer sobre la industria del anime, si bien ha ido creciendo conforme la industria se va expandiendo y globalizando, aún permanece siendo reducida o prácticamente nula; pero mucho peor sería si volteamos la mirada en otra dirección y esfumamos toda preocupación por dicha situación, en lugar de brindarle la importancia que este tema posee a la par que invitamos a los nuevos y viejos aficionados a otorgarle una oportunidad a lo experimental, que por naturaleza no clama y apunta por grandes masas de público, pero que innegablemente requiere un grupo de soporte mucho mayor del que actualmente posee.

Sinopsis

En una ciudad llamada Champon, un científico crea una forma de vida sintética llamada Noiseman, que borra las ondas hertzianas de la música transformándolas en cristales. Un grupo de jóvenes bikers se rebelan contra Noiseman para poder controlarlo.

Exaltando los sentidos

Si Makoto Shinkai es el estandarte del anime independiente apegado a los cánones comerciales, Kôji Morimoto, principal mente creativa tras Noiseman Sound Insect, es uno de los pilares fundamentales y máximos impulsores de la experimentación visual y narrativa en el arte del anime. Morimoto es, además, una muestra de que para hacer aquello que más nos mueve se necesita tomar al toro por los cuernos, esto se expresa con la fundación del estudio 4°C, que al día de hoy se ha vuelto uno de los refugios predilectos para aquellos que gustamos de disfrutar algo diferente. Su carrera lo ha encumbrado como uno de los máximos directores de corto y mediometrajes, pero si algo nos ha regalado, y nos sigue regalando con cada nueva aparición, es una revolucionaria forma de entender y apreciar el mundo de la animación.

La animación experimental apela, fundamentalmente, a la libertad… la libertad artística, la libertad narrativa y la libertad visual en pro de contraponerse a lo establecido dentro del ámbito comercial. Aunque la idea es romper convencionalismos al proveer vía libre para que el artista plasme sus ideas, esta no se encuentra en conflicto con las clásicas características de seguir una estructura lineal de sucesos entrelazados. Esta estructura de inicio, desarrollo y final existe y da forma a los acontecido en Noiseman Sound Insect, sin embargo dicho concepto es mezclado con todo lo experimental que Morimoto puede ser.

¿Cuántas obras literarias, producciones cinematográficas o series televisivas, conocemos cuyo argumento surge de la confrontación entre fuerzas malignas y aquellas que intenta preservar el bien y la paz? Bueno, la respuesta para dicha pregunta es que podríamos comenzar a enumerar creaciones y jamás terminaríamos sencillamente porque estamos hablando de uno de los argumentos más antiguos y universales que existe. Y lo que es aún más sorprendente es como pese a ser tocado en innumerables ocasiones y formas, continua siendo un tema central ampliamente funcional. De este argumento especialmente se ha nutrido el mundo del anime, en donde este a su vez se ha mezclado gloriosamente con ingredientes como la magia, la fantasía, los poderes sobrenaturales, el horror, las artes marciales, etc. Evidentemente, Noiseman Sound Insect, se suma a este barco de influencias, pero para deleite de todos nosotros, lo hace tratando este tema de confrontación de fuerzas contrarias desde una perspectiva completamente novedosa, interesante y con gran concepto. Morimoto toma este argumento antiquísimo y lo transmuta en 2 conceptos análogos, como son la música (en este caso representando el bien o lo armonioso) y por otro lado el molesto ruido (representando el mal o la perturbación de la armonía). El incluir una historia que se desarrolla y concluye en los pocos minutos de duración es un acierto, ya que por un lado no lo vuelve un trabajo que sería completamente ajeno a todo el público no cómplice, mientras que para aquellos que están relacionados con lo experimental notarán este movimiento en los conceptos y la inventiva que suponen.

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Noiseman, el singular villano creado por Kôji Morimoto

La mayor aportación que este genial cortometraje ofrece al mundo del anime estriba en todo lo comprendido por su particular universo. Es normal encontrarnos con trabajos que construyen un universo propio para dar vida a una historia determinado, sin embargo es igual de común encontrarnos con cadencias en cuanto detalles que terminan por no redondear la idea general que se quiere transmitir con dicho universo. Y he aquí el gran mérito de este trabajo que, con tan sólo 15 minutos de animación, formula un universo que se encuentra respaldado por un cuerpo de detalles referentes a la mecánica que rige la vida en este mundo muy bien descritos, y esto nos habla del cuidado que el director y su equipo pusieron para entregarnos el mejor trabajo posible. Entre algunos de estos detalles que podemos puntualizar se encuentran, primeramente, el diseño del antagonista de esta pequeña historia, Noiseman, cuya naturaleza y objetivos se representan fielmente por las distorsiones que sufre su cuerpo tal como lo hace el ruido electrónico sobre cualquier onda de sonido pura y armoniosa. Por otro lado nos encontramos con cómo jamás se pierde el peso que tiene la música en dicho universo y esta incluso se muestra de forma muy clara como simboliza el alma de los seres que habitan en ese universo la cual es convertida en cristales; y no olvidar como el ruido actúa de ente perturbador para alienar el actuar y pensar al contaminar la esencia vital de los personajes que, como hemos dicho, es la pureza de la música.

Para terminar de redondear el particular universo que se gesta en este trabajo Morimoto aporta su gran sentido visual, mientras que la emblemática compositora Yôko Kanno completa el experimento encargándose del apartado musical. Empezando por lo referente al soundtrack, considero que Kanno nos demuestra que es una de las más grandes en el mundo del anime, y así mismo nos demuestra que no se necesitan muchos elementos para crear un gran cuerpo sonoro, sino solamente lo justo y adecuado. Hago hincapié en esto ya que el soundtrack se compone en su totalidad por sencillas mezclas de sonidos un tanto techno y tribales, pero el timing con el que se van colocando resulta perfecto para deleitar al oído y exaltar nuestro sentidos para experimentar nuevas sensaciones a la hora de disfrutar la animación.

Cuando analizamos la trayectoria del estudio 4ºC posterior a la realización de este corto, podemos notar una clara semejanza entre la animación de una máxima del estudio como lo es Tekkon Kinkreet a la expuesta en este trabajo. Esto evidentemente nos habla de que la idea visual funcionó para cerrar una muestra de virtuosismo artístico; y no deja de sorprenderme como es que esa paleta de colores en tonos totalmente pasteles, muy discretos, sin grandes prestaciones funcionan para empatarse con una ambientación futurista muy sórdido y saturado. Yo hubiera esperado una composición de colores completamente cargada hacia los tonos eléctricos, fuertes, con grandes secuencias de luces, ya que a final de cuentas estamos tratando el tema de la música, del ruido, de lo electrónico, sin embargo el riesgo en apostar por algo poco convencional resulta todo un éxito y aporta un buen nivel de deleite visual para nuestro ojos fanáticos.

Lo mejor:

  • Un concepto muy original tanto en argumento, narrativa visual y composición musical.
  • Es como una droga para todos nuestros sentidos.
  • Muchos detalles sobre el universo y todo ellos muy cuidados por su creador.

Lo peor:

  • El ambiente se prestaba para darle un poco más secuencias de acción al corto.
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Reseña [Anime]: Halo Legends

2012/09/15 1 comentario

 Director: Frank O’Connor (y más)
 Estudios: Bones, Toei, 4ºC, Casio y   Production IG
 Lanzamiento: 2010
 Géneros: Militar, drama, sci-fi
 Demografía: Shonen
 Tipo: OVA (7capítulos)

El impacto en retrospectiva

El próximo 15 de noviembre se cumplirán 11 años del día en que la Xbox —primera consola creada por Microsoft, la multinacional empresa dedicada al sector informático— vio nacer Halo: Combat Evolved, un FPS (First Person Shooter) que marcaría el inicio de una de las franquicias más mediáticas de la industria de los videojuegos en los últimos años, que sin embargo, y aunque suene escandaloso, fue ideada para ver la luz en las filas de la compañía de la manzanita (aquí un video de Steve Jobs presentando Halo por si les pico el gusanito de la curiosidad).

Engendrada por Bungie Studios —desarrolladora que hoy en día actúa de manera independiente tras poco más de una década de ser parte de los estudios de videojuegos de Microsoft—, la primicia de Halo para MAC, era la de un Shooter en tercera persona en donde la dinámica de juego estaba centrada en las partidas multijugador, y con una apuesta marcada e importante por presentar un fastuoso concepto visual. De esta idea original, como bien sabemos, se mantuvo la vistosa estética, mientras que el sistema de juego sufrió no sólo el cambio a primera persona, sino que en una jugada brillante se construyo una elaborada historia para atraer aún más el interés a través de su modo campaña.

Tras su estreno, Combat Evolved tuvo un impacto más que inmediato y rápidamente las cifras comenzaron a subir como la espuma, llegando a vender un millón de copias más rápido que cualquier otro título de 6ta generación creado hasta ese momento. Con este rotundo éxito, y pese a que la voz de la crítica no fluyó en un único sentido, indudablemente Halo se convirtió en el emblema de la naciente consola Xbox, como lo confirma lo subsecuente: tres años después llego la ansiada segunda entrega, Halo 2, cuyo mayor atractivo recaía en la capacidad de multijugador on-line gracias al servicio Xbox Live lanzado en 2002.  Y con un lapso de tiempo similar al que existió entre primera y segunda entrega, fue que llego Halo 3 de la mano de la Xbox 360. Recaudando 300 millones de dolares sólo durante su primera semana, Halo 3 conmociono la Xbox Live al conjurar a aproximadamente un millón de fanáticos durante las primeras veinte horas después de su lanzamiento. Pero aunque esta tercera entrega significó el cierre del argumento iniciado en Combat Evolved, como sabemos de una industria que anualmente factura miles de millones de dolares, siempre existen formas de exprimir una primicia, y siendo Halo uno de los fenómenos mediáticos más importantes de la historia de los videojuegos la cosa no se detuvo en la entrega de cierre argumental, y de 2008 hasta la fecha, se han puesto en el mercado 4 títulos más, ya sea ubicados tiempo atrás de los sucesos de la primera entrega o durante la transición entre entregas.

A sabiendas que Halo había conseguido congregar una comunidad vasta de acerrimos aficionados dispuestos a hacerse con todo material posible de la saga, las estrategias de mercado rompieron las barreras del joystick, y después del lanzamiento de Halo 2 se precipitaron en torno a territorios en cierta manera impensados. Específicamente en 2006, y en un trabajo conjunto con la conocida editorial de cómic, Marvel, Bungie Studios puso en el mercado una novela gráfica bajo el nombre de The Halo Graphic Novel. Además de que gracias al éxito se retomo con unos bríos bestiales la incursión por la literatura, recorrido que inicio incluso antes de ser lanzado el primer videojuego. Las novelas e historias cortas sobre el universo de Halo suman, hasta el día de hoy, la nada desdeñable cantidad de 9 títulos, el más reciente de ellos lanzado el pasado 3 de enero y el cual sirve como preludio para Halo 4, juego que se estrenará el próximo mes de noviembre.

Halo con aires nipones

Me he permitido repasar (quizá en una medida un poco extensa) la trayectoria de esta emblemática franquicia de la Xbox, sencillamente para poner en contexto su magnitud, y para ilustrar que en la estrecha relación existente entre videojuegos y animación también se respetan las jerarquías comerciales; si esto no fuera así, Halo no habría llegado al mundo del anime por la puerta grande con Halo Legends, un conjunto de 7 cortos animados lanzados de forma recopilatoria en 2010. Este proyecto fiel a los altos estándares de calidad que han regido a todas las producciones de la saga, no es una colección de cortos animados cualquiera, sino que es un trabajo de alta costura maquinado por algunas de las más prestigiadas casas productoras del anime.

En Halo Legends convergen la tradición y experiencia de la Toei Animation, la vanguardia e inventiva de Studio 4°C, la inteligencia y profundiad de Production I.G., el impacto visual de Bones, y el inédito CGI de Casio Entertainment. Además, en adición, y a cargo del concepto creativo general, está Shinji Aramaki, conocido por dirigir tanto Appleseed como Appleseed EX Machina, cintas basadas en la idea original del enigmático Shirow Masamune. Pero este cuerpo de animación de semejante magnitud, no fue congregado de ninguna manera para dar forma a una conjunto de cortos cuya base fuera monolítica y canónica —más allá de la base guionística muy cuidada proporcionada por Microsoft a los estudios—, sino que las piezas se han alineado de esa determinada forma puramente para hacernos ver que la escencia primordial de una historia o universo, depende casi exclusivamente del tratamiento que se le de a la misma, así como del cristal con el que se observe el producto final. En este punto la diversidad de pensamientos, las formas de ver la animación, y los estilos tanto visuales como narrativos que entrañan cada uno de los estudios participantes, cobra una relevancia total para darle una perspectiva muy personal a una línea común, y deleitarnos con las bondades artísticas que provee la animación.

The Babysitter

The Babysitter, primer corto lanzado cronológicamente hablando, muestra la rivalidad entre los Spartan-II y los soldados ODST. En el, un escuadrón de ODSTs que se encuentra a bordo del Destructor DD-993, son enviados en una misión para investigar ruinas alienígenas y eliminar al Profeta del Convenant en un planeta indefinido en el sector controlado por el Convenant.

Bajo un título que no podría ser más acertado, es que Studio 4ºC (mi apreciado Studio 4ºC) da inicio a este comprendido de cortos cernidos sobre el universo de Halo. Y lo hace de una manera más que destacable, muy fiel a su estilo predominante, y que sin duda sirvió para marcar el paso de lo que estos trabajos ofrecerían con tan prestigiado cuerpo de trabajo.

La apuesta por el contraste visual

De entrada y como lo habíamos dicho, The Babysitter es un corto muy de 4ºC, es decir, estamos ante un trabajo de animación cuyo foco dominante está ubicado en un repertorio visual muy trabajado, que alterna entre estilos contrastantes y que pese a ciertos desaciertos un tanto burdos, se mantiene inteligente y harto atractivo. Casi como profetizando, 4ºC combina un diseño de personajes simple, pulcro y muy típico de la animación nipona (que incluso recuerda, por su estilo de cabello a una obra como Red Garden), con una delicia visual de ambientes trabajadísimos, que coquetean con la perspectiva en 3D y que tiene como colofón un conjunto de sombras e iluminaciones para darle realce al concepto entero. Y digo que casi proféticamente, porque basta echar una mirada a las series actuales de anime, para ver que esta mezcla se está volviendo cada vez más común.

Con una secuencia final que es una pieza magistral de animación, que resulta anonadante y vibrante a partes iguales, podríamos privarnos y afirmar que el corto está ideado exclusivamente para sacar a relucir las bondades estéticas que surgen de este universo de ciencia ficción; sin embargo 4°C no rehuye, o más bien, no le es ajeno el rubro del trasfondo, y dejando de lado la dinámica visual nos topamos con una carga emotiva de cierta importancia, así como con facetas comunes de la condición humana como son la envidia, los prejuicios, las desconfianza, etc., y como pueden sucumbir fácilmente ante una inminente desgracia colectiva. Pero por encima de este conjunto técnico-narrativo, estamos ante un trabajo de una clara apuesta desmitificante, aspecto totalmente recalcitrante para algunos e incomodo para aquellos que no están completamente al tanto del proyecto Spartan.

The Duel

Este capítulo se enfoca en la cultura Sangheili y como su instrumento más preciado, el Inquisidor, se revela en contra de los Profetas al no creer en el Gran Viaje. Como castigo por su osadía es mandado a ser asesinado por una infinita oleada de Covenant, aunque estos son asesinados por las habilidades de este Sangheili. Al darse cuenta que la única manera de detenerlo era asesinar a su esposa, los profetas la mandan matar y Fal Chavamee busca venganza hasta conseguirla.

¿Quién si no Production I.G. podría ser el artífice de esta pieza maestra? ¿Quién supervisando el proyecto sino Mamoru Oshii? Yo creo que no existe una respuesta diferente a ambas preguntas que no sea la siguiente: nadie. Production I.G. y Mamoru Oshii, a través de los años nos han maravillado en una y otra ocasión con un estilo de trabajo preocupado esencialmente por impregnar sus creaciones de madurez, de una profundidad temática y sensorial, y de una construcción firme de la psicológica de personajes. Por tal motivo no existe nadie mejor que este equipo para dar vida a una obra con semejante fuerza avasalladora como la expresada en The Duel.

Digno de un esplendido cuadro

De un estilo de animación completamente pictórico, que transgrede las restricciones estáticas y visuales propias de la pintura; The Duel no es sólo una obra diferente en lo visual, la narrativa, lo sensorial y lo temático desentonan de una magnífica manera con lo presentado por los otros 6 episodios. Estamos ante una pieza profundamente intima y personal por parte de Production I.G., una obra pensante, emotiva, lacerante, sobre el honor y la venganza, de una crudeza y violencia más interior que exterior, que se presta para múltiples lecturas, pero que sobre todo, exalta a la libertad y los ideales como el objetivo primordial de la vida.

Además sorprende muy gratamente que dentro de las diferente entregas exista una, al menos una, que nos situé dentro del otro lado de la moneda, y nos permita romper con los prejuicios que surgen respecto a estos personajes por la perspectiva en que nos sitúan los videojuegos y su dinámica de juego. En suma: una joya no tanto del universo Halo, sino específicamente del mundo de la animación nipona; unos pocos minutos de rica y profunda evocación a través de la animación.

The Package

El Spartan John-117 y el resto de su equipo son enviados a una misión para recuperar a la Dra. Catherine Halsey que había sido secuestrada por el Covenant. Los Spartans abordan un vehículo espacial y se adentran en el espacio controlado por el Covenat.

Master Chief en un CGI más que interesante

Con la guía de Shinji Aramaki, un tema de entrada que resuena en los oídos de todos los fanáticos de Halo y el fastuoso CGI emergente de Casio Entertainment, está más que claro que éste es el corto canónico del repertorio. Con la increíble fidelidad en que The Package recrear la esencia del universo de Halo que se ha consolidado con el paso de lo años, no sería de extrañar que el estilo manifestado durante este episodio fuera el que hiciera converger las opiniones de los fanáticos sobre el concepto ideal para futuros proyectos de adaptación. Y es que esto no es para menos, verdaderamente la calidad del CGI es deslumbrante y no sólo eso, recrea de una manera más que atractiva y lograda, el vertiginoso ritmo de juego con el que la franquicia ha marcado la industria a través de las horas y horas de juego de sus seguidores.

Origins (I y II)

La historia se centra en una narración hecha por la IA Cortana, quien se encontraba a bordo de la Fragata UNSC Forward Unto Dawn; en este tiempo cuenta todo lo que ocurrió tras el primer contacto de los Forerunner con el Flood y como esta gran civilización fue perdiendo la guerra hasta que toman la radical decisión de aniquilar al Flood, a toda forma viviente y a ellos mismos, para posteriormente rehacer la vida universal a través de muestras de ADN y embriones de todo ser vivo en el universo, exceptuando a ellos mismos.

Al final toda guerra deja paso a la paz, por así decirlo, y toda supuesta paz es la semilla latente de la guerra. (Shigeki)

Patlabor 2: The Movie

No creo que esté de más decir que Halo Legends no es una obra creada para cernir luz e información sobre la historia y cronología del universo Halo; no obstante, y por ese motivo, es que Origins resulta una de las entregas más fascinantes y gratificantes que se nos ofrecen, ya que si bien la audiencia es exclusivamente los fanáticos de la franquicia, no son contados a los que está información les reditúa de una forma más que ilustrativa para poder entender de mejor manera la historia de la saga.

El nacimiento de los “Halo”

Pero Origins no sólo nos provee de información sobre los albores de este universo ficticio, y lo que antecedio al conflicto entre la raza humana y la alianza teocrática del Covenant, sino que además pone sobre la mesa una prueba fehaciente de la versatilidad artísticas que entraña el vanguardista Studio 4°C. Se requiere sólo de una mirada, una mirada a The Babysitter para darnos cuenta de que no son meros experimentos al aire por parte de 4°C buscando originalidad, sino que verdaderamente dominan esta gama de estilos, y no sólo visuales, también narrativos. Origins, a diferencia de The Babysitter en donde la importancia de la narración se centra en lo que transmitan las situaciones, es una narración muy bien realizada, de buen ritmo y con mucho sentido.

Centrándonos en el segundo capítulo, el cual continúa con el proyecto de repoblación del universo, y con un estilo de animación completamente contrario al del primer capítulo, Origins II da inicio a un viaje, pero no un viaje por el espacio exterior, sino un viaje lacerante por una de las máximas recurrentes, y que puede reducir la historia de la humanidad enteramente: la guerra. Pero a medida que avanzamos por este recuento lleno de pesadumbre se presenta un aire esperanzador, sin embargo es una mera etiqueta para soltar una crítica contundente en torno a la voraz industrialización que hoy en día está muy ligada a la condición humana. La andanada de penosas actitudes, toca fondo en un punto nada baladí, que tal como no lo hace ver Camus en La Peste, no es otro que la triste realidad de que la especie humana sólo se emplea como una fuerza de bien común cuando su existencia se ve amenaza.

Lo reitero: las 2 entregas más sustanciales. Con ellas se nos ubica en una perspectiva más que adecuada para abordar, si es que así se desea, lo subsecuente en referencia a este universo, que va mucho más allá de lo que muchos pudimos pensar tras deleitarnos a medida que surgían las entregas. De ambos episodios conservo el estilo en forma de narración que me ha gusta harto.

Prototype

El Sargento de Ingeniería apodado “Ghost” fue enviado junto a su tropa a una colonia humana para la prueba de un Prototipo de armadura con grandes capacidades. Tras la prueba, el Covenant ataca el Planeta, por lo que el Protocolo Cole es puesto en marcha y toda la tecnología humana debe ser destruida. Ghost es ordenando a destruir el Prototipo y comienza su operación, no sin antes eliminar a varias tropas Covenant hasta que su escuadrón es evacuado. Más tarde es superado en número y herido de gravedad, al final auto destruye el Prototipo con la contraseña (Se humano), sacrificándose así mismo y acabando con unas cuantas unidades con la explosión nuclear del equipo.

La muerte que lo cambió todo…

A través de una atmósfera sombría, melancólica, con una tenue neblina, una soldado apunto de morir y la clara petición de intentar volver a ser un verdadero ser humano ante la invariante deshumanización del ser dentro de los conflictos bélicos, es que Bones da inicio a su participación. El episodio está repleto de acción, la lucha encarnizada y vertiginosa se apodera la pantalla, y destacan sobre todo la incursión de un repertorio visual de destellos y explosiones muy vistosos que brindan un acompañamiento perfecto para la gloriosa dinámica que se despliega y que no permite respiro.

Un problema que no es menor, es que Bones abusa demasiado del ambiente oscuro, esto lleva inequívocamente a restarle brillo a las secuencia muy pulidas y pensadas. En muchos momentos llega a perderse la perspectiva del combate y resulta molesto el que nos priven de desgustar el espectáculo visual en su máxima expresión. Pero un acierto importante se encuentra en el trasfondo introspectivo y de redención que aporta el episodio.

Homecoming

La Spartan Daisy-023 es enviada a proteger a un escuadrón de Marines en Harvest. Durante su encuentro con las tropas del Covenant, Daisy comienza a recordar cuando trató de abandonar el proyecto y escapar de Reach. Más tarde al pedir la evacuación, se encuentra con el Spartan retirado, Ralph-303, quien ahora pertenece al Cuerpo de Marines del UNSC. Antes de la evacuación Daisy es herida de muerte por lo que decide sacrificarse para que los Marines pudieran ser evacuados en un Pelican. Sin embargo, el Pelican es destruido y los esfuerzos de Daisy fueron en vano. Al final, posiblemente el jefe maestro encuentra su cadáver y se dirige a un nuevo punto para su evacuación y seguir su mision.

Final carmesí…

Salvaguardando la deslumbrante calidad y realismo de algunos ambientes, y pese a que la historia de este episodio gira en torno a un punto sustancia de la historia como lo es lo relacionado con el proyecto Spartan, me ha parecido la entrega más flojita de todas y me ha dejado un hueco bastante considerable de insatisfacción. Y aunque es bastante descorazonador el secreto tras el proyecto, siento que la manera en que se aborda a través de este episodio no resulta la más adecuada, aunque no puedo ocultar que en cierta medida si se conecta con el espectador para transmitir un poco el sentir de la inconcebible realidad tras el proyecto.

Odd One Out

Luego de Caer de un Pelican a un planeta desconocido, el Spartan-1337 se encuentra con un par de niños nativos, quienes se dirigen al Spartan como Señor Robot. Por otra parte, el Profeta de la Verdad envía a Plutón, una creación biológica que es asignada para matar a John-117. Debido a una confusión Plutón es enviado hasta el lugar del Spartan-1337, por lo que este deberá enfrentarlo con la ayuda de unos adolescentes que cuentan con habilidades especiales.

Si The Package es la obra canónica del comprendido, Odd One Out es la obra más nipona con la que nos encontramos, y la que expresar mejor una de las intenciones de encargar la tarea a un cuerpo de trabajo diverso: brindar diferentes ópticas de la franquicia y llevarla a territorios insospechados.

Las apariencias engañan, y esto para nada es serio…

De un estilo narrativo totalmente desenfadado, Odd One Out es un episodio evidentemente paródico sin mayores afanes que divertirnos, sacarnos unas carcajadas y porque no, dejarnos perplejos en más de una ocasión. Su estilo de dibujo, simplista aunque de trazos definidos, deja bastante que desear en comparación con todos los demás cortos, sin embargo en ello entraña un punto importante de su idea.

La acción es uno de los puntos clave en la dinámica del videojuego, pero como era de esperarse viniendo de un estudio como Toei Animation, que ha albergado a míticos Shonen, tales como: Dragon Ball, Hokuto no Ken, Saint Seiya, por citar algunos, en este episodio la acción no es ni de lejos a la que estamos acostumbrados en los videojuegos. Haciendo alusión a los grandes clásicos que han transitado por el estudio, en Odd One Out la acción es llevada a niveles superlativos, inverosímiles, desaforados… El despliegue de fuerza física y velocidad es sencillamente bestial y las explosiones son de proporciones descomunales y exageradas. Sin duda elementos que lo hacen un corto de un sabor muy particular y que agradara de sobremanera a los que han crecido con Shonen ochenteros y noventeros. Aunque eso sí, la comedia está diseñada expresamente para el público norteamericano.

Lo mejor:

  • La diversidad en los episodios le da gusto a cualquiera.
  • La convergencia de diferentes formas de plasmar un guión, de expresar sentimientos y de narrar situaciones.

Lo peor:

  • No vale la pena verla sin tener ciertas nociones del universo y su historia.

Reseña [Anime]: Sweat Punch (Deep Imagination)

2012/04/10 2 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Nakazawa Kazuto, Osamu Kobayashi y Hidekazu Ohara

Estudio: 4ºC

Fecha de transmisión: 2002

Géneros: Acción, fantasía, mecha, ciencia ficción

Demografía: Shonen y Seinen

Tipo: OVA

Episodios: 5

 
 

 

Sinopsis: Colección formada por cinco historias independientes de carácter muy experimental de diez minutos cada una, todas ellas bajo la producción de Studio 4ºC. Las cuatro primeras (editadas inicialmente con el título Sweat Punch) fueron desarrolladas entre 2001-2002 y posteriormente se añadió una quinta, Junk Town, relanzando las primeras junto a ésta a modo de OVA, bajo el titulo de Deep Imagination.

Comentario personal: En esta ocasión vamos a cambiar un poco el esquema habitual de reseña, ya que no abordaremos una sola obra, sino que nos internaremos en una colección de historias cortas totalmente inconexas entre si, motivo por el cual he decidido mezclar la habitual crítica junto a una breve descripción de cada obra. Sin más preámbulo pasamos a lo realmente importante:

Professor Dan Petory’s Blues

¿Por qué los OVNIs vuelan erraticamente? En este pequeño corto el irreverente y paranoico profesor Dan Petory nos brindará una respuesta más que sustancial a este y otros fenómenos.

Estamos tan habituados a obras con historias tan estructuradas —más allá de la profundidad de las mismas— que visionar un corto de este tipo resulta una experiencia extraña y vacilante; para muchos de una extrañeza agradable y refrescante, mientras que para otros son burdas y absurdas. Y esto sucede a mi parecer debido al error de medir todas las obras con la misma vara, en vez de buscar la apuesta principal a la que aspira el metraje.

Professor Dan Petory no es otra cosa que un festín de animación, una muestra de las excelsas capacidades y la versatilidad con que puede obrar el equipo de 4ºC. Esto lo podemos constatar en la totalmente elogiable forma en que se logran reunir tantos diferentes estilos de animación y volverlos algo funcional, lo que refuerza la verosimilitud con que articula el personaje central sus teorías, pero que no abandonan, sino que refuerzan la atmósfera de locuacidad propuesta por tan peculiar protagonista.

End of the World

Durante un típico concierto de música punk, Kazumi conoce a Yuko, a simple vista una chica común y corriente; sin embargo Yuko no pertenece a esta dimensión, y aunque se lo menciona a Kazumi, está la invita a su departamento, sin prever los extraños acontecimientos que están a punto de suscitarse y que demuestran que efectivamente Yuko pertenece a otra dimensión.

Un diseño simplista, un tanto burdo y bizarro, con leves toques de erotismo y aderezado en momentos por colores vomitivos, es lo que cobija a esta obra de carácter un tanto surrealista, que nos lleva a una forma diferente de ver la ciencia ficción. Más allá de los detalles estilísticos difícilmente se  puede encontrar un sentido general y racional para los acontecimientos, pero es innegable que ese mundo delirante al que nos transporta nos lleva a pensar en toda la obra como una posible metáfora sobre la juventud disparata de nuestros tiempos. Sin embargo no creo que el corto este hecho para obtener un sentido profundo de las cosas que se muestran, sino como una simple forma de expresión artística.

Comedy

Corto que nos narra un hecho ficticio denotado dentro la guerra Anglo-Irlandesa  de 1919. En este una pequeña de apenas 5 años, ante el temor de que su pueblo sea arrasado por los ejércitos Ingleses, se embarca en un corto viaje hacia el bosque negro en búsqueda de un mítico caballero cuyas habilidades son capaces de derrotar a un ejército entero; pero sus servicios no se pueden comprar con dinero, para ello se requiere un libro que guste a tan misterioso personaje.

En mi humilde opinión, Comedy es el corazón de esta pequeña colección de cortos. Decir que en sólo 10 minutos es posible lograr desplegar una historia suficientemente en forma resulta hasta cierto punto inverosímil, pero sólo hace falta darle una mirada a esta breve animación para despejar todas las dudas y sucumbir ante la maestría con que se plasma y se narra este hipotético relato sobre la hazaña del mítico “Caballero Negro”.

En Comedy no sólo se reúne una narrativa atractiva e intimista, sino que se despliega un concepto artístico bastante plural: un diseño de personajes de aspecto blanco espectral, con no más detalle que los absolutamente necesarios; una ambientación que nace de una paleta de colores muy reducida, que nos lleva a una atmósfera medieval sombría, lúgubre, pero sobre todo muy bien construida. Estos aspectos hacen de ésta, una obra que vale la pena contemplar con total serenidad de la misma forma que la pequeña niña contempla al distante y misterioso caballero, a fin de degustar en su totalidad los sentimientos que evoca este conjunto de maestría artística.

Si bien el corto es bastante redondo, es imposible no destacar de entre el conjunto la inclusión de una hermosa pieza musical como es el “Ave María” de Franz Schubert, que indudablemente cae como anillo al dedo para potenciar la forma narrativa de este relato que tiene como climax la puesta en pantalla de la gran hazaña del Caballero Negro a través de una animación muy fluida y vibrante. En resumidas cuentas podemos calificarla como “la belleza hecha anime”.

Higan

En un obscuro bosque se libra una frenética batalla entre tanques y robots armados, sin embargo esta batalla no es más que un vivido recuerdo del pasado militar de un hombre que pasa sus últimos momentos postrado en una cama de hospital.

Después de Comedy, Higan es mi corto favorito de esta colección. En este corto no hay música que acompañe la escenas, no hay un intimismo artístico representado en un estilo de animación diferente, pero esto se justifica porque existe un trasfondo bajo esos miseros 8 minutos.

Está más que claro que el tema son los conflictos armados y su relación con el ser humano, pero resulta un tanto ambiguo que es lo que intenta comunicar verdaderamente. La frase: “Parece tan en paz…” dicha en los últimos momentos de la vida del personaje, no hace pensar que el se sentía libre, tranquilo mientras combatía; pero viéndola desde otro punto el hecho de que esté recordando el campo de batalla en sus últimos momentos nos habla de que la guerra es algo en lo cual una vez entras te atenaza sin darte tregua hasta consumirte física y psicológicamente. Más allá del trasfondo mencionar que la animación me pareció bastante interesante, muy apegada a las nuevas tendencias, con efectos de iluminación y brillo bastante notables que redondean un poco más el sentido general del corto.

Junk Town

Un niño pasea por su barrio al mismo tiempo que observa todos los robots cercanos a los comercios mientras realizan sus tareas. En uno de los pasajes entre comercios, un pequeño robot devora a otro, produciendo una pieza con el material; siguiendo al robot, el niño descubre cómo se va comiendo cualquier robot a su paso produciendo cada vez más y más piezas que va a arrastrando tras de si. ¿Qué hará con todas esas piezas?

El más extenso de los cortos, y también el más divertido, sencillo e imaginativo de todos. Me pareció muy divertido y atinado las caras de perplejidad de los pequeños ante la voracidad del pequeño robots, y más aún porque yo mismo compartía esta reacción de asombro que me dejaba un sabor muy agradable. Resaltar la la originalidad de usar globos de texto para representar los pensamientos del chico.

Junk Town un corto con el cual es imposible no recordar aquellas agradables vivencias de una infancia pasada, fácilmente recomendable para fanáticos de cualquier edad, pero que sin duda por su estilo de animación y su breve argumento está totalmente enfocada al público infantil.

Lo mejor:

  • Todos los cortos tienen su atractivo particular, y son lo suficientemente variados como para no encontrar al menos uno que te satisfaga completamente
  • Disfrutar de las ideas frescas y originales que 4ºC aporta al mundo de la animación Japonesa

Lo peor:

  • ¡La duración!

Studio 4ºC, anime de vanguardia

Desde la segunda década del siglo XX, época en que Osamu Tezuka inició y sentó las bases de lo que hoy conocemos como “anime”, inspirado  fuertemente por las obras de Walt Disney, hasta llegar al siglo XXI, el mundo del anime ha vivido y pasado por diferentes etapas tanto ideológicas como de animación. Dentro de estas etapas o transformaciones, algunas han tenido mayor impacto que otras, y sin duda la época que vio nacer algunas de las más grandes revoluciones dentro de la industria, no es otra que la década de los 80’s.

La época de los 80’s, es sin duda una década privilegiada dentro de la historia del anime, no sólo vio nacer al estudio Ghibli, el cual hasta el día de hoy nos sigue maravillando con cada trabajo que brota de sus manos, sino que también pudo presenciar como Akira, obra de Katsuhiro Otomo, puso de manifiesto que el anime no era sólo patrimonio de los niños y jóvenes, sino que lo abrió a un público mucho mayor. Y por último, la década de los 80’s fue testigo de cómo se plantaba una pequeña semilla llamada “Studio 4ºC”, la cual tendría que esperar casi una década antes de poder germinar. 

Un particular nacimiento y una ardua tarea de consolidación

Actualmente el estudio 4ºC se ha ganado un lugar muy especial dentro del mundo del anime, y sus obras poco convencionales y de una tremenda calidad visual, resaltan ante la monotonía que aqueja a gran parte de la industria. Aunque 4ºC ya es un estudio consolidado dentro del anime, resulta muy interesante y bastante divertido, conocer cómo es que se dieron las circunstancias para el nacimiento de este proyecto, el cual de una u otra manera dependió de la creación de Ghibli y Akira, para poder nacer.

Humor negro y mucho rock pesado es lo que ofrece DMC

La formación del estudio 4ºC, se debe de manera indirecta al mangaka Katsuhiro Otomo, ya que durante la realización de Akira, se conocieron Eiko Tanaka y Koji Morimoto, quienes a la postre serían los creadores de 4ºC. Ghibli también tiene parte dentro de este proyecto, ya que Eiko Tanaka trabajó para el estudio Ghibli durante sus inicios, en las obras: Mi Vecino Totoro y Kiki’s Delivery Service.

Los primeros proyectos de 4ºC llegarían en 1995, casi 10 años después de su creación en abril de 1986. El primer proyecto fue Tobira o Akete y posteriormente ese mismo año trabajaron en la película Memories, dirigida precisamente por Katsuhiro Otomo. La idea de Eiko y Morimoto al fundar 4ºC, era crear una estructura que permitiese a los artistas crear obras personales dotándolos de una cierta libertad artística, y actualmente podemos confirmar que este objetivo se ha cumplido satisfactoriamente.

En el actual panorama del anime, el estudio 4ºC juega un papel muy importante dentro de la industria, ya que este ha venido a darle un aire revitalizante a la forma de cómo crear anime. Podemos catalogar a 4ºC como el estudio padre del anime vanguardista y experimental, podemos describir sus obras como un viaje alucinantemente artístico, con una animación totalmente extrovertida, que para algunas obras es burda, y para otras es altamente detallada, pero que en todo momento respaldan unas ideas tan atrevidas como inteligentes.

Galardones y actualidad

Dentro de las obras más destacadas de este estudio, sin duda destacan la película Mind Game, dirigida por Masaaki Yuasa, la cual en 2004 gano el premio “Ōfuji Noburō” del festival de cine de Mainichi, además de ganar ese mismo año el premio a mejor animación durante el Festival de Arte de Japón, derrotando a Howl’s Moving Castle. Tekkon Kinkreet es otra de las obras más famosas de 4ºC, la cual en 2006 gano el premio “Ōfuji Noburō” del festival de cine de Mainichi, así como los premios ha mejor historia y mejor director durante el TAF de 2008.

Mindgame revoluciono las mentes de los fanáticos en 2004, gracias a extravagancia psicodélica

En fechas recientes el estudio ha venido ganando popularidad dentro de los círculos de fanáticos más apegados a los típicos esquemas del anime, razón por la cual el estudio ha comenzado a abrirse a nuevos proyectos no tan experimentales, entre los que destacan: la adaptación de la clásica serie norteamericana, Thundercats; el corto basado en el próximo juego de Kid Icarus para el 3DS. Además destacar la adaptación cinematográfica —a estrenarse el 4 de febrero de 2012— del popular manga de fantasía épica creado por Kentarou Miura, Berserk.

Ya con 25 años de trayectoria desde su primer trabajo, 4ºC se ha logrado convertir en un estudio de culto para aquellos fanáticos que buscan obras no convencionales y que ponen de manifiesto que aún existen ideas frescas dentro de este mundo que tanto nos apasiona. Sin duda una excelente alternativa para todos aquellos que deseen aventurarse en la animación de carácter experimental. Y eso sí, recomendarles tener mente abierta cada vez que vayan a ver una obras de este maravilloso estudio.

Lista de proyectos:

Películas

  • Memories (1995)
  • Spriggan (1998)
  • Princess Arete (2001)
  • Mind Game (2004)
  • Tekkon Kinkreet (2006)
  • Sachiko (????)
  • First Squad: The Moment of Truth (2009)
  • Berserk Golden Age Arc (Febrero 2012)

Series de TV

  • Uraroji Diamond (2000)
  • Piroppo (2001)
  • Tweeny Witches (2004)
  • Kimagure Robot (2004)
  • Ani*Kuri15 (2007)
  • Transformers Animated (2008)
  • ThunderCats (2011)

OVA

  • Tobira O Akete (1995)
  • Debutante Detective Corps (1996)
  • Noiseman Sound Insect (1997)
  • Eternal Family (1997)
  • The Animatrix – “Kid’s Story” (2003)
  • Hijikata Toshizo: Shiro no Kiseki (2004)
  • Batman: Gotham Knight (2008)
  • Detroit Metal City (2008)
  • Street Fighter IV – Aratanaru Kizuna (2009)
  • Halo Legends – The Babysitter, Origins (2010)

Cortos animados

  • Gondora (1998)
  • Digital Juice (2001)
  • Jigen Loop (2001)
  • Sweat Punch (2007)
  • Amazing Nuts! (2006)
  • Tamala’s “Wild Party” (2007)
  • Genius Party (2007)
  • Genius Party Beyond (2008)
  • The Babysitter (2009) Halo Legends
  • Orion (2010)
  • Kid Icarus (Sin confirmar)