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Reseña [Anime]: Kite

Director: Masaki Watanabe Estudio: Palm Studio Lanzamiento: 2006 Géneros: Slice of Life Demografía: Seinen Tipo: Serie (11 capítulos)

  Director: Yasuomi Umetsu
  Estudio: Green Bunny & Arms
  Lanzamiento: 1998
 Géneros: Violencia, hentai, drama,   dthriller
  Demografía: Seinen
  Tipo: OVA (2 capítulos)

Si bien no recuerdo con exactitud la fecha exacta en que escuche por primera ocasión que desde la cinematografía norteamericana se estaban barajando la posibilidad de desarrollar una adaptación Live Action de las OVAs de Kite, si recuerdo muy bien que no hubo ni el más leve atisbo de sorpresa o entusiasmo de mi parte. Primeramente, no me fue sorpresivo dado que para esas épocas fue cuando se vivió con mayor fuerza la insistencia de las productoras norteamericanas por hacerse de éxitos de la industria animada del país del sol naciente, buscando darle una bocanada de aire fresco a una industria cinematográfica que desde hace tiempo esta en claro detrimento. Y Kite permaneció un buen tiempo en el limbo de las productoras, y todo apuntaba a que moriría de la misma enfermedad que todos los otros anuncios sobre adaptaciones que la antecedieron o precedieron, y que únicamente se mantuvieron en especulaciones y declaraciones vacías hasta esfumarse por completo de la mente de las productoras. Hablar sobre estos intentos fallidos no tiene caso, y no por representar proyectos que realmente jamás existieron,  sino por la aberración que supone siquiera imaginar su puesta en escena.

Después de una buena cantidad de años, y aunque en fechas no muy lejanas ya se habían dado muestras de que el proyecto se encontraba en fases avanzadas, por fin se ha liberado el primer Trailer, prueba máxima de la consumación del proyecto para bien de algunos, y mal de muchos. Menciono esto último ya que si incluso las adaptaciones a Live Action que se realizan dentro del propio país del sol naciente difícilmente llegan a llenarle el ojo si quiera a los fanáticos medianamente críticos, de aquí que cómo pensar que una cinematografía perteneciente a una cultura completamente distinta podría realizar un trabajo más loable. Pues bueno, existen ciertos argumento que hacen pensar lo contrario, especialmente considerando que estamos ante un trabajo que tiene en temas como los asesinatos, la violencia y la acción uno de sus bastiones primordiales, temas que en términos generales se posicionan dentro de lo que se ha explorado por el cine de los Estados Unidos, y que además constituye uno de sus principales nichos de trabajo. Las capacidades para explorar estos temas no quedan en duda a través del trailer, la adaptación luce visualmente muy estimulante pese al corto presupuesto, y todo indica que se ceñirá bastante a los niveles que se establecen en las OVAs; sin embargo, para que este proyecto funcione casi como la obra original, no sólo hace falta usar una parte de la fórmula y en una dosis semejante, sino que es imperativo incluir todo el paquete completo y esto, irremediablemente conlleva, no dejar de lado el controversial y totalmente explicito contenido sexual. Y no hay manera posible que esta adaptación, en donde destaca el nombre del señor Samuel L. Jackson—quién ya tiene experiencia en este tipo de trabajos al ser la voz original de Afro Samurai—, pueda ofrecernos esto último de la forma que se presenta en las OVAs.

Sinopsis

Kite se revuelve alrededor de Sawa, una estudiante de instituto que queda huérfana desde muy temprana edad, al ser sus padres victimas de un brutal doble asesinato. Akai, quien junto con Kanie son los detectives que en su momento investigaron el brutal crimen, se hace cargo de la tutela de Sawa. Aprovechándose de su postura como tutor, Akai comienza una relación sexual a una edad muy temprana de Sawa, y lleva esta situación al punto de convertirla, prácticamente, en su esclava sexual.

Poco tiempo después Sawa se inicia como asesina después de que los corruptos detectives que se han hecho cargo de ella la obligan a asesinar a un presunto violador de niñas. Este constituye el inicio de una vida en la cual Sawa se dedicará a asesinar bajo las ordenes de Akai, y entre los blancos principales se encuentran peces gordos del mundo corporativo y estrellas de televisión y la pantalla grande. Eventualmente la joven asesina conocerá a Oburi, también huérfano y asesino, motivo que llevará a ambos ha crear un vinculo. Causa de este encuentro Sawa descubrirá que Kanie es quien cometió el brutal asesinato de sus padres,  y que detrás de todo eso estaba Akai…

El rostro de la inocencia y la fatalidad

Creo que esta totalmente claro que no son OVAs para menores de edad, pero también es preciso ir más profundo en el asunto y decir que tampoco es para cualquiera del público adulto, y que más bien estamos ante una creación dirigida exclusivamente para aquellos del sector adulto que posean un amplío criterio. La obra de Yasuomi Umetsu es una creación eminentemente controversial, impactante, y una que puede herir sensibilidades y causar malestar en cierto sector de los espectadores. Si bien las dosis de violencia gráfica son bastantes y tienden a la crudeza y brutalidad, queda claro que este no es el elemento que arrastra a este anime hacia un público muy selecto, y el trailer que recientemente se lanzó es la prueba al presentar a dicho contenido como su apuesta máxima. Entonces lo que lleva este trabajo a ser catalogado como una obra para aficionados de criterio amplío se encuentra en el abundante contenido sexual, que además de ser completamente explicito toca un tema muy delicado como es el de la pederastia.

Aunque a niveles temáticos la trama funciona casi a una única velocidad, que vendría siendo todo lo relacionado con la tremenda y estimulante avalancha de violencia enteramente gráfica que brota a través de los encargos de asesinato tanto de Sawa como de Oburi, que además son aderezados con impresionantes escenas de acción, no esta a discusión el hecho de que Kite es una historia que se encuentra construida a través de diferentes capas que a su vez están interrelacionadas. La intención de Umetsu al concebir este producto de animación, no es otra que imprimir una radiografía clara, sin matices ni tapujos sobre el oscuro mundo del crimen en la sociedad moderna, y no sólo de una ficción como la que se formula para este ocasión. Y es gracias a dicha intención que la narrativa se nutre a sí misma echando mano de temas ligados al mundo del crimen como lo son la corrupción en las fuerzas del orden y en las altas esferas del mundo corporativo, así como los abusos de autoridad y el infame proteccionismo hacia las figuras públicas; pero ante todo, resaltar la no existencia de una autoregulación por parte del autor en el tema del abuso infantil, porque si bien para muchos será cuestionable su inclusión en la forma en que se hace —con cierto afán de excitar al espectador—, consideró, desde una perspectiva totalmente personal —y esperando que no se malentienda mi juicio— que la inclusión de esta horrible perversión era algo tremendamente necesario para ubicarnos por completo en esta trágica realidad, y no darle la vuelta al tema que lamentablemente se encuentra mucho más latente en nuestra sociedad de lo que nosotros creemos.

No hace falta decir lo que sigue... todos los sabemos.

No hace falta decir lo que sigue… todos los sabemos.

El abuso de autoridad, las malas intenciones y eventos tan traumáticos como una violación o el asesinato de los progenitores, son germenes que dan lugar a situaciones terribles como lo son una infancia rota o la instrumentalización del ser humano en edades tempranas, y que como bien lo prueba Kite, la segunda siempre conllevará la primera. Aunque el tema de infantes y adolescentes que son convertidos en meras y vacías armas humanas es lacerante y complicado si quiera de tratar, en la industria del manganime no ha sido una situación que pocos trabajos se atreven a abordar, sino todo lo contrario: es un tema, que con matices y regulaciones por lo general bastante fuertes, es la parte medular de muchos trabajos no sólo entre la demografía Seinen, sino también en el Shônen. Uno de los más claros referentes en lo que corresponde al trato y exploración de dicho tema, lo encontramos en la emblemática franquicia de Mechas, Mobile Suit Gundam. La obra maestra del mítico Yoshiyuki Tomino siempre centra su narrativa en personajes niños y adolescentes que por distintos motivos son arrastrados hacia una interminable guerra, y nos presenta como los horrores de la misma terminan por engullir y destrozar física y psicológicamente a  infantes que deben arrebatar la vida de sus congéneres para sobrevivir. Y así podríamos encontrar muchos más ejemplos: Bokurano, Alien Nine, Gunslinger Gilr, etc. La diferencia con Kite, radica en la forma en que presenta dicho tema, así como el carrusel de infortunios que lo ocasionaron. Aunque a diferencia de algunos otras creaciones, tanto en el manga como en el anime, esta no profundiza en ningún momento en los dilemas morales que emanan de esta situación, cosa que si realizan otros exponentes y que innegablemente redondea mucho más lo expuesto.

A diferencia de la mayor parte de series de anime, Kite no se compone de un plato principal y un postre o una serie de ellos, sino que pone ante nuestra mesa un par de platos fuertes para nuestro deleite. En un primer plato tenemos a todo el repertorio de temas que cobijan al argumento, y en un segundo plato, y me atrevo a decir que incluso superior, tenemos al brutal y abrumador apartado técnico. Visualmente, Kite, es, simple y llanamente, una heroicidad de proporciones bíblicas.  Una pieza de alta costura que pone todas virtudes para llevar a límites insospechados la violencia y las secuencias de acción. No existe momento alguno en que esta exacerbación de las secuencias de acción, que son enmarcadas por grandes escenarios de la destrucción e inmensos baños de sangre, se sientan superflua o fuera de foco, yo diría que es todo lo contrario: este extremismo contribuye a formar un espectáculo tan estimulante como impactante. Así mismo el diseño de personajes es algo pocas veces visto en el mundo de la animación nipona. Su creador guarda especial cuidado con los personajes centrales y convierte a su estilo visual en un espejo de su interior. El diseño de Sawa y Oburi es de una dualidad muy especial, ya que mezcla la inocencia de unos jóvenes que fueron arrastrados a dicho infierno, pero a la vez deja entrever esta otra faceta que se encuentra creciendo en su interior desde el momento en que asesinaron por primera vez. Por su parte Kanie y Akai cuentan con estilo muy diferentes, ambos perversos, pero especialmente el del primero es hasta cierto punto grotesco y turbado.

En resumidas cuentas, Yasuomi Umetsu edifica una obra que transgrede todo lo antes narrado en la industria. Un trabajo que arriesga todo al abordad el tema del abuso infantil y que sin embargo no sólo no pierde absolutamente nada, sino que por el contrario gana un lugar en las obras de culto de la animación nipona. Un anime que no indaga por propia mano en los temas complicados que presenta, sino que los presenta para que el espectador indague dentro de su mente, para que se cuestione sobre lo que sus ojos están presenciando. Y por cierto, aprovechar para mencionar que existe una dichosa “secuela” de nombre Kite Liberator, que no importa como se le vea, lo único que hace es tomar el nombre y lugar de su antecesora, ya que no existe punto de comparación, ni en argumento ni en calidad técnica. Absténganse de verla, es sólo un desperdicio de tiempo. Aunque eso sí, si desean seguir indagando en la mente de este volátil e incisivo director, por supuesto que deben ver Mezzo Forte, que se ubica sólo un peldaño abajo de Kite y con la cual van a tener el mismo festín de sensaciones que con la reseña de hoy.

Lo mejor:

  • Tener una historia en donde se refleja sin reparos toda la crudeza y perversidad que entrañan las situaciones que mueve dicha obra.
  • El reparto de personajes se encuentra perfectamente definido y bastante bien trabajados.
  • Todo el apartado técnico es una pieza maestra. Sin embargo, las secuencias de acción simplemente son desaforadamente geniales. Son como una inyección de adrenalina para el espectador.

Lo peor:

  • La duración. Verdaderamente te quedas con ganas de ver más.

Reseña [Anime]: The King of Fighters: Another Day

2012/06/22 2 comentarios

  Director: Masaki Tachibana
  Estudio: Production IG
  Lanzamiento: 2005
  Géneros: Artes Marciales
  Demografía: Shonen
  Tipo: OVA (4 capítulos)

Bueno, no puedo ocultar que poner sobre la mesa obras que de alguna u otra forma están ligadas a esas amenas e “incontables horas” de sincera y ferviente afición en las llamadas “maquinitas” (máquinas recreativas de videojuegos), me provoca un claro sentimiento de nostalgia, mismo que se agudiza con la obra que atañe a este entrada por el sencillo hecho de tratarse de mi franquicia predilecta en lo que a juegos de pelea se refiere.

Nacida en el ya lejano 1994 como experimento de SNK para enfrentar a los combatientes de Art of Fighting y Fatal Fury (sus 2 títulos bandera hasta ese momento), The King of Fighters es uno de esos selectos títulos que han marcado innegablemente un antes y un después en la industria de los juegos de pelea. Tomando como evidente base la mecánica de la influyente franquicia de Street Fighter, el rostro de la nueva apuesta de SNK poco a poco se fue diversificando, depurando errores y mejorando aciertos, hasta el punto de tomar una identidad propia, que a través de la capacidad para crear largos combos tuvo su principal atractivo para que muchos aficionados de la época cayeran rendidos ante los alcances que otorgaban los vertiginosos, cerebrales y adictivos combates bajo este nuevo estilo que apremiaba en todo momento la pericia de los jugadores. Lamentablemente como todo en esta vida, está más que claro que la franquicia se encuentra desde hace algunos años —quizá desde la versión “2002”— en un claro declive que lo alejan cada vez más de aquellos gloriosos años en los que estuvo en la cúspide haciendo las delicias de quienes disfrutamos al máximo de esta memorable franquicia.

El mundo de la animación Nipona a veces resulta muy injusto con ciertas situaciones: mangas pobremente adaptados, adaptaciones truncadas abruptamente o finiquitadas vilmente a través de situaciones inventadas, e incluso al no voltear la cabeza a títulos que sin duda merecen ser manifestados a través de este medio; The King of Fighters, la obra clave de la compañía de Osaka es un claro ejemplo.

Sinopsis

La historia comienza despues de los eventos de KOF: Maximum Impact. Despues de la muerte de Duke y su grupo, Alba y Soiree Meira pasan sus días protegiendo a los ciudadanos de Southtown (ciudad ficticia en la cual se desarrolla el torneo original de King of Fighters). Al llegar la puesta de sol, Soiree Meira se ha despedido de su hermano, Alba, quien ha salido de la ciudad. Alba se lleva consigo a una niña, la protegida de ambos, para una visita a un refugio.

Más tarde, algo sucede. Un gran incendio afecta la ciudad. Los amigos de Soiree tratan de escapar, pero él les convence de quedarse y ayudar, ya que el refugio de la ciudad que los Meira están cuidando está en peligro. Athena y Mai se reúnen cerca de un edificio donde sienten la presencia de una niña en peligro. Justo entonces salta del edificio Soiree, con la niña en brazos. Soiree se aleja para investigar lo que está pasando, cuando la niña sale a seguirlo es empujada a un lado por Iori Yagami, quien está en la ciudad al percibir un poder extraño y un brillo de color verde en las cercanías

Mero ejercicio comercial

Antes de entrar en materia con el análisis pertinente sobre lo que nos ofrece conjuntamente esta primera —y esperemos que no última— incursión de The King of Fighters en el anime, sería totalmente inapropiado no establecer y dejar bien en claro el contexto bajo el que se concibe este trabajo dirigido por Masaki TachibanaThe King of Fighter: Another Day relata lo acontecido tiempo después de King of Fighters XI y King of Fighters: Maximum Impact, al mismo tiempo que prepara el terreno para dar paso a la secuela de Maximum Impact; en otras palabras, con este compuesto de 4 OVA’s de 8 miseros minutos, estamos ante un trabajo que fue creado con la simple y sencilla intención encaminar la posterior salida de Maximum Impact 2, así como darle un poco de empuje con un terreno un tanto preparado. Y si 24 minutos en total no eran ya motivo suficiente de desaliento, el conocer esta intención que enmarca la construcción de la mini-serie, sin duda hace perder incluso las ganas de participar de esta momentánea y única adaptación.

Visualmente The King of Fighters: Another Day no deja nada a deber, aún así con el argumento inexistente podemos decir que fue un desperdicio de presupuesto visual

Quitando todo el sentido de comercialización, evidentemente Another Day está enfocada a un público cómplice, a aquellos sabedores de la cronología general de los títulos y especialmente de los arco argumentales que llevan a su nacimiento. Se supone que este conjunto de episodios sirve de hilo conductor entre Maximum Impact y su secuela, argumentalmente carece de muchísima lógica, especialmente pasando por alto la relación que existente entre algunos personajes desde entregas anteriores.

Masaki Tachibana y I.G. entienden completamente como se deben jugar las cartas cuando se dispone de escasos 24 minutos de un trabajo que no tiene intención de ir más allá de esa entrega, por tal motivo no se intenta hilar nada, no se busca construir un punto de partida, sencillamente se remite a conjurar personajes tras personajes para posteriormente decantarse hacia un alarde visual en manos de los fugases combates entre nuestros viejos conocidos. Y no podemos negar que visualmente el estudio —casa del señor Mamoru Oshii— realiza un trabajo esplendido en el diseño que da vida al nostálgico reparto, así como en traernos una ambientación realista y con muchos detalles por observar; sin embargo esto no evita que exista una sensación agri-dulce al ver que con tan excelso apartado gráfico se pudo haber conjuntado un guión que rindiera verdadero honor a la fascinante creación de SNK.

The King of Fighters. Production I.G.. Dos nombres que pudieron hacer realidad los sueños de muchos, pero que lamentablemente compartieron escena por mero capricho comercial, aportando al mundo de la animación japonesa una obra —que como le sucedería tiempo después a la película de Street Fighter IV, que contaba con el magistral y vanguardista estudio 4ºC— nos es digna de ninguna de las 2 partes y pasa al baúl del olvido sin pena ni gloria.

Lo Mejor:

  • Por lo menos nos provee la anhelada ocasión de ver a los personajes de The King of Fighters moverse en el terreno de la animación y con una calidad técnica superlativa.

Lo Peor

  • Paso por alto la relación que existe entre personajes y carece de bastante lógica.
  • No se ve —al menos no en el futuro cercano— que la franquicia tenga una incursión digna dentro del anime.
  • Resulta demasiado efímera.

Reseña [Anime]: Sweat Punch (Deep Imagination)

2012/04/10 2 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Nakazawa Kazuto, Osamu Kobayashi y Hidekazu Ohara

Estudio: 4ºC

Fecha de transmisión: 2002

Géneros: Acción, fantasía, mecha, ciencia ficción

Demografía: Shonen y Seinen

Tipo: OVA

Episodios: 5

 
 

 

Sinopsis: Colección formada por cinco historias independientes de carácter muy experimental de diez minutos cada una, todas ellas bajo la producción de Studio 4ºC. Las cuatro primeras (editadas inicialmente con el título Sweat Punch) fueron desarrolladas entre 2001-2002 y posteriormente se añadió una quinta, Junk Town, relanzando las primeras junto a ésta a modo de OVA, bajo el titulo de Deep Imagination.

Comentario personal: En esta ocasión vamos a cambiar un poco el esquema habitual de reseña, ya que no abordaremos una sola obra, sino que nos internaremos en una colección de historias cortas totalmente inconexas entre si, motivo por el cual he decidido mezclar la habitual crítica junto a una breve descripción de cada obra. Sin más preámbulo pasamos a lo realmente importante:

Professor Dan Petory’s Blues

¿Por qué los OVNIs vuelan erraticamente? En este pequeño corto el irreverente y paranoico profesor Dan Petory nos brindará una respuesta más que sustancial a este y otros fenómenos.

Estamos tan habituados a obras con historias tan estructuradas —más allá de la profundidad de las mismas— que visionar un corto de este tipo resulta una experiencia extraña y vacilante; para muchos de una extrañeza agradable y refrescante, mientras que para otros son burdas y absurdas. Y esto sucede a mi parecer debido al error de medir todas las obras con la misma vara, en vez de buscar la apuesta principal a la que aspira el metraje.

Professor Dan Petory no es otra cosa que un festín de animación, una muestra de las excelsas capacidades y la versatilidad con que puede obrar el equipo de 4ºC. Esto lo podemos constatar en la totalmente elogiable forma en que se logran reunir tantos diferentes estilos de animación y volverlos algo funcional, lo que refuerza la verosimilitud con que articula el personaje central sus teorías, pero que no abandonan, sino que refuerzan la atmósfera de locuacidad propuesta por tan peculiar protagonista.

End of the World

Durante un típico concierto de música punk, Kazumi conoce a Yuko, a simple vista una chica común y corriente; sin embargo Yuko no pertenece a esta dimensión, y aunque se lo menciona a Kazumi, está la invita a su departamento, sin prever los extraños acontecimientos que están a punto de suscitarse y que demuestran que efectivamente Yuko pertenece a otra dimensión.

Un diseño simplista, un tanto burdo y bizarro, con leves toques de erotismo y aderezado en momentos por colores vomitivos, es lo que cobija a esta obra de carácter un tanto surrealista, que nos lleva a una forma diferente de ver la ciencia ficción. Más allá de los detalles estilísticos difícilmente se  puede encontrar un sentido general y racional para los acontecimientos, pero es innegable que ese mundo delirante al que nos transporta nos lleva a pensar en toda la obra como una posible metáfora sobre la juventud disparata de nuestros tiempos. Sin embargo no creo que el corto este hecho para obtener un sentido profundo de las cosas que se muestran, sino como una simple forma de expresión artística.

Comedy

Corto que nos narra un hecho ficticio denotado dentro la guerra Anglo-Irlandesa  de 1919. En este una pequeña de apenas 5 años, ante el temor de que su pueblo sea arrasado por los ejércitos Ingleses, se embarca en un corto viaje hacia el bosque negro en búsqueda de un mítico caballero cuyas habilidades son capaces de derrotar a un ejército entero; pero sus servicios no se pueden comprar con dinero, para ello se requiere un libro que guste a tan misterioso personaje.

En mi humilde opinión, Comedy es el corazón de esta pequeña colección de cortos. Decir que en sólo 10 minutos es posible lograr desplegar una historia suficientemente en forma resulta hasta cierto punto inverosímil, pero sólo hace falta darle una mirada a esta breve animación para despejar todas las dudas y sucumbir ante la maestría con que se plasma y se narra este hipotético relato sobre la hazaña del mítico “Caballero Negro”.

En Comedy no sólo se reúne una narrativa atractiva e intimista, sino que se despliega un concepto artístico bastante plural: un diseño de personajes de aspecto blanco espectral, con no más detalle que los absolutamente necesarios; una ambientación que nace de una paleta de colores muy reducida, que nos lleva a una atmósfera medieval sombría, lúgubre, pero sobre todo muy bien construida. Estos aspectos hacen de ésta, una obra que vale la pena contemplar con total serenidad de la misma forma que la pequeña niña contempla al distante y misterioso caballero, a fin de degustar en su totalidad los sentimientos que evoca este conjunto de maestría artística.

Si bien el corto es bastante redondo, es imposible no destacar de entre el conjunto la inclusión de una hermosa pieza musical como es el “Ave María” de Franz Schubert, que indudablemente cae como anillo al dedo para potenciar la forma narrativa de este relato que tiene como climax la puesta en pantalla de la gran hazaña del Caballero Negro a través de una animación muy fluida y vibrante. En resumidas cuentas podemos calificarla como “la belleza hecha anime”.

Higan

En un obscuro bosque se libra una frenética batalla entre tanques y robots armados, sin embargo esta batalla no es más que un vivido recuerdo del pasado militar de un hombre que pasa sus últimos momentos postrado en una cama de hospital.

Después de Comedy, Higan es mi corto favorito de esta colección. En este corto no hay música que acompañe la escenas, no hay un intimismo artístico representado en un estilo de animación diferente, pero esto se justifica porque existe un trasfondo bajo esos miseros 8 minutos.

Está más que claro que el tema son los conflictos armados y su relación con el ser humano, pero resulta un tanto ambiguo que es lo que intenta comunicar verdaderamente. La frase: “Parece tan en paz…” dicha en los últimos momentos de la vida del personaje, no hace pensar que el se sentía libre, tranquilo mientras combatía; pero viéndola desde otro punto el hecho de que esté recordando el campo de batalla en sus últimos momentos nos habla de que la guerra es algo en lo cual una vez entras te atenaza sin darte tregua hasta consumirte física y psicológicamente. Más allá del trasfondo mencionar que la animación me pareció bastante interesante, muy apegada a las nuevas tendencias, con efectos de iluminación y brillo bastante notables que redondean un poco más el sentido general del corto.

Junk Town

Un niño pasea por su barrio al mismo tiempo que observa todos los robots cercanos a los comercios mientras realizan sus tareas. En uno de los pasajes entre comercios, un pequeño robot devora a otro, produciendo una pieza con el material; siguiendo al robot, el niño descubre cómo se va comiendo cualquier robot a su paso produciendo cada vez más y más piezas que va a arrastrando tras de si. ¿Qué hará con todas esas piezas?

El más extenso de los cortos, y también el más divertido, sencillo e imaginativo de todos. Me pareció muy divertido y atinado las caras de perplejidad de los pequeños ante la voracidad del pequeño robots, y más aún porque yo mismo compartía esta reacción de asombro que me dejaba un sabor muy agradable. Resaltar la la originalidad de usar globos de texto para representar los pensamientos del chico.

Junk Town un corto con el cual es imposible no recordar aquellas agradables vivencias de una infancia pasada, fácilmente recomendable para fanáticos de cualquier edad, pero que sin duda por su estilo de animación y su breve argumento está totalmente enfocada al público infantil.

Lo mejor:

  • Todos los cortos tienen su atractivo particular, y son lo suficientemente variados como para no encontrar al menos uno que te satisfaga completamente
  • Disfrutar de las ideas frescas y originales que 4ºC aporta al mundo de la animación Japonesa

Lo peor:

  • ¡La duración!

Reseña [Anime]: Area 88

2012/03/31 2 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Toriumi Hisayuki

Estudio: Pierrot

Fecha de transmisión: 1985

Géneros: Drama, acción, militar

Demografía: Shonen

Tipo: OVA

Episodios: 3

 

 

 
 

Sinopsis: Las fuerzas aéreas mercenarias de Asran no es precisamente el tipo de vida militar al que uno querría entrar voluntariamente. Una vez dentro, sólo puedes salir de 3 formas: servir 3 años (en un lugar tan peligroso como Asran, sobrevivir es casi un milagro), ganar 1.500.000 de dólares (una suma casi imposible de conseguir), o desertar (y sufrir las terribles consecuencias si te encuentran de nuevo). Shin Kazama, un joven piloto, parecía tenerlo todo: Un puesto de piloto importante, y el amor de Ryoko, hija del presidente de las aerolíneas Yamato. Pero, su “amigo”, envidioso de su vida, le emborracha y le engaña haciendo que firme un contrato que puede significar su billete al infierno: una admisión a las fuerzas aéreas mercenarias de Asran.

Comentario personal: ¿Hasta que punto los conflictos armados deshumaniza al ser humano involucrado en la primera línea del frente de batalla? ¿Pueden incluso llevarlo a una total incapacidad para reintegrarse a la vida en sociedad? ¿Sucede de la misma manera para todos, es decir, para aquellos que desearon voluntariamente, y para los que fueron arrastrados? Éstas son unas de las interrogantes que forman la línea de partida sobre la que despega Area 88, y a las cuales a lo largo de las 3 entregas que componen esta esplendida obra, se les dará una respuesta y un enfoque muy personal sobre tan trágico modo de vivir.

Cuando hablamos de crudeza y violencia, es muy común y más con el actual panorama del anime —que adolece de obras psicológicamente bien armadas— encaminar ambos términos con pasos firmes exclusivamente hacia el apartado gráfico, y esto es porque nos hemos olvidado de que no sólo gráficamente es como los podemos ver plasmados en una obra. El trabajo de Hisayuki es una producción que apela a la crudeza y la violencia a través de los conflictos internos de los personajes, pero sin llevarlos a un nivel inaccesible para el público joven. La historia nos presentan a un protagonista (Kazama Shin) totalmente agobiado y frustrado por la vida feliz y tranquila que le ha sido arrebatada y convertida en un infernal destino imposible de sortear, un personaje que sucumbe ante la añoranza de sus sueños pasados, y que poco a poco siente como su corazón se torna cada vez más pesado, deshumanizandolo y volviéndolo una victima atormentada por remordimiento de todas aquellas vidas que a tenido que arrebatar para poder conservar la propia. Pero la historia no sólo es conflicto internos, también nos habla sobre la traición por parte de aquellos que algunas vez llamamos “amigos”, sobre los sueños y amores truncados, la vida como una mera herramienta para los fines de los poderosos, y así mismo contiene un repertorio muy bueno de frases y situaciones que valen mucho la pena contemplar y analizar; por ejemplo, está la siguiente frase que quiero compartir y que nos muestra el sentir de Kazama Shin ante su nueva realidad y como esta poco a poco lo consume:

He cambiado tanto desde entonces… en medio de la sangre y la pólvora… consumido por el odio y la venganza, me he convertido en la espada del demonio.

La narrativa está impregnada en todo momento por un profundo aire melancólico, pesimista y angustioso, e incluso como en varias ocasiones se menciona en palabras de algunos personajes, resulta paradójico que unos mercenarios (extranjero que combate por dinero) se sientan agobiados por esta clase de sentir; y es precisamente ésta clase de detalles y dilemas que las OVA’s resultan muy interesantes desde diferentes puntos de análisis, inclusive desde el personal, ya que es imposible no versé tocado por toda esta atmósfera sombría que evoca mucha tristeza y añoranza, aún cuando ni de poco hemos pasado por tales situaciones. Y no podemos pasar por alto que todo este aire melancólico se vería muy minado de no ser por el soberbio soundtrack del que gozan estas OVA’s, y del cual no cabe la menor duda es de los pocos que te engancha en demasía y que valen por si solos, ya que a tanto llega la banda sonora que me atrevo a decir que es posiblemente la mejor de la década de los 80’s. La letras de las canciones contiene una profunda carga emotiva, y esta misma carga se reafirma en las melodías que cobijan a esta atractiva propuesta que evidentemente encontró la dosis correcta entre animación, música y profundidad de los personajes, para darle las herramientas necesarias a la historia para comunicar lo que plantea. Además este estilo de narración muy emotivo y trágico, en conjunto con la excelsa banda sonora, me hace imposible no comparar esta obra con una de las joyas del anime que por casualidad también fue concebida el mismo año: Mobile Suit Gundam Z, ya que es innegable las particularidades que comparten, y que reafirman mi pensar sobre los 80’s como la época dorada de la animación nipona.

Llámenme un romántico del anime, o fanático renuente, pero que hermosa es la animación de antaño, y particularmente la expuesta en este trío de entregas: colores planos, fuertes y sobrios, rostros con facciones lo suficientemente definidas  para ser atractivos al público, e incluso los fondos reciclados resultan atractivos. La fluidez con que se desarrollan los conflictos aéreos es bastante elogiable,  el sonido del viento siendo cortado por las alas de los aviones, las fatales explosiones, los misiles ineludibles, las áridas montañas y las muertes al por mayor, forman una estética militar muy bien armada y altamente apreciable.

Es importante resaltar  la ecuanimidad con que se pasea la narrativa, es decir, en ningún momento la obra se vuelve aburrida, o cae en los muy típicos altos y bajos que reducen considerablemente la calidad de la historia. A esto le tenemos que sumar la forma muy atinada con que se indaga en las situaciones y sentimientos que dan forma al elenco, no es reiterativa en ningún momento, ni tampoco se exageran como sucede en otras obras a fin de impresionar al espectador, sino que la narrativa apela por la naturalidad para que las cosas vayan tomando su rumbo.

En general un anime sumamente recomendable, que nos da una muestra de como se fue diversificando el mundo de la animación japonesa especialmente durante los 80’s, en torno a historias más maduras, con trasfondos dignos de análisis y personajes dotados de mucho mayor profundidad.

Lo mejor:

  • El soundtrack es inmejorable
  • Tiene un trasfondo con mucho sentido, y es arropado con personajes psicológicamente bien armados, una atmósfera muy acorde y una carga de sentimientos que no dejan ajeno a nadie
  • Es una buena opción para los jóvenes de acercarse a las tramas más adultas

Lo peor:

  • El final…
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Reseña [Anime]: She and Her Cat

Ficha Técnica:

Director: Makoto Shinkai

Estudio: CoMix Wave Inc.

Fecha de transmisión: 1999

Géneros: Drama, slice of life, romance

Demografía: Shoujo

Tipo: OVA

Episodios: 1

 
 

 

 

Sinopsis: Ella y su gato (Kanojo to Kanojo no neko) es una OVA creada y dirigida por Makoto Shinkai (Hoshi no Koe, 5 Centímetros por Segundo) en el año 1999, y que en menos de cinco minutos relata la historia de un gato y de su ama desde el punto de vista de aquél (que es, además, el narrador de la historia). Es una mezcla de drama y romance, dibujada en blanco y negro con técnicas de dibujo a mano mezcladas con técnicas 3-D.

Comentario personal: Desde mi concepción personal, Makoto Shinkai es, hoy por hoy, el máximo referente de la animación independiente en Japón. Pero no me malentienda, este calificativo no se lo acuño tanto por la calidad de sus obras —la cual resulta mucho más elogiable sabiendo que él está inmerso en todo el proceso creativo: guiones, diseño de personajes, e inclusive aportar la voz para algunos personajes— sino que lo pongo sobre él, por el gran merito que significa darle continuidad a sus experimentos y mantenerse vigente desde hace ya más de una década.

Acostumbrados a las obras apegadas a la clásica iconografía del anime, y que gozan de una animación altamente trabajada, solemos darle la espalda a las obras que no encajen dentro de ese molde; y es más notorio cuando la obra es una producción independiente, en blanco y negro, y de sólo 5 minutos de duración. Pero basta sólo una oportunidad, para caer rendidos ante la apuesta por un estilo más artístico, intimista y emotivo.

Si bien Hoshi no Koe fue la obra que le valió a Shinkai darse a conocer dentro del mundo del anime, Kanojo to kanojo neko (Ella y su gato) es por mucho mi obra predilecta. La OVA esta impregnada de un profundo intimismo, y evoca tanto a la reflexión como a la tranquilidad, haciendo que los humildes 5 minutos parezcan extenderse mucho más. Y no importa por donde se le vea, esta es una producción totalmente redonda.

Si bien la narrativa pausada, melancólica y emotiva, de la mano con un lenguaje romántico y casi poético a partir de un monólogo empatan de manera perfecta con todo el concepto visual, veo más gratificante a este último. Ya que pese a lo corto en duración, la animación muestra en excelente forma una gran cantidad de recursos visuales: la sutil mezcla entre el 2 y 3D; las tomas con personajes puramente estáticos y con la cámara como único objeto en movimiento; la utilización de blanco y negro en una época en donde el color es un recurso omnipresente; la mezcla entre lo burdo y lo estilizado. Y por último, los enfoques y desenfoques que en ocasiones se aplican para llegar a conectar con el estado de animo de los personajes.

Para terminar de hablar de este ameno cortometraje, y algo que me llamo particularmente la atención, fue el énfasis que se pone en los sonidos ambientales, ya que es algo que pocas veces se emplea con tanta conciencia como en este trabajo.

Lo mejor:

  • El concepto artístico esta perfectamente cuidado
  • La importancia que se le da a los sonidos del ambiente
  • El concepto de la historia y su narrativa es novedoso e interesante

Lo peor:

  • ¡No puedo negarlo! Me quedaron hartas ganas de unas cuantas secuencias más

Reseña [Anime]: Street Fighter IV: Aratanaru Kizuna

Ficha Técnica:

Director: Jirō Kanai

Estudio: 4ºC

Fecha de transmisión: 2009

Géneros: Acción, aventura

Demografía: Shonen

Tipo: OVA

Episodios: 1

 

 
 

 

Sinopsis:  Este OVA se situa como prólogo al titulo esperado por muchos durante muchisimos años, la continuación del juego Street Fighter. Una serie de secuestros a escala mundial a alertado a diferentes agencias de seguridad y entre ellas a varios de sus miembros más destacados, Chun Lee, Guile y Cammy. Las victimas tienen todas algo en común son grandes luchadores de artes marciales y por este motivo estos agentes estan tan interesados en la investigación ya que sospechan que Shanadoo, la organización terrorista de Mr. Bison está detrás de todo esto. Los secuestros llevan la pista a que el proximo en ser secuestrado podría ser Ryu y para localizarle quien mejor que Ken. Conseguiran secuestrar a Ryu que en estos momentos esta con la labor de controlar el Satsui no Hado…

Comentario personal: Hablar de Street Fighter desde la perspectiva de los videojuegos, es hablar de una de las mejores franquicias de peleas jamás creadas.  Y también, es hablar de una de las más carismáticas e influyentes; esto sin dejar de lado que para muchos de nosotros es una franquicia que nos hace recordar y añorar aquellos tiempos en donde nos pasábamos horas y horas disfrutando de los intensos combates con nuestros personajes favoritos (en mi caso, y aunque suene trillado, no es otro que Ryu).

Este legado que empezó a forjarse en el ya lejano 1987, no sólo se encuentra en el mundo de los videojuegos, sino que la industria del anime también forma parte del mismo. Y así como esta creación de Capcom ha adolecido de juegos que podemos considerar unos verdaderos bodrios, así mismo la incursión por el mundo del anime no ha quedado exenta de estos; tal es el caso de la obra en cuestión.

El mero hecho de escuchar juntos los nombres de “Street Fighter” y “4ºC”, hizo que mi fanatismo llegara hasta un júbilo insospechado; pero pobre de mí en crearme tan altas expectativas de lo que a primera vista parece una combinación 100% ganadora. Ya que como cualquier otro fanático, esperaba un arsenal brutal de secuencias de acción pulidas hasta el punto máximo por parte de mi muy apreciado estudio 4ºC; para mi desgracia en esta entrega ese despliegue de dinamismo visual en los enfrentamientos cuerpo a cuerpo que han caracterizado a la franquicia, no están ni por poco presentes, y lastimosamente tenemos que conformarnos con 65 minutos (¡que bueno que no dura más!) de una animación sumamente estática, pobremente detallada y con tonos tan pardos y carentes de vida como el argumento que se nos presenta.

En muchas ocasiones cometemos el error de calificar una producción a partir de estándares propios muy pre-establecidos y generales, sin tomar en cuenta lo que busca la obra y hacia quien va dirigida; aún así, no importa si juzgamos a la obra como lo que es, un “Shonen de acción”, ya que incluso limitándonos a esta perspectiva, es imposible sacar una seguidilla de puntos a favor, que de una u otra manera aligeraran la pesada y eterna carga en que se convierten esos 65 minutos de animación carente de argumento, pero sobre todo carentes de las vibrantes escenas de acción que tanto nos atraen.

Lo mejor:

  • Aunque pobre, viene a engrosar la franquicia en el rubro “anime”

Lo peor:

  • Un sabor de boca soberanamente amargo, al ver que no se desperto ni tantito de ese gamer añejo que disfrutaba de pasar horas con este título
  • Las carencias visuales aún tratándose de 4ºC
  • Los combates carecen de la intensidad, dinámica y momentos épicos que caracterizan a la saga

Reseña [Anime]: Glassy Ocean

2012/02/11 4 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Shigeru Tamura

Estudio: Tamura Shigeru y Ai ga Areba

Fecha de transmisión: 1998

Géneros: Fantasía, surrealismo, drama

Demografía: Seinen

Tipo: Cortometraje

Episodios: 1

Sinopsis: Desde un barco, un pequeño chico observar un banco de peces voladores, súbitamente, el tiempo se detiene o, al menos, transcurre mucho más despacio… y nos trasladamos a un mundo en donde el mar es tan sólido como cristal, permitiendo a las personas caminar libremente sobre él; y, donde el salto de una ballena se convierte en un espectáculo de un día entero.

Comentario personal: Con el actual panorama de la industria del anime, que se rige por la abundancia de historias pobremente elaboradas, con personajes que de algún modo llevan a un cierto fetichismo, y situaciones que apelan en manera desmedida al morbo y la libido, la mayoría de las veces tendemos a decir que el anime no comercial es aquel que no cuenta con este tipo de clichés; y si bien lo anterior no es erróneo, tenemos que mencionar que la animación que realmente se contrapone a la comercial es la llamada “experimental”, esa que no se rige por las normas habituales en cuanto a estructura narrativa, sino que recurren a la música y el sonido para generar sentimientos y emociones con un valor muy artístico y estético.

Como todo buen anime experimental, Glassy Ocean es una producción profundamente intimista, proyectada a través de una animación  que apela al minimalismo en esos colores planos y personajes sin muchos detalles estéticos, y  que de manera inexorable nos encamina a una profunda experiencia visual tan sobrecogedora como surrealista.

Cuando se habla de este tipo de obras, no es de extrañar que algunas personas caigan en un profundo análisis sobre el significado fundamental que se esconde tras los detalles estilísticos. Personalmente no gusto tanto de este tipo de prácticas, prefiero dejarme inundar por los sentimientos que evoca el autor, aunque si me pidieran una interpretación sobre lo que Tamura intenta transmitir diría que invita a reflexionar sobre la importancia de esos pequeños detalles que están omnipresentes en nuestra vida cotidiana, y a los cuales poco o nulo caso hacemos, pero que pueden ser tan majestuosos como cualquier otro suceso. Además con su ritmo sereno,  acompañado por dulces melodías, nos exhorta a abrirle las puertas a la imaginación.

Algo que me llamo particularmente la atención fue esa alternancia entre secuencias con la cámara mayormente fija, y algunas otras en donde la cámara es dinámica y nos muestra casi una visión de 360º. Así también resaltar que con esa extrema sencillez en los colores y los personajes, el autor busca encaminar toda nuestra atención hacia los detalles ambientales, mostrándonos que los personajes no son los importantes en la imagen, sino lo que rodea a estos.

Una de las joyas de la animación experimental, y que al igual que su narrativa, hay que tomarse el tiempo necesario para observar todos los detalles y sentimientos que reúne esta breve pero conmovedora obra.

Lo mejor:

  • El rebosante intimismo que acompaña tanto a la imagen como a la música
  • Las secuencias de panorámica circular son un deleite

Lo peor:

  • El anime experimental es pobremente acogido por la mayoría de los fanáticos