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Recortando la temporada: Anime para verano 2014

Recortando Summer 2014

Antes de pasar a lo que compete a esta entrada, deseo, apelando a su paciencia, tomarme unos momentos para comentar un poco la situación general de este espacio a raíz de esa última entrada en la cual anuncie mis intenciones por incursionar en la creación de video podcast colaborativos, y en la cual también externe —y puse como principal motivo para dichas intenciones—  el agobio y frustración mental que me sobrecogían cada vez que me sentaba frente al teclado.

Desde que hice de su conocimiento mis intenciones por volcar mi tiempo en un nuevo proyecto han pasado ya poco más de dos meses, tiempo más que suficiente para que ustedes se estén preguntando ¿cuándo iniciará el proyecto? O, ¿en que fase se encuentra? Bueno, lamento informar que de momento no vamos a ningún lado con dicho proyecto. La razón de ello es debido a que dentro de los escasos fanáticos que atendieron mi invitación a través de los diferentes sitios a los cuales recurrí, ni uno sólo tenían el más mínimo interés ni por el anime clásico ni por el manga, lo cuál aún me inquieta siendo que en todos los sitios que publique el anuncio hice énfasis en este detalle.

Cualquiera consideraría este un fracaso rotundo (siendo sincero lo es), sin embargo, estos dos meses me han servido para reflexionar sobre todo lo relacionado con este espacio, y pensar las cosas más claramente sobre lo que deseo para su futuro. Así que puedo decirles que si bien la invitación resulto infructuosa, no voy a quitar el dedo del renglón, y de hecho voy a tomar el toro por los cuernos al proponer la idea directamente con bloggers activos que encajen en el perfil que busco, aunque con el ligero cambio de que el proyecto ahora sería un podcast simple, es decir, sólo audio. De igual forma, y ya para no extenderme más en esto, mencionar que independientemente de la cristalización o no del proyecto, continuaremos con el contenido escrito, aunque claro en la medida que las nuevas obligaciones lo permitan, ya que si hemos mantenido este espacio durante más de dos años de esta forma, no hay razón para desistir ante problemas que han estado ahí desde un inicio.

A path is something you create as you walk it. The ground you’ve trodden hardens, and that’s what forms your path. You’re the only one who can create your own path. Walk on your own. If you haven’t given up yet, that is.

Cross Marian (D.Gray-Man)

¡El verano ya está aquí! Y con el no sólo llega este calorcito que nos hace querer ir a la playa o a la piscina, tomar bebidas refrescantes y vestir ropa ligera y sandalias. También trae de la mano una nueva dosis de anime que, a primera vista, luce muy disfrutable e interesante, tanto como para quedarse en casa con algo refrescante en un lado. Es por ello que a través de Habitación Otaku te contamos cuales son nuestras preferidas:

El misterio y horror se apoderarán del verano

El misterio y horror se apoderarán del verano

Título: Tokyo Ghoul

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 3 de julio

La historia se ambienta en Tokio, donde extraños asesinatos han sido cometidos… dejando un extraño liquido como evidencia en los crímenes. Ante este extraño patrón la policía concluye que se trata de algún tipo de “Ghoul” devora hombres. Kaneki Ken es un chico de universidad que creen que los ghouls están haciéndose pasar por humanos, siendo esta la razón de que nadie se haya topado con ninguno… y puede que su teoría tenga bastante de verdad, más de la que se puede imaginar.

A través del misterio, la violencia, los seres sobrenaturales, elementos psicológicos, referencias a Osamu Dazai y Franz Kafka, y especialmente una animación de altísimo nivel técnico que cobija y potencia el argumento a niveles completamente diferentes a los mostrados en el manga original, es que Tokyo Ghoul se presenta como uno de los lanzamientos más atractivos para esta época del año. Una obra que sin lugar a discusión posee un potencial tremendo para complacer por completo el paladar de todo fanático de las series de misterio y horror. Entre sus credenciales se cuentan sus 10 tomos recopilatorios, así como ubicarse entre los 30 mangas más vendidos a lo largo de todo el año pasado.

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Tributo a la noble arte del Kamishibai

Tributo a la noble arte del Kamishibai

Título: Yami Shibai

Tipo: Serie

Fecha de estreno: por definirse

Yami Shibai es una historia ilustrada cuya temática son los rumores y las leyendas urbanas que han circulado a lo largo de la historia por Japón y animada mediante la técnica del “kamishibai”, o lo que es lo mismo, usando figuras de papel y pergaminos.

A través de las anteriores entregas siempre nos abstuvimos de incluir lanzamientos que tuvieran relación, ya fuera de precuela o secuela, con obras recientes; sin embargo, siempre hay una excepción, y es que Yami Shibai sin duda merece ser mencionada como una de las indispensables en la lista de todo fanático. Pero, ¿qué hace tan especial a esta serie de historias cortas como para ponerla en pedestal? Fácil sería presentarla como una apuesta totalmente refrescante, con una base narrativa tanto argumental como visual digna de elogio y de provocar todas las sensaciones a las que apela el terror. Pero hacerlo sería quedarnos cortos, ya que no es sólo una bocanada de aire fresco, sino también una obra que rinde un merecido tributo a la noble arte del Kamishibai, que durante varios siglos sirvió como uno de los métodos predilectos de enseñanza en el pueblo japonés, y que incluso cautivo a genios del manga como Shigeru Mizuki. Y de manera semejante tenemos toda esta conexión con la riqueza del más claro folclore japonés, en donde también se incluyen las cuantiosas leyendas urbanas que forman parte ya de la identidad del país del sol naciente.

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“Aprieta el gatillo del mundo”.

Título: Zankyou no Terror:

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 10 de julio

En un día de verano… De repente, una inmensa bomba explotó en Tokio. Los culpables tras el ataque terrorista que despertó a esta nación complaciente, sólo eran dos chicos. Los culpables, ahora conocidos como “Sphinx”, comenzaron un juego masivo que envuelve a todo Japón.

Yoko Kanno en la música, Shinichiro Watanabe en los controles… ¿¡qué más podemos pedirle al mundo, señores!? No cabe la menor duda de que tener a estos dos colosos de la industria compartiendo escena, ha hecho que Zankyou no Terror sea, por encima de su argumento, el máximo foco de atención proveniente de la animación original. Pero no nos quedemos ahí, el argumento que Watanabe estará dirigiendo bajo la animación, la preciosa animación del estudio Mappa, luce sumamente interesante y prometedor de la mano de esta exploración de uno de los temas más preocupantes de los últimos años: los ataques terroristas. Un thriller que seguro dará de que hablar, y mucho.

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El fenómeno del Mahou Shoujo regresa

El más grande fenómeno del Mahou Shoujo regresa a la TV

Título: Pretty Guardian Sailor Moon: Crystal

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 5 de julio

Usagi Tsukino es una estudiante de segundo curso un poco torpe y llorica, pero que siempre está llena de energía. Un día se encuentra con Luna, un gato negro con una luna creciente en la frente, y se transforma en “Sailor Moon”, una guerra del amor y la justicia que luce un traje especial. Elegida como la guardiana de la justicia, a Usagi se le encomienda la misión de encontrar el “Cristal de plata ilusorio” junto a otras Sailor y de proteger a la Princesa. Mientras tanto, la Reina Beryl, realeza del Reino Oscuro, envía secuaces a la ciudad en la que vive Usagi para arrebatarle el Cristal, que resulta ser un objeto con un poder inmenso. Y entonces, extraños sucesos comienzan a darse… ¡¿Podrá Sailor Moon, acompañada del resto de Sailor, encontrar el Cristal y proteger a la Princesa?!

¿Qué más se puede decir de la máxima creación de Naoko Takeuchi que no haya sido dicho ya?  Sailor Moon es una obra que no requiere presentación alguna, no sólo dentro del territorio japonés, sino también a nivel mundial. Estamos ante el retorno del máximo icono en la historia del Mahô Shôjo. Una serie que se extendió a lo largo del orbe cautivando al público femenino y masculino por igual rompiendo las barreras demográficas. Anime que nos hará evocar los mejores momentos de nuestra infancia, y para los fanáticos de latinoamérica, sin duda rememorar aquella época dorada en donde la animación nipona era pieza fundamental de la programación en la TV abierta.

+ Info:

Pues hemos llegado al final de las recomendaciones. En esta ocasión enfocadas exclusivamente a la parte destinada a la pantalla chica y dejando a un lado lo habitual que era incluir también producciones cinematográficas. Pero tampoco queremos desentendernos por completo y sólo les recordamos tener un ojo sobre la nueva producción de Ghibli, Omoide no Marnie, ya que polémica o no últimamente para el estudio, Ghibli siempre será la más grande máquina de sueños del país del sol naciente.

¡NOS VEMOS EN LA PRÓXIMA TEMPORADA!

Reseña [Manga]: Inugami

2014/04/12 3 comentarios
 Autor: Hideo Yamamoto  Revista: Young Sunday  Lanzamiento: 1992  Géneros: Drama, psicológico  Demografía: Seinen  Tomos: 1

  Autor:  Masaya Hokazono
  Revista: Afternoon
  Lanzamiento: 1997
  Géneros: Sobrenatural, psicológico, ..gore, folclore, thriller
  Demografía: Seinen
  Tomos: 14

Según el folclore japonés para dar vida a un Inugami, perro divino, se debe enterrar a un perro doméstico al hasta el cuello, y colocar comida y agua a una distancia cercana, pero no lo suficiente como para que pueda alcanzarla. Cuando, después de un largo tiempo de sufrimiento y agonía, el animal está a punto de fallecer, enloquecido por alucinaciones, se le debe dar muerte y cortar la cabeza. Posteriormente, ésta debe enterrarse en una calle especialmente ruidosa y bulliciosa. Pasado un tiempo, la cabeza – o la cabeza y el cuerpo, según otras versiones – debe ser colocada en un santuario preparado al efecto. A partir de ese momento, el Inugami puede ser invocado.

Otra versión nos habla de que debemos reunir varios perros y encerrarlos a todos en la misma habitación sin agua ni comida. Una vez que solo quede uno de los perros que ha sido encerrados, se debe tomar a este y cortarle la cabeza. De esta forma queda sellada la creación del perro divino.

Con este ritual conseguimos sacar el lado maligno de los perros y convertirlos en Yokais, ya sea por la rabia contenida de no poder alcanzar el alimento o por la desesperación y rabia de tener que enfrentarse contra sus congéneres. El humano que creaba un Inugami era llamado Inugami-mochi (poseedor de Inugami) y eran etiquetados como brujos. Hubo una época que la creación de Inugamis era muy extendida ya que son seres con grandes poderes y están al servicio de los humanos.  Si bien el uso de estos espíritus-perro podía proporcionar buena fortuna y riqueza a sus osados invocadores, sobre todo, eran usados como instrumentos sobrenaturales para venganzas, asesinatos y otros actos de maldad.

Sinopsis

Fumiki Shimazaki, un estudiante de instituto, tiene un sueño de vida: convertirse en un poeta. Pasando más tiempo dedicado a sus poemas que atendiendo sus menesteres escolares, es reñido tanto por sus profesores como por su mejor amiga, Mika… Para escapar de su entorno, el encuentra refugio en una antigua fabrica abandona.

En ella, Fumiki encuentra a un misterioso y enorme perro. Un perro que es capaz de entender el lenguaje humano y que además tiene la espeluznante capacidad de poder sacar afiladas cuchillas de su frente. En una de sus orejas este extraño animal tiene marcado el número “23”. Y pese a que existen muchas interrogantes la amistad entre Fumiki y el misterioso perro es forjada rápidamente. Sin embargo, lo que Fumiki no sabe, es que este encuentro está muy lejos de ser algo meramente fortuito, y que la conexión entre ambos va mucho más allá, y que existe una misteriosa organización que desea obtener los secretos de “23”, y aspirar al control del Tokoyonokuni, la tierra más allá del océano de la muerte, los ancestros y el alma humana. El paraíso de la vida eterna.

La furia de los Inugami

Inugami representó mi tercer encuentro con Masaya Hokazono. Aunque quizá sería más correcto decir que es un segundo y medio encuentro, ya que después de Emerging —que represento la primera ocasión en que leí algo de su autoría—, la segunda ocasión en que confluimos no fue en un manga en entero de su mente y manos, ya que fue Girlfriend, en donde Hokazono participa únicamente con la historia y guión, delegando la responsabilidad del arte al educado y hermosísimo trazo de Court Betten. Lo que sí, es que Inugami, por voces que había escuchado a través de la vasta red, simbolizaba mi más esperado encuentro con dicho autor, y con el cual esperaba llenara el vacío que Emerging me había dejado.

Independientemente del nivel de calidad de Inugami, este es un manga que se encuentra dentro de ese selecto y singular grupo de obras que poseen de forma innata la capacidad para despertar interés en el lector e incluso llegar a hechizarlo con tan sólo leer la idea general, degustar el arte que da vida a su portada y recorrer unas cuantas páginas. Y es que no es para menos, las credenciales con las que se presenta este manga forman una bizarra y enigmática mezcla que inequívocamente levanta mucha expectación para cualquier asiduo lector de Seinen: elementos del folclore japonés como tema central, violencia y gore, magia negra, elementos de thriller, organizaciones secretas, personajes desequilibrados y con delirios de grandeza, un dibujo prolijo y descriptivo, entre otros elementos que vienen a cerrar este atrayente círculo temático.

La trama de Inugami, cobijada por el corpus de temas y elementos antes descritos, no tiene necesidad de empezar de a poco, de llevar un ritmo cauto e ir desarrollando poco a poco un tema como ocurre en obras que no se erigen sobre una diversidad temática. Dicha situación se encuentra perfectamente presente en las ideas de su creador,  que sin pestañear, y prácticamente desde el primer capítulo, nos deja ver que estamos ante un manga nacido para circular a un ritmo voraz y ser narrado de una forma salvaje y poderosamente visual. Hokazono abre la puerta hacía su historia apoyándose en el gore, usando esta violencia gráfica para estimularnos visualmente y acelerar nuestros sentidos de modo que estemos en la sitonía perfecta con el ritmo de narración. En este aspecto las relaciones más directas y esenciales no tardan mucho en ser entabladas, y de forma muy apremiante para el lector desde muy temprano se empiezan a tejer los elementos fundamentales del manga. Aunque claro, sin tampoco ir demasiado de prisa ni filtrar demasiada información, sino sólo la necesaria para mantener el ritmo ágil y voraz, a la par que se involucra al aficionado a formular sus conjeturas y relacionarse más con el trasfondo.

Inugami Thu

La potencia visual de Hokazono  proyectada a través de los Inugami.

Durante casi todo lo que comprende la primera mitad —que vienen siendo siete tomos—, Inugami mantiene una curva creciente en todo su conjunto, y especialmente en los elementos temáticas, que se van abordando a buen ritmo y, especialmente, poseen un sentido, hasta ese momento, claro y digerible. Sin embargo, a medida que la obra va pasando de su etapa de desarrollo y se va haciendo adulta, se comienza a percibir que algunos elementos principales comienzan a perder credibilidad dentro de la medida en que estamos hablando de un manga que cimenta sus argumentos en elementos de mitología y elementos sobrenaturales. Ello viene originado consecuencia de que el autor intenta evolucionar demasiado sus argumentos, los toca demasiado a lo largo del recorrido que los distorsiona y los lleva a niveles desproporcionados que para nada son agradables para cualquier paladar que guste de argumentos sólidos y que evolucionen en forma coherente.

Cuando se esta en este mundo del cómic japonés por un buen tiempo y de una forma completamente seria, el nombre de un autor pasa de ser simplemente algo que acompaña a la portada, para convertirse en el más claro referente sobre que tipo de manga y que características tendrán más allá de los elementos puramente temáticos. Y son estos detalles lo que, por supuesto, lleva a que exista una complicidad entre un autor y un grupo de lectores, no olvidando que la mayoría de las veces este tipo de detalles aportan cosas ciertamente favorables para cualquier historia. Sin embargo, esto no siempre fluye en sentido positivo tal como en lo que respecta a Hokazono, quien como más tarde lo confirmaría con Emerging, tiene una fijación muy marcada por los lazos afectivos y situaciones tendencia romántica. Si bien en Inugami estos elementos no son los que dan el cerrojazo a la historia, como si lo son en Emerging, su aparición mina casi pro completo la atmósfera salvaje y despiadada que el autor había creado, además de que no sacan de ese estado de exaltación e intensidad en que es inevitable caer página a página. La incursión de este profundo sentimentalismo en una obra con mucha violencia visual, evidentemente es una prueba de que una obra puede echarse a perder de forma inconsciente a medida que las ideas más personales del autor rebasan su control sobre la historia y sus elementos.

El apartado visual con el que Hokazono cobija a su argumento es claramente un punto que se encuentra libre de estos vaivenes que terminan convirtiéndose en nocivos para la salud del manga; este consiste en una extraña mezcla entre un estilo tranquilo y sobrio, y por otro lado nos encontramos con un dibujo de alto impacto, altamente detallado y cargado hacia la violencia. A lo largo de los catorce tomos que la componen, asistimos a un magistral espectáculo de domino de los tiempos narrativos en donde no podemos más que quedar extasiados al presenciar esta alternancia entre ambos estilos que vienen a dar vida a la situación actual de la historia. Dentro del apartado técnico otro elemento que se maneja con maestría es la utilización de las sombras, iluminaciones y los fondos detalladísimos, y no olvidar lo bien que los personajes proyectan los sentimientos que están viviendo, especialmente la angustia y el terror. Quizá lo único que podría empañar la construcción visual es si vemos a esto en conjunto con la trama, lo cual convierte al espectáculo de violencia y muerte, en gore completamente gratuito, ya que el naufragio que sufre la historia en la segunda mitad no justifica esta oda a los desmembramientos que supuestamente obedece al plan de exterminación humana.

En definitiva, Inugami es como esta reseña: en primera instancia levanta mucha expectación, presenta cosas y fórmulas muy interesantes y originales; más sin embargo, a medida que la cosa se va haciendo adulta, empezamos a presenciar un cambio completo de guión que niega todo lo bueno que lo precedió. Lo que inicia como una historia de múltiples matices y vértices muy frescos y estimulantes, termina por convertirse en una burbuja que crece sin sentido y sin control. Es una obra de esas que decepcionan enormemente, y no por ser simplemente humo o no tener pies cabeza, sino por perder el piso e ilusionar con algo de gran magnitud. Un manga completamente agridulce… aunque eso sí, completamente estimulante visualmente.

Lo mejor:

  • La mayor parte del manga se lee con una velocidad ágil y constante. No hay mucho diálogo innecesario.
  • Satisface los más básicos gustos de cualquier fanático del gore. E incluso puede llegar a provocar más.
  • El autor arma un experimento visual con la mezcla de estilo bastante interesante y gratificante.

Lo peor:

  • La historia se infla demasiado, tomando proporciones insanas que distorsionan todo sentido.
  • Hokazono deja que su sentir más profundo invada la temática de la obra.
  • Levanta muchas expectativas y a final de cuentas no cumple la mayoría de ellas… especialmente el desarrollo de la historia.

Reseña [Manga]: Human Clock

 Autor: Hideo Yamamoto  Revista: Young Sunday  Lanzamiento: 1992  Géneros: Drama, psicológico  Demografía: Seinen  Tomos: 1

  Autor: Seiichirô Tokunan
  Revista: N/A
  Lanzamiento: 1962
  Géneros: Psicológico
  Demografía: Seinen
  Tomos: 1

En la actualidad Japón posee la industria de cómic más grande del mundo, y el repertorio que la compone es uno que satisface todos los paladares no sólo existentes en el pueblo nipón, sino más allá de las barreras geográficas y los rasgos culturales. Sin embargo, esto no siempre fue así, y si bien Osamu Tezuka fue la figura determinante para el vertiginoso ascenso del manga como un medio comercial rentable, es gracias a que, a través del sistema de bibliotecas públicas de Osaka, se gestó, a finales de los años 50’s, una corriente que se contraponía al manga infantil que acaparaba las páginas de todas las revistas y del cual Tezuka era la cabeza.

Dicha corriente , bautizada como Gekiga por Yoshihiro Tatsumi, representaba una poderosa transición hacía un tipo de historias mucho más elaboradas, dirigidas al público adulto, y en donde los temas fueran mucho más diversos y profundos apoyados por una narrativa visual enfocada al realismo anatómico y estético. Pero a través de esta corriente, que alcanzó su apogeo en los años 70’s, la industria no sólo se fortaleció por la llega a las páginas de temas como la sexualidad, la crítica social, la política y economía, los conflictos bélicos, el horror, etc., sino que fue gracias a los autores Gekiga que el cómic japonés empezó a nutrirse de influencias externas por parte de medios como la literatura, el cine, la música, etc. Esto terminó por convertir al cómic nipón en algo más que un mero entretenimiento… permitió proyectarlo como un medio artístico.

Sinopsis

Narra la historia de un joven, que vive con sus padres, los cuales se dedican al negocio de la relojería, un día nuestro protagonista sufre un accidente en su trayecto a casa, desde ese momento su vida comienza a cambiar, comienza a observar más los relojes que le rodean hasta que gradualmente se convierte en uno de ellos.

El Expresionismo en viñetas

Si me pidieran describir a Human Clock en una sola frase, no dudaría en definirla como “un golpe a la conciencia”. Apelo a esta frase por que no deja de resultarme completamente paradójico como una industria tan fuerte y consolidada como el manga, y que se ha nutrido de la naciente era digital para traspasar fronteras de una manera bestial ha engendrado una legión de aficionados, que pese a la diversidad temática que se encuentra ante ellos, aún la siguen pensando como una exclusivamente dedicada a brindar simple y llano entretenimiento.

Desde que leí Human Clock he tenido la oportunidad de toparme con comentarios sobre dicha obra tales como: “no quiero decirlo, pero este es el peor manga que he leído…” o “no sé que demonios acabo de leer…”. Especialmente con el último comentario es que se ratifica mi pensar sobre que, como un único conjunto de aficionados fuera del país del sol naciente, se nos ha formado bajo una idea muy rígida de lo que puede o, mejor dicho, ofrece el cómic nipón. Esto invariablemente lleva a que, en contadas ocasiones, no encontremos en la penosa situación de no saber como afrontar una determinada obra, o bajo que parámetros ponderarla o apreciarla, y pasamos a considerarla una creación penosa y un cero a la izquierda dentro de nuestro camino.

Existen ocasiones en que para entender, disfrutar y apreciar una obra es necesario conocer el contexto o coyuntura que las engendro; para otras, como en este caso, es necesario entender la influencia que motivo al artista para dar vida a su creación. No se necesita indagar mucho en esta añeja obra de  Seiichirô Tokunan para darnos cuenta que estamos ante una rareza tanto para su época como para la nuestra. Aunque sea un manga casi único en su tipo, la fuente que inspiró semejante creación no es difícil de rastrear, y evidentemente no se encuentra en el cómic. Human Clock es una pieza claramente intima y personal, en donde los sentimientos y sensaciones que a lo largo de su lectura se generan en el lector son el elemento fundamental para conectarnos con lo más intimo de su creador, y en donde la historia o el sentido lógico de los acontecimientos carecen de completa importancia. Con esto queda más que claro que una de las fuentes de las que Tokunan bebió para construir tan sensorial primicia es el Expresionismo; la otra, por supuesto, es la filosofía materialista y mecanisista de Julien Offray de La Mettrie, aunque nos centraremos exclusivamente en la primera.

La sorpresa de Seiichirô Takunan

El miedo de Seiichirô Tokunan.

A grandes rasgos la corriente artística bautizada como Expresionismo, y surgida en la Alemania de inicios del siglo XX, se define como aquella en la cual el autor busca fervientemente plasmar su sentir interior anteponiéndolo a la realidad objetiva. Para ello los artistas del movimiento Expresionista se caracterizaron por realizar obras con formas distorsionadas, contornos bruscos y colores contrastados exagerando la magnitud de los temas. Y aunque en el panorama mundial del cómic, Human Clock no es ni de lejos la única que ha recurrido a dicho sustento, si es de los pocos trabajos que denotan una influencia tan marcada y evidente hacía dicha corriente.

La primera serie de páginas, todas ellas a color, innegablemente simbolizan un tributo a la pintura del movimiento Expresionista de la República de Weimar. En ellas nos encontramos con las composiciones de colores agresivas y muy contrastadas, con formas y sombras completamente deformadas, expresiones faciales alteradas y con ciertas facciones muy destacadas y fondos confusos que forman un ambiente de desorientación. En el momento en que entramos en el terreno de la narración manga, es decir, en las páginas a blanco y negro, la influencia deviene más específicamente del cine; el discurso estético tiene como motor a la angustia existencial que persigue al personaje protagonista. A lo largo de estas páginas abundan los personajes de rostros cadavéricos, las anatomías son deformadas de una página a otra, los fondos son casi inexistentes y se limitan casi por completo a mostrar el constaste total entre negro y blanco.  Además, el autor echa mano de escenas surrealistas y altamente bizarras como elemento para acrecentar el tormento y la angustia del protagonista. Con dicho mar de elementos se formula una atmósfera muy opresiva, completamente desconcertante que evoca sensaciones indeseables e incomodas en los lectores. Y toda esta realidad deformada, o carente de lógica y sentido, es reforzada por detalles como las alteraciones ortográficas que se presentan a lo largo de la obra,  o los personajes con psicología distorsionada o paranoide, y no digamos de las posiciones corporales imposibles en las que se presenta por ocasiones a los personajes.

Con todo este repertorio de elementos gráficos y sensoriales, Tokunan logra exteriorizar esta tragedia interior que se gesta viñeta a viñeta y que se compone de miedos, fantasías, sueños, deseos, angustias, etc., e impactar con gran fuerza en los sentidos del espectador. Sentidos y sentires que quizá cambien de lector a lector, pero que innegablemente son despertados gracias al poder de la imagen.

La base para el surgimiento del movimiento Expresionismo fue la decadencia moral, política y social que sufrió la Alemania de posguerra, y aunque para la época en que fue lanzado este trabajo Japón se encontraba en los albores del llamado “milagro económico”, quizá no es tan descabellado en pensar a esta obra como un elemento para plasmar esa cruda posguerra que el pueblo japonés tuvo que pasar a finales de los años 40’s.

En definitiva, y simple y llanamente, Human Clock es un arte… una bella y profunda obra de arte. Una prueba que pese a su longevidad se presenta como latente para comunicar que el manga puede engendrar trabajos de carácter totalmente artístico.

Lo mejor:

  • Una obra que pese a sus años resulta una experiencia única y sensorial, la cual muy pocas ocasiones podemos disfrutar.
  •  Pone de manifiesto que el manga también puede ser arte.
  • Por el carácter de la obra su autor no se excede en el número de páginas y todo queda perfecto.

Lo peor:

  • No ser apreciada en la forma que se debería.

Reseña [Manga]: Voyeur

  Autor: Hideo Yamamoto
  Revista: Young Sunday
  Lanzamiento: 1992
  Géneros: Drama, psicológico
  Demografía: Seinen
  Tomos: 1

Comentando la película Peeping Tom, el crítico Roger Ebert dijo: «El cine nos convierte en voyeurs. Nos sentamos en la oscuridad, observando la vida de otros. Es en estos términos en que el cine se entiende con nosotros, aunque la mayoría de las películas son demasiado bienintencionadas como para mencionarlo».

Me permito citar esta frase de Ebert, porque comparte con la primicia de Yamamoto una verdad que inquieta la moral social: existe un cierto nivel de voyeurismo inherente a todo ser humano, y que se despierta en mayor o menor medida ya sea por el sugerente contenido que reina en los medios visuales, o bajo la tentación de descubrir una posible infidelidad. Otra particularidad entre la declaración de Ebert y Voyeur, es que ambas expresan una visión más amplia del voyeurismo, y no la definición estricta: trastorno psicosexual que consiste en la excitación sexual obtenido a partir de contemplar a personas en situaciones sexuales.

Sinopsis

Ko Higaonna, comparte dentro de su automóvil un momento íntimo junto a Satomi, su novia, cuando súbitamente se perturba al descubrir que en en el anonimato de la oscuridad, un tipo cetrino con gafas de visión nocturna los está espiando. Ko, al ver violada su privacidad se lanza violentamente sobre el fisgón.

Voyeurismo: Placer Oculto

Voyeur es un manga que de cierta forma podríamos catalogarlo como una especie de piloto, ya que un año después del lanzamiento de este tomo único nació el spin-off Voyeur Inc., cuya duración es ampliamente más extensa. Pero el trato del voyeurismo por parte de Hideo Yamamoto no se limita sólo ha estos dos mangas, en Ichi the Killer existen referencias sobre esta actividad y, claramente, en un tono que obedece a una innegable parafilia. Fiel a obras primerizas, el manga muestra a un Yamamoto de argumentos más sencillo y accesibles, de personajes con rostros cuadrados y de facciones sumamente sencillas aunque funcionales y expresivas. El mayor logro en el terreno artístico viene dado por algunas viñetas en primera persona, en las que se logra comunicar un poco de las sensaciones de estar observando desde el anonimato.

Ko Higaonna sucumbe ante la tentación

Está claro que este es un trabajo menor en la trayectoria de este autor, y que sin tener punto de comparación con las alturas que han tocado Ichi the Killer y Homuncuus, Voyeur está lo bastantemente bien construida para mantener un interés suficiente para llegar a apreciar lo que se está leyendo.

Conociendo la existencia de Voyerus Inc., queda más que claro que la mente de Yamamoto cuando realizó este manga, ya estaba maquinando la historia sobre una compañía abocada a descubrir pervertidos fisgones y, por lo tanto, el primer capítulo de Voyeur es únicamente el detonante para desarrollar esa idea; sin embargo, y a mi parecer, lo atractivo de la historia se limita exclusivamente a todo lo que acontece durante esas primeras 145 páginas. La irresistible tentación de espiar a tu pareja sin poder apartar en ningún momento la inquietante idea de una clara infidelidad; el sentir una atracción hacia invadir de cierta forma y en cierto nivel la vida privada de nuestros semejantes; los traumas infantiles que han moldeado la personalidad de nuestro protagonista, son todos elementos que están bien trabajados, y que resaltan gracias al buen manejo de la narración que despliega el artista, especialmente en páginas en donde el sentido de la escena corre sólo por el flujo de los dibujos a través de las viñetas.

Actualmente la obra de Hideo Yamamoto se asocia rápidamente con personajes dementes, alienados, sociopáticos, lascivos, entre muchas otras cosas más (verdaderamente). Pero de igual forma —aunque se menciona poco— en su obra siempre se despliegan estos elementos perturbadores de la psicología personal, dentro de un contexto real, haciendo una clara crítica sobre la sociedad contemporánea. De aquí que en Voyeur veamos una fehaciente intensión por parte de Yamamoto para llevarnos por un camino en donde se desmenuzan los tabús de la sociedad y sus inquietantes actividades.

Lo mejor:

  • Hideo Yamamoto siempre sabe sacar temas que queramoslo o no, generan una cierta ansiedad por leerlos.
  • Claramente no es incisiva en el tema del voyeurismo, pero el enfoque al que se aboca la historia nos da una buena dosis del tema en manos de viñetas voyeuristas bien logradas.

Lo peor:

  • Haber sido creado bajo una idea de extensión considerable, y que no se materializa sino hasta un año después en un manga distinto. De aquí que el final del manga deja un sentimiento de desencanto bastante amargo.
  • Cautivados por el soberbio estilo de dibujo de los mangas más actuales de este señor, leer esta obra con sus personajes de rostros cuadrados  y expresiones sencillas, puede chocar un poquitín.

Reseña [Anime]: Memories

2012/05/13 2 comentarios

  Director: Katsuhiro Otomo
  Estudio: 4ºC
  Lanzamiento: 1995
 Géneros: Drama, psicológico, sci-fi,   comedia y militar
  Demografía: Seinen
  Tipo: Película

Katsuhiro Otomo es, indudablemente, uno de los directores de animación más afamados no sólo dentro del país del sol naciente, sino también en el panorama global de la animación. Y no se puede negar que el sólo hecho de mencionarlo, trae consigo su mítica creación, Akira; sin embargo y a diferencia  de otros artistas que alcanza la cumbre del anime con un trabajo que se convierte en el único remarcable de su carrera, el oriundo de la prefectura de Miyagi no pasara a la historia sólo por la obra mencionada, que no podemos negar llego en un momento inmejorable manifestándonos que el anime no es sólo patrimonio de los niños y jóvenes, sino que por encima de esto, quedará en la memoria por ser un autor que ha sabido aplicar su genio no sólo en su área predilecta, la ciencia ficción; el humor negro y la crítica social que impregnan dos de los metrajes en este compilado nos muestran la versatilidad que Otomo alberga.

De igual manera que el argumento de Memories sirvió para dar a conocer la grandeza de Otomo, también la animación jugó un rol clave y de escaparate para que el poco conocido estudio 4ºC (que hoy en día es uno de los bastiones principales para la animación experimental y de vanguardia) demostrara su tremenda inventiva y magistral manejo técnico a la hora de dar vida a sus creaciones. Como dato resaltar que este es el segundo trabajo antológico en la carrera del director, ya que en 1989 dirigió The Order to Stop Construction para la película Neo Tokyo, formando una tercia magnifica junto a otros dos míticos directores: Rintaro y Yoshiaki Kawajiri.

Magnetic Rose

Historia inspirada en la vida de la exitosa soprano, María Callas, Rosa Magnética nos sumerge en el inhóspito y enigmático espacio, para narrarnos el infortunado destino con el que se topa una modesta nave recogedora de desechos interestelares al atender una misteriosa señal de auxilio proveniente de una estación espacial en aparente desolación.

Rosa Magnética, no es un entremés en esta serie de mediosmetrajes, sino la obra más representativa y completa; la composición visual que contrasta los prodigiosos avances tecnológicos con una decadente y ruinosa estación espacial, así como un argumento sólido, abundante y toques de carácter psicológico, abalan este pensar. Y es que esto no podría ser de otra manera, ya que en esta obra converge el trabajo de 3 grandes personajes de la animación nipona: el guión por parte del fallecido Satoshi Kon, la fascinante composición musical de Yoko Kano, y una idea original de Katsuhiro Otomo.

Un deleite visual en medio del inhóspito espacio

Una recurrente casi obligada para los trabajos de mediana duración, es la imposibilidad que representan el tiempo para plantear, desarrollar y resolver un argumento como debe de ser; sin embargo la primicia dirigida por Koji Morimoto sabe sortear estas dificultades, empezando por no gastar más del tiempo necesario en plantear un escenario idóneo para desplegar un ejercicio interesante en donde se conjunta la ciencia ficción, los tintes psicológicos y un híbrido que asemeja a los clásicos relatos sobrenaturales sobre seres no corpóreos. Todo el peso del desarrollo lo sostiene la cuidadosa forma en que se va construyendo una atmósfera inmejorable, que sirve de punto de inflexión para dotar de herramientas a esa narrativa que nos bombardea incesantemente con secuencias de una engañosa irrealidad y de un panorama desolador e inquietante, que poco a poco penetra y quebrante la estabilidad psicológica de los personajes al más puro estilo de Satoshi Kon.

Como es común en muchos trabajos de Otomo, Rosa Magnética nos muestra ciertos ecos de la realidad, el más claro nos habla sobre los posibles alcances de la inteligencia artificial. Así mismo podemos apreciar la vulnerabilidad de la mente humana y la incapacidad para conducirnos en la delgada línea entre lo real y lo imaginario. La obra confabula todos los detalles estéticos y la psicología de los personajes, en un ritmo a modo de una espiral de emociones totalmente creciente que nos deleita tanto visual como emocionalmente.

Stink Bomb

Segunda entrega de este compuesto, y que al igual que Magnetic Rose también está basada en hechos reales, según lo confirmó Otomo en una entrevista que se le realizó. Bomba Fétida nos baja de las profundidades del espacio, y nos traslada a una realidad de un Japón contemporáneo. La historia nos presenta a Nobuo Tanaka, un joven miembro de una corporación japonesa dedicada a la fabricación de fármacos, quien a causa de una gripe y por la insistencia de unos de sus colegas, toma unas extrañas píldoras que resultan ser parte de un plan de armas biológicas, convirtiendo al desafortunado individuo en una arma de destrucción masiva andante.

El humor surgido de la desgracia ajena

El tema de las armas biológicas ha sido tratado en reiteradas ocasiones, ya que queramoslo o no, es un peligro latente por parte de radicales terroristas, y por consecuencia uno de los miedos más actuales de una sociedad globalizada. Pero en Bomba Fétida no se aborda el tema desde el punto más lógico, que sería el de una seriedad y compromiso total, sino que se apuesta por indagar abordar la contingencia con un humor negro que ridiculiza a las fuerzas militares, tachándolas de una ineptitud mayúscula.

No es la primera comedia satírica que nos brinda Katsuhiro Otomo, ya que antes de esta obra Roujin Z nos hizo reír a más no poder, mientras se mofaba del sistema médico japonés. Aunque existe ese antecedente que sin duda brinda una experiencia en este ámbito, Stink Bomb me parece una obra menos hilarante y divertida. La naturaleza torpe y ridícula de nuestro protagonista, si bien es el punto sobre el que gira toda la narración,  llega al punto en que se vuelve un tanto chocante. Aún con ese percance el producto final no queda a deber ni por la sátira lanzada, ni en el rubro visual, que goza de secuencias trepidantes y vistosas.

Cannon Fodder

Relato a modo de metáfora, en el cual se nos muestra una sociedad completamente militarizada y aparentemente contenta con su único propósito: lanzar cañonazos aleatorios hacia un enemigo inexistente.

Visionar Carne de cañón trae intrínsecamente una referencia bastante clara a la mítica obra expresionista y distópica, Metropolis, creada por Frintz Lang, en los decadentes obreros que a modo de autómatas asisten a su monótono trabajo de servicio como fuerza militar ante un inexistente conflicto bélico. Pero en está ocasión me gustaría aventurarme e ir un poco más allá de lo evidente y decir que este mediometraje que da colofón a la antología, plantea una sociedad que puede catalogarse de Orwelliana. En la famosa obra de George Orwell, 1984, una de las consignas del llamado “Partido” dice: “La guerra es la paz”, con la cual se nos muestra a una sociedad obrera amedrentada por su vulnerabilidad ante los incesantes ataques de las incesantes y alterantes guerras que supuestamente se sostienen, que a la vez sirven para no permitir un hastío sobre su forma de vida en condiciones deplorables. De manera semejante en Carne de cañón  se nos plantea una sociedad completamente militarizada desde edad temprana, y que pese a sabiendas de la inexistencia de un enemigo y la inutilidad de sus trabajos, no se cuestiona el rumbo limbótico y sin sentido sobre el que transita toda su existencia; y estos cuestionamientos no afloran por un escrutinio o amedrentamiento voraz como en la novela de Orwell, ni tampoco por su moldeada mentalidad, sencillamente no son necesarios e indispensables, ya que su modo de vida en aparente paz justifica la supresión de todo lo humano por parte del estado. Lo cual nos lleva a pensar que una vida carente de esencia y libertad física y mental, es un precio justo para una sumisión que otorga una felicidad relativa.

Cannon Fodder y su animación totalmente contrastante nos preparó para los futuros trabajos del estudio 4ºC

No sólo en el argumento esta es la entrega más original, el aspecto técnico también hace su parte para darle una peculiaridad que lo diferencia de los otros dos. El estilo de animación es totalmente ajeno a lo que vemos comúnmente en la animación nipona; la contaminación y decadencia se enmarcan muy bien con ese trazo grueso y sucio. Pero pese al estilo poco prometedor, existen juegos de tomas bastantes bien conseguidas.

Sin duda la más profunda de las 3 entregas, y de la cual podemos desprender una crítica sobre lo belicosos del ser humano, sobre el sin sentido de la sociedad, o bien sobre la comodidad como último y primordial fin más allá de los medios

Lo mejor:

  • Cada mediometraje apuesta por una temática diferente.
  • Apreciar a Katsuhiro Otomo un poco fuera de su típica área de trabajo.
  • La composición musical de Rosa Magnética es toda una experiencia.

Lo peor:

  • Bomba Fétida deja un cierto sabor amargo. Se pudo haber hecho más.

Reseña [Manga]: Line

Ficha Técnica:

Autor: Kotegawa Yua

Revista: Shounen Ace

Editorial: Kadokawa Shoten

Fecha de publicación: 2003

Géneros:  Drama, psicológico

Demografía: Shonen

Tomos: 1

Capítulos: 4

 
 

 

Sinopsis: Una muchacha de instituto encuentra un teléfono móvil y pronto comienza a recibir llamadas telefónicas de un hombre que reclama ver el futuro. El esta decidido a compartir este conocimiento con Chiko – expresamente, él puede ver cuando y donde la gente va a suicidarse.

Él culpa a Chiko en ser su prenda, diciéndole el tiempo y la posición de la siguiente muerte de modo que ella corra contra reloj para intentar salvar la vida de la persona.

Comentario personal: “Line” es el primer manga de Kotegawa Yua que leo (Arcana Soul es mi siguiente asignatura), y por ende mis expectativas eran nulas, o muy pocas; no sabía que esperar de su estilo de dibujo, o de su forma de narrar un argumento, y quizá fue este desconocimiento sobre las tendencias de esta mangaka, lo que hizo que este modesto manga me dejara un grato sentimiento de satisfacción.

Lo primero que vino a mi mente tras sumergir en las páginas fue: ¿cómo ese trazo limpio y delicado, con personajes visualmente inocentes puede empatar con el tema del suicidio? Y esto empezó a alimentar un cierto escepticismo de mi parte, que ha fin de cuentas no paso a mayores, y que se esfumo conforme la historia cobraba rumbo. No hace falta haber terminado de leer el tomo para darnos cuenta de que el manga no planea responder a la típica pregunta de  ¿qué lleva al ser humano a ponerle un alto a su existencia? Sino que este se enfoca en ver el tema del suicidio desde la perspectiva totalmente contraria: ¿por qué vale la pena seguir en este mundo? Además de incluir una leve crítica sobre la poca importancia y lo distante que resulta la sociedad actual respecto a este tema.

Este enfoque de pocas pretensiones que Yua le imprime a la historia, es lo que me hizo no martirizar esta obra por su pobre y monótona narrativa, que evidencia mucho el hecho de que un único tomo quedó algo grande para lo que intenta comunicar la mangaka.

Hablando puntualmente del dibujo, tenemos que resaltar el énfasis que se le brinda a los rostros de los personajes, aunque en un par de ocasiones las expresiones faciales no concuerdan con la situación, siendo esto es un detalle menor que no le resta mérito a un apartado artístico que en ningún momento abuso de los contrastes —se agradece—. El único punto en contra son los reiterativos fanservices a lo largo de la obra.

En resumen, un tomo único del que me agrado la perspectiva con que la autora ve el problema, así como las pocas pretensiones que tiene el argumento; aunque no niego que de manera estricta la narrativa es atípica y los personajes carecen de profundidad, lo cual puede convertirse en un incordio bastante grande para quienes tienen altas expectativas.

Lo mejor:

  • Un manga sin muchas pretensiones, que trata de darle un enfoque distinto a este tipo de temas

Lo peor:

  • Llega un momento en el que la historia se empieza a alargar más de lo necesario
  • Fanservice totalmente innecesario
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Reseña [Manga]: Coelacanth

2012/01/17 1 comentario

Ficha Técnica:

Autor: Kayoko Shimotsuki

Revista: Bessatsu Friend

Editorial: Kodansha

Fecha de publicación: 2008

Géneros:  Drama, misterio, psicológico

Demografía: Shoujo

Tomos: 2

Capítulos: 8

 
 

 

Sinopsis:  Hace diez años hubo una explosión en los apartamentos de Hisano, ella debía haber estado allí, pero en su camino a casa, chocó con una bici llevada por un chico empapado en sangre. Cuando la golpeó, el chico dejó caer una escama de juguete, y desde entonces ella lo considera su amuleto de la suerte.

Ahora Hisano va al instituto y uno de sus profesores ha sido asesinado, lo que implica arduas investigaciones por parte de la policía. Un joven aparece de pronto y parece poseer el juguete al cual pertenecía la escama. Despierta cierto interés en Hisano y quizás… él también es capaz de ver las alucinaciones que siempre han asaltado a Hisano Todo empieza a verse conectado conforme se va descubriendo el patrón.

Comentario personal: Aunque fanático primordialmente del Seinen, no voy a negar que soy parte de esa minoría de lectores masculinos que gustan del Shoujo, y una de las obras que ha jugado para que esta demografía este dentro de mis límites de interés es precisamente la que hoy nos atañe.

Desde que leí la sinopsis de este manga de Kayoko Shimotsuki, quede bastante interesado por el argumento que la autora proponía para una obra de esta demografía—que con unos cambios bien podría pasar por Seinen—, y este interés inicial se vio correspondido gracias a la madurez y la sobriedad con que se aborda el tema de desear olvidar el pasado, y como esos traumas de la infancia influyen en la forma en que nos relacionamos con nuestros semejantes e incluso con nosotros mismos.

El manga pese a su corta duración acierta en tomarse su tiempo para ir hilando poco a poco todas las interrogantes que envuelve a esa misteriosa explosión, y a su vez ir indagando en la personalidad y la forma en que se relacionan todos los personajes, todo esto visto desde una narrativa que enfatiza la melancolía, la tristeza y el dolor interior de  la protagonista. Además un punto muy interesante es el apartado psicológico, el cual Kayoko lo enfoca en un personaje muy peculiar, nada menos que una “oveja”, que más allá de ser una alucinación que agobia la mente de la protagonista, simboliza la lucha interior que sin duda es más cruda e intensa debido a esas marcas imborrables del pasado.

Si bien el argumento es bueno y está bien abordado, con lo que me quedo de esta obra es con su hermoso dibujo. No puedo negar que me enamore a primera vista del estilizado y limpio trazo de Kayoko que transmite muchísimo, especialmente me gusto la profundidad y expresividad que le otorga a la mirada de los personajes. Una de las mejores experiencias visuales, de eso no hay duda.

Coelacanth es uno de esos manga que nos hacen ver lo complejo y versátil que puede ser el Shoujo, y que no es sólo romances juveniles, dilemas femeninos y argumentos superficiales. Una obra que me dejó un sabor de boca bastante agradable, y que puede ser una buena opción para aquellos que no frecuentan esta demografía.

Lo mejor:

  • Que se toma su tiempo para ir develando y uniendo las piezas
  • Lo sutil y estilizado del trazo para los personajes, y lo mucho que transmite

Lo peor:

  • Me enamore del dibujo de Kayoko, por lo cual me hubiera encantado verla invertirle más en los fondos —los que hay son maravillosos—