Archivo

Posts Tagged ‘Fantasía’

Reseña [Manga]: The Legend of Zelda: A Link to the Past (1992)

2012/07/29 2 comentarios

  Autor: Shotaro Ishinomori
  Revista: Nintendo Power
  Lanzamiento: 1992
  Géneros: Aventura, fantasía
  Demografía: Shonen
  Tomos: 1

El pasado 21 de febrero se cumplieron 26 años desde aquel lejano 1986 cuando The Legend of Zelda, titulo surgido de las experiencias juveniles del afamado y prodigioso Shigeru Miyamoto, sacudió la industria de los juegos de video con su revolucionario enfoque. Y tras estas 2 décadas y media de una tremenda cosecha de títulos exitosos, que van desde la remota consola NES, hasta la modernidad de la Wii o la fabulosa portátil N3DS, The Legend of Zelda se ha consolidado como una de las franquicias más icónicas e influyentes de la historia.

A través de un estilo de juego que apelaba a una profunda interacción entre jugador, personaje y entorno presentado, la entrega primigenia de The Legend of Zelda formuló todo un nuevo paradigma en la forma de hacer videojuegos, dejando una marca indeleble que simboliza un antes y después en la industria.

Todos aquellos que han tenido la oportunidad de jugar en algún momento de su vida, alguno de los muchos títulos que componen la saga de The Legend of Zelda, seguramente estarán de acuerdo cuando digo que un título de esta mítica franquicia, ofrece una de las más fascinantes experiencias en el mundo de los videojuegos. Poder encarnar a un entrañable personaje, recorrer hasta el cansancio y dejarnos atrapar por sus coloridos y mágicos escenarios; dar rienda suelta a nuestro espíritu aventurero y heroico a través de las mazmorras multinivel, mientras se nos da la libertad de elegir el armamento que más nos satisfaga; y sin olvidar el gran gancho que significa el tener una historia fantástica de cierta profundidad, que a través de una narrativa que obedece a nuestro más personal sentir da colofón a una perfecta convergencia entre lo visual, lo técnico y lo intimo.

Aunque en efecto, la primera entrega para N64 (Ocarina of Time) es una de las creaciones más redondas y definitivas que se ha gestado dentro de la industria,  apelando a mi más profundo e intimo sentir, la entrega para mi adorada consola SNES, A Link to the Past, es el título que más me gusta y que aún al día de hoy sigue siendo una historia que me gusta recorrer en ciertos momentos de cada año. De tal manera que al entrar al mundo del cómic japonés, y toparme con la existencia de mangas basados en esta fastuosa creación de Nintendo (que era de esperase con la estrecha relación entre ambas industrias), no pude sino alegrarme enormemente y rendirme ante su lectura (sería un improperio no hacerlo).

Por último, comentar que existen una cantidad nutrida de mangas basados en algunos de los títulos que componen el amplio repertorio de la franquicia, y especialmente de A Link to the Past, ya que cuenta con 3 mangas diferentes. Y dado mi aprecio por este título en particular, en esta entrada hablaremos de uno de esos 3 mangas, específicamente del que fue creado inmediatamente se lanzó el juego para la SNES.

Sinopsis

La historia comienza cuando un malvado hechicero llamado Agahnim, mata al rey de Hyrule, encierra a las descendientes de los sabios y se apodera del reino por motivos desconocidos. Nuestro héroe, Link, recibe telepáticamente una llamada de auxilio proveniente de la princesa Zelda, despertándolo. Su tío y Link son los últimos descendientes de una familia que se encarga de proteger a la familia real. Al llegar Link al castillo encuentra a su tío gravemente herido, antes de que éste pierda el conocimiento le da una espada y un escudo a Link. Link logra escapar con ella y se le encomienda la labor de pasar la prueba de las tres diosas: Din, Nayru y Farore.Link esconde a Zelda en un santuario cerca del cementerio, pero al terminar su aventura y volver por ella se da cuenta de que Ganon se la ha llevado junto a las otras 6 descendientes de los sabios. Las 7 doncellas ahora se encuentran encerradas en cristales repartidos por el reino oscuro de Ganon, el que Link se aventura a explorar con la ayuda de un espejo y la Espada Maestra.

La leyenda en viñetas

Apelando a que dentro del manga existen trabajos que levantan más expectación que otros por entrañar diversas situaciones, es que he decidido, para esta primera incursión en los mangas de esta franquicia, reseñar el que cuenta con la autoría de Shotaro Ishinomori. Y es que no podemos negar que antes de leer cualquiera de los tres mangas sobre A Link to the Past, y a simple vista, el sólo hecho de que uno de esos haya sido creado por el llamado “rey del manga” sin duda le brinda una significación muy especial a la adaptación, ya que no es sólo uno de los últimos trabajos que realizó este mítico mangaka, sino que además es de los pocos trabajos a los que podemos tener acceso.

Como era de esperarse cuando se trata de uno de los grandes maestros del manga, al señor Ishinomori se le brinda total libertad creativa, y lamentablemente este respeto por su jerarquía termina jugando en contra ya que mina desde el planteamiento lo que pudo haber sido una fabulosa adaptación. Lo que quiero decir es que este manga no respeta el argumento natural del videojuego. Seguramente tras develar este importante elemento me voy a ganar la enemistad de muchos de ustedes por haber tenido 3 opciones y escoger aquella que rompe con la línea original de sucesos.

Entonces, lo primero que se debe tener en cuenta antes de acercarse a este manga, es precisamente olvidarse en la medida de lo posible de los fantasmas de estar ante una narración muy diferente a la ya conocida. Estoy seguro que si se dejan atrás posibles prejuicios se puede disfrutar en totalidad este tributo, que si algo de especial tiene es plasmar esa recurrente de los títulos de la saga en donde se mezcla de manera sublime un hermoso apartado visual con un despliegue técnico muy trabajado.

Nuestro entrañable héroe (Link) hace un particular arribo al palacio del este

Como sucede en la lectura de cualquier manga, el aspecto visual es el primer verdadero contacto que el lector tiene con la obra. Esto lo entiende muy bien el autor y lo primero que nos regala en esta incursión de A Link to the Past en la viñetas, es la amena sorpresa de ser un manga completamente a color. Desde muy temprano, Ishinomori, marca la tónica visual que a lo largo del manga se empleará para deleitar en todo momento nuestra pupila mediante una avalancha de colores. Y si de por si la sola idea de usar colores lo vuelve un manga diferente, la forma en que son empleados para recrear los vividos y contrastantes ambientes por los que se resuelve la historia, es verdaderamente de elogiar;  especialmente me han gustado las sombras y los destellos surgidos de los poderes mágicos.

Pero de poco serviría la extensa paleta de colores a no ser por el particular pero detallista trazo que se acentúa muy acertadamente en la reproducción de los ambientes y en los malvados enemigos que tantas veces enfrentamos. Otra particularidad que entraña la ilustración, es el diseño de personajes. Estamos acostumbrados a ver personajes de grandes y delineados ojos, con rostros angulosos enfatizando las facciones (especialmente las dramáticas), y de cuerpos muy definidos; no obstante este manga se escapa completamente de esos falsos cánones para mostrarnos un diseño más sencillo, ciertamente redondeado, que creo yo, fue formulado para hacerlo mucho más universal. A muchos podrá gustar, a otros no, pero en lo personal creo que el espectáculo visual es lo más interesante que ofrece este cómic.

Entrar a hablar de la historia y su narrativa, es entrar en terreno escabroso. Ya hemos especificado que la historia no sigue el sendero natural del juego, y sabiendo esto ¿ofrece verdaderamente algo interesante el argumento como para darse el tiempo de leerlo? Decir que si ofrece argumentalmente algo de bastante calidad sería un tanto engañoso; los elementos sorpresa, o más bien que difieren de la historia original, no están del todo mal, y mantiene la expectación en niveles aceptables. Y aunque sustentada en estos elementos la narrativa se presenta bastante interesante, con un empleo de las viñetas más allá de lo básico y genérico, la corta duración de la obra hace que el ritmo de la historia sea tremendamente frenético, lo cual no puede sino llevarnos a saltos cronológicos bastante importantes, que a mi parecer, y más que la divergencia con la historia natural, es lo que le resta brillo al manga. Estoy más que seguro que no soy el único que hubiera deseado un tiempo de lectura mucho mayor, en el cual se explorara casi en su totalidad los distintos pasajes que ofrece el videojuego, y nos dejara evocar aquellos momentos de la más noble afición.

En suma: no es un manga apto para acérrimos puristas sin ganas de permitir algún desvió en la historia, y aún para aquellos que se permitan leer el manga haciendo a un lado los contras, seguramente les dejará un sabor un tanto agridulce. No obstante, visualmente es una experiencia totalmente redonda y disfrutable.

Lo mejor:

  • La forma en que Ishinomori crea y emplea todo el conjunto visual para darle realce a los diferentes pasajes de la historia.
  • Poder disfrutar del trabajo del “rey del manga”.

Lo peor:

  • Ofrece una lectura tremendamente ágil, pero esto aunado a lo corto de la obra, lo único que hace acrecentar el hueco de satisfacción.
  • La línea argumental que sigue.
Anuncios

Reseña [Manga]: Violence Becomes Tranquility

2012/05/06 2 comentarios

  Autor: Shinobu Kaze
  Revista: Heavy Metal (USA)
  Lanzamiento: 1980
  Géneros: Surrealista, sci-fi
  Demografía: Seinen
  Tomos: N/A (One-Shot)

Más por el hecho de que disto casi de cualquier conocimiento sobre la cultura del comic fuera de Japón, que por el hecho de haber declarado a este espacio como totalmente abocado a la animación y comic del país del sol naciente, es que resultaría casi imposible hacer un artículo en forma sobre algo relacionado con el mundo del comic europeo o americano. Pero para todo existen excepciones, y aprovechando que reseñaremos una obra surgida de un artista nipón, pero publicada en una revista Norteamericana, es que me he permitido dar un breve recorrido por la revista que vio publicado este trabajo, así como una miradita rápida a la trayectoria de este autor bastante único.

Heavy Metal, la Elegida

De la misma forma que revistas como Garo, la famosa COM del maestro Tezuka, o la misma revista Kage, brindaron y apostaron en todo momento por un espacio en donde lo poco convencional y la temática adulta eran ingredientes preponderantes, así mismo fuera de Japón existieron revistas que apostaron por esta misma fórmula; podemos destacar las siguientes: Metal Hurlat (Francia), Skorpio (Italia), Schwermetall (Alemania) y Heavy Metal (Estados Unidos).

La revista Heavy Metal nació en 1974 cuando el editor Leonard Mogel descubrió en París, Francia, una revista de nombre Metal Hurlat, dedicada a la fantasía y la ciencia ficción. Mogel quedó fascinado por el contenido de la revista, y al instante decidió re-editarla para su distribución en territorio Norteamericano. Si bien el título original de la versión francesa se traduce literalmente como “Howling Metal”, Mogel decidió editarla como Heavy Metal, siendo publicada en 1977 por primera ocasión, como una revista mensual a todo color y siempre apostando por una calidad estética muy alta y sugerente.

En sus inicios Heavy Metal se dedico simplemente a publicar las obras originales de su antecesora francesa, entre las que destacaban obras de Enki Bilal, Druillet Philippe, Milo Manara y el mítico Jean Giraud (mejor conocido como Moebius) fallecido recientemente. Con el paso del tiempo la revista se abrió a la publicación de obras creadas por artistas Norteamericanos, y así mismo brindo un escaparate para la colaboración del mangaka Shinobu Kaze.

Shinobu, cuyo verdadero nombre es Tomoaki Saito, nació en 1958 y llegó al terreno profesional en 1970 a través del estudio de manga, Dynamic Production, creada por Go Nagai y su hermano. Su primer trabajo fue One-Dollar Hospital, Inc., un “gag-manga” (historias de humor enfocadas al público infantil) y mientras él se dedicaba a crear mangas “gag”, sus compañeros de Dynamic Pro se enfocaban en apreciar las novelas gráficas del maestro francés, Philippe Druillet. Pero no pasó mucho tiempo antes de que Shinobu Kaze cayera rendido ante el esplendoroso arte de Druillet, comenzando así a crear su marca registrada que sin duda rinde culto a la influencia que generó el dibujante francés cuyos trabajos se pueden considerar un manjar visual gracias a sus intensos colores y la perspectiva en 4-D (pequeño artículo para hacernos una idea de las capacidades artísticas de este señor).

Es preciso mencionar que antes de publicar el trabajo que nos atañe en esta entrada, y específicamente en 1977, comenzó la serialización de la que justamente llamo “su obra maestra”, Ryū, Strongest Man on the Face of the Planet (del cual sigo pensando en si podré leerla antes de que estos ojos sean comidos por los gusanos). Pasando la cortina de este breve pasaje por la revista y el inicio de Shinobu en el manga, y antes de entrar en materia, tengo que decir que personalmente me gusta comentar una determinada obra apelando a recurrentes del estilo del autor (argumentos, personajes, dibujo, etc.), o ya sea a comparaciones con otros de sus trabajos; lamentablemente no siempre se puede este ideal, y en esta ocasión es de esa forma, ya que Violence Becomes Tranquility y Neo Devilman, son los únicos acercamientos directos que he tenido a sus trabajos; los otros son vagas referencias de imágenes y breves explicaciones de los argumentos que se pueden encontrar por la red.

Sinopsis

Violence Becomes Tranquility (La violencia se convierte en serenidad) es un compuesto de 10 páginas a través de las cuales se narra la búsqueda de un Yakuza por el arma definitiva.

LSD

Tomando como punto de partida los dos acercamientos —que valora bastante por el contraste que ostentan—, lo primero que nos encontramos al abrir un manga de Shinobu, no es otra cosa que a un maestro (en toda la extensión de la palabra) del arte visual, y un perfecto manejador de todas las bondades y capacidades que ofrecen los diferentes estilos de dibujo. Esto es palpable con tan sólo echar una hojeada a Neo Devilman o algunos otros de sus trabajos en blanco y negro, y posteriormente pasar a trabajos en Full Color. Mientras que en blanco y negro Shinobu muestra un magistral y realista dibujo cimentado en los finos trazos de su plumilla, en Violence Becomes Tranquility el atractivo no viene tanto derivado de trazos finos, sino de colores agresivos, sugerentes, diseños más allá de la perspectiva 2D, entremezclados en una profunda psicodelia y surrealista pieza de arte.

Sencillamente magistral el empleo de los colores y las profundidades

Cualquiera diría que de 10 míseras páginas no se puede comunicar nada más allá de meros mensaje estilísticos, sin embargo podemos considerar a esta obra corta como una alucinógena y anonadante excepción a esta posible regla. Ya que muy bien arropada por la composición visual, es que se nos narra el sueño —que más bien evoca a un delirio asistido químicamente— de este Yakuza con ansias de dominio… pero que mejor dominio que el de su propia mente. De aquí que el mayor logro del argumento es la forma en que rápidamente se construye todo este mundo de surrealismo y delirio, y la capacidad que tiene para darle sentido y sentimiento a esa invitación introspectiva, a la cual no resta más que aplaudir mientras nos dejamos arrastrar por el genio de Shinobu.

En conclusión, un manga corto ciertamente occidentalizado, muy poco convencional, pero que realmente no tiene desperdicio, y mucho menos cuando nos muestra una faceta totalmente inexplorada en el mundo manga. Además de que intenta dejar un aprendizaje aplicable a nuestra forma de ver la vida.

Lo mejor:

  • Brinda un viaje alucinante sin necesidad de gastar dinero en…
  • Poder disfrutar de uno de los pocos trabajos disponibles de este maravilloso autor.
  • Una composición visual muy bien cuidada, y una estética sumamente sugerente. Sin duda una experiencia tan refrescante como gratificante.

Lo peor:

  • Resulta prácticamente imposible encontrar sus obras.

Reseña [Manga]: Yume no Shiro

Ficha Técnica:

Autor: Tsuda Masami

Revista: Hakusensha Ladies Comic

Editorial: Hakusensha

Fecha de publicación: 1999

Géneros:  Drama, fantasía, romance

Demografía: Shoujo

Tomos: 1

Capítulos: 3

 
 

 

Sinopsis: Tomo único compuesto por 3 historias cortas: Dentro del bosque, Soy una sirena y El castillo de los sueños. Las tres historias giran en torno al amor de pareja, los más íntimos deseos personales y sobre un misterioso hechicero que ayuda a los personajes en los momentos claves de la historia.

Comentario personal: Estoy bastante seguro que el nombre, Tsuda Masami, no es ajeno para la mayoría de los fanáticos acerrimos de la demografía Shoujo, y no lo es gracias a que su manga más representativo, Kare Kano, ha sabido ganarse con su historia sencilla y cotidiana, el aprecio de gran parte de los fanáticos. Y si bien Yume no Shiro no es una obra de mucha trascendencia, si cuenta con la tradicional sencillez que caracteriza su obra.

En este tomo único al igual que en otros de sus trabajos, Tsuda Masami plantea su obra teniendo como centro las relaciones románticas, mas sin embargo la autora recurre a la incursión de unos tintes de sencilla fantasía para a través de esta poder comunicar ese mensaje evidente que a través de los 3 relatos nos invita a reflexionar sobre las bondades, pero sobre todo, las consecuencias que pueden acarrear nuestros más fervientes, íntimos y, a veces, súbitos deseos. Este mensaje o invitación que podemos desprender de esta obra corta, es por mucho lo más rescatable, ya que por la duración las historias son simples, directas y poco abundantes, con personajes superficiales que están hechos con el típico molde de muchas otras obras Shoujo.

Aunque me considero fan de la demografía, no puedo ocultar que el estilo de dibujo como cantan los llamados cánones auto-impuestos (personajes sin muchos detalles estilísticos, con ojos muy grandes y brillantes, fondos casi inexistentes,etc), me resulta bastante difícil de sobrellevar, y más aún cuando no exista mucho que logre apartar la atención de este rubro, en especial en la primera historia que es la que más adolece. Pero no todo es malo en el trabajo artístico de Tsuda, la forma en que emplea las viñetas y como juegan en ocasiones con ellas, resulta atractivo y le imprime un impulso a la narrativa que aunque dramática, es muy llevadera y ligerita.

El punto en donde este manga flaquea y pierde más, es con su reparto de personajes que emanan una ingenuidad increíble y que son sumamente sentimentales. Estoy seguro que para muchos esa candidez que se plasma es un atractivo, especialmente para los defensores de los típicos esquemas, pero a mi gusto estos sentimentalismos absurdos no aportan —para este manga— nada que se pueda elogiar, sin mencionar que lo hace una manga para un grupo muy selecto.

En resumidas cuentas, El sueño de Shiro (Yume no Shiro) es una obra muy menor de esta autora que deleito a muchos con Kare Kano, pero que en esta ocasión deja mucho que desear con estas 3 historias cortas, que de manera conjunta flaquean en cuanto a una posible profundidad argumental y en la psicología de los personajes; y que pese a la incursión de los toques fantásticos, la historia peca de normalidad e ingenuidad en la forma que se relacionan los personajes. Sin mayor reparo un tomo que se lee rápido pero que está dirigido a un público muy reducido.

Lo mejor:

  • Las historias se leen de manera ágil y sin mayores complicaciones

Lo peor:

  • El reparto es burdo, demasiado inocente y estereotipado
  • Emana muchos sentimentalismos absurdos
  • El dibujo es demasiado genérico

Reseña [Anime]: Sweat Punch (Deep Imagination)

2012/04/10 2 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Nakazawa Kazuto, Osamu Kobayashi y Hidekazu Ohara

Estudio: 4ºC

Fecha de transmisión: 2002

Géneros: Acción, fantasía, mecha, ciencia ficción

Demografía: Shonen y Seinen

Tipo: OVA

Episodios: 5

 
 

 

Sinopsis: Colección formada por cinco historias independientes de carácter muy experimental de diez minutos cada una, todas ellas bajo la producción de Studio 4ºC. Las cuatro primeras (editadas inicialmente con el título Sweat Punch) fueron desarrolladas entre 2001-2002 y posteriormente se añadió una quinta, Junk Town, relanzando las primeras junto a ésta a modo de OVA, bajo el titulo de Deep Imagination.

Comentario personal: En esta ocasión vamos a cambiar un poco el esquema habitual de reseña, ya que no abordaremos una sola obra, sino que nos internaremos en una colección de historias cortas totalmente inconexas entre si, motivo por el cual he decidido mezclar la habitual crítica junto a una breve descripción de cada obra. Sin más preámbulo pasamos a lo realmente importante:

Professor Dan Petory’s Blues

¿Por qué los OVNIs vuelan erraticamente? En este pequeño corto el irreverente y paranoico profesor Dan Petory nos brindará una respuesta más que sustancial a este y otros fenómenos.

Estamos tan habituados a obras con historias tan estructuradas —más allá de la profundidad de las mismas— que visionar un corto de este tipo resulta una experiencia extraña y vacilante; para muchos de una extrañeza agradable y refrescante, mientras que para otros son burdas y absurdas. Y esto sucede a mi parecer debido al error de medir todas las obras con la misma vara, en vez de buscar la apuesta principal a la que aspira el metraje.

Professor Dan Petory no es otra cosa que un festín de animación, una muestra de las excelsas capacidades y la versatilidad con que puede obrar el equipo de 4ºC. Esto lo podemos constatar en la totalmente elogiable forma en que se logran reunir tantos diferentes estilos de animación y volverlos algo funcional, lo que refuerza la verosimilitud con que articula el personaje central sus teorías, pero que no abandonan, sino que refuerzan la atmósfera de locuacidad propuesta por tan peculiar protagonista.

End of the World

Durante un típico concierto de música punk, Kazumi conoce a Yuko, a simple vista una chica común y corriente; sin embargo Yuko no pertenece a esta dimensión, y aunque se lo menciona a Kazumi, está la invita a su departamento, sin prever los extraños acontecimientos que están a punto de suscitarse y que demuestran que efectivamente Yuko pertenece a otra dimensión.

Un diseño simplista, un tanto burdo y bizarro, con leves toques de erotismo y aderezado en momentos por colores vomitivos, es lo que cobija a esta obra de carácter un tanto surrealista, que nos lleva a una forma diferente de ver la ciencia ficción. Más allá de los detalles estilísticos difícilmente se  puede encontrar un sentido general y racional para los acontecimientos, pero es innegable que ese mundo delirante al que nos transporta nos lleva a pensar en toda la obra como una posible metáfora sobre la juventud disparata de nuestros tiempos. Sin embargo no creo que el corto este hecho para obtener un sentido profundo de las cosas que se muestran, sino como una simple forma de expresión artística.

Comedy

Corto que nos narra un hecho ficticio denotado dentro la guerra Anglo-Irlandesa  de 1919. En este una pequeña de apenas 5 años, ante el temor de que su pueblo sea arrasado por los ejércitos Ingleses, se embarca en un corto viaje hacia el bosque negro en búsqueda de un mítico caballero cuyas habilidades son capaces de derrotar a un ejército entero; pero sus servicios no se pueden comprar con dinero, para ello se requiere un libro que guste a tan misterioso personaje.

En mi humilde opinión, Comedy es el corazón de esta pequeña colección de cortos. Decir que en sólo 10 minutos es posible lograr desplegar una historia suficientemente en forma resulta hasta cierto punto inverosímil, pero sólo hace falta darle una mirada a esta breve animación para despejar todas las dudas y sucumbir ante la maestría con que se plasma y se narra este hipotético relato sobre la hazaña del mítico “Caballero Negro”.

En Comedy no sólo se reúne una narrativa atractiva e intimista, sino que se despliega un concepto artístico bastante plural: un diseño de personajes de aspecto blanco espectral, con no más detalle que los absolutamente necesarios; una ambientación que nace de una paleta de colores muy reducida, que nos lleva a una atmósfera medieval sombría, lúgubre, pero sobre todo muy bien construida. Estos aspectos hacen de ésta, una obra que vale la pena contemplar con total serenidad de la misma forma que la pequeña niña contempla al distante y misterioso caballero, a fin de degustar en su totalidad los sentimientos que evoca este conjunto de maestría artística.

Si bien el corto es bastante redondo, es imposible no destacar de entre el conjunto la inclusión de una hermosa pieza musical como es el “Ave María” de Franz Schubert, que indudablemente cae como anillo al dedo para potenciar la forma narrativa de este relato que tiene como climax la puesta en pantalla de la gran hazaña del Caballero Negro a través de una animación muy fluida y vibrante. En resumidas cuentas podemos calificarla como “la belleza hecha anime”.

Higan

En un obscuro bosque se libra una frenética batalla entre tanques y robots armados, sin embargo esta batalla no es más que un vivido recuerdo del pasado militar de un hombre que pasa sus últimos momentos postrado en una cama de hospital.

Después de Comedy, Higan es mi corto favorito de esta colección. En este corto no hay música que acompañe la escenas, no hay un intimismo artístico representado en un estilo de animación diferente, pero esto se justifica porque existe un trasfondo bajo esos miseros 8 minutos.

Está más que claro que el tema son los conflictos armados y su relación con el ser humano, pero resulta un tanto ambiguo que es lo que intenta comunicar verdaderamente. La frase: “Parece tan en paz…” dicha en los últimos momentos de la vida del personaje, no hace pensar que el se sentía libre, tranquilo mientras combatía; pero viéndola desde otro punto el hecho de que esté recordando el campo de batalla en sus últimos momentos nos habla de que la guerra es algo en lo cual una vez entras te atenaza sin darte tregua hasta consumirte física y psicológicamente. Más allá del trasfondo mencionar que la animación me pareció bastante interesante, muy apegada a las nuevas tendencias, con efectos de iluminación y brillo bastante notables que redondean un poco más el sentido general del corto.

Junk Town

Un niño pasea por su barrio al mismo tiempo que observa todos los robots cercanos a los comercios mientras realizan sus tareas. En uno de los pasajes entre comercios, un pequeño robot devora a otro, produciendo una pieza con el material; siguiendo al robot, el niño descubre cómo se va comiendo cualquier robot a su paso produciendo cada vez más y más piezas que va a arrastrando tras de si. ¿Qué hará con todas esas piezas?

El más extenso de los cortos, y también el más divertido, sencillo e imaginativo de todos. Me pareció muy divertido y atinado las caras de perplejidad de los pequeños ante la voracidad del pequeño robots, y más aún porque yo mismo compartía esta reacción de asombro que me dejaba un sabor muy agradable. Resaltar la la originalidad de usar globos de texto para representar los pensamientos del chico.

Junk Town un corto con el cual es imposible no recordar aquellas agradables vivencias de una infancia pasada, fácilmente recomendable para fanáticos de cualquier edad, pero que sin duda por su estilo de animación y su breve argumento está totalmente enfocada al público infantil.

Lo mejor:

  • Todos los cortos tienen su atractivo particular, y son lo suficientemente variados como para no encontrar al menos uno que te satisfaga completamente
  • Disfrutar de las ideas frescas y originales que 4ºC aporta al mundo de la animación Japonesa

Lo peor:

  • ¡La duración!

Reseña [Anime]: Glassy Ocean

2012/02/11 4 comentarios

Ficha Técnica:

Director: Shigeru Tamura

Estudio: Tamura Shigeru y Ai ga Areba

Fecha de transmisión: 1998

Géneros: Fantasía, surrealismo, drama

Demografía: Seinen

Tipo: Cortometraje

Episodios: 1

Sinopsis: Desde un barco, un pequeño chico observar un banco de peces voladores, súbitamente, el tiempo se detiene o, al menos, transcurre mucho más despacio… y nos trasladamos a un mundo en donde el mar es tan sólido como cristal, permitiendo a las personas caminar libremente sobre él; y, donde el salto de una ballena se convierte en un espectáculo de un día entero.

Comentario personal: Con el actual panorama de la industria del anime, que se rige por la abundancia de historias pobremente elaboradas, con personajes que de algún modo llevan a un cierto fetichismo, y situaciones que apelan en manera desmedida al morbo y la libido, la mayoría de las veces tendemos a decir que el anime no comercial es aquel que no cuenta con este tipo de clichés; y si bien lo anterior no es erróneo, tenemos que mencionar que la animación que realmente se contrapone a la comercial es la llamada “experimental”, esa que no se rige por las normas habituales en cuanto a estructura narrativa, sino que recurren a la música y el sonido para generar sentimientos y emociones con un valor muy artístico y estético.

Como todo buen anime experimental, Glassy Ocean es una producción profundamente intimista, proyectada a través de una animación  que apela al minimalismo en esos colores planos y personajes sin muchos detalles estéticos, y  que de manera inexorable nos encamina a una profunda experiencia visual tan sobrecogedora como surrealista.

Cuando se habla de este tipo de obras, no es de extrañar que algunas personas caigan en un profundo análisis sobre el significado fundamental que se esconde tras los detalles estilísticos. Personalmente no gusto tanto de este tipo de prácticas, prefiero dejarme inundar por los sentimientos que evoca el autor, aunque si me pidieran una interpretación sobre lo que Tamura intenta transmitir diría que invita a reflexionar sobre la importancia de esos pequeños detalles que están omnipresentes en nuestra vida cotidiana, y a los cuales poco o nulo caso hacemos, pero que pueden ser tan majestuosos como cualquier otro suceso. Además con su ritmo sereno,  acompañado por dulces melodías, nos exhorta a abrirle las puertas a la imaginación.

Algo que me llamo particularmente la atención fue esa alternancia entre secuencias con la cámara mayormente fija, y algunas otras en donde la cámara es dinámica y nos muestra casi una visión de 360º. Así también resaltar que con esa extrema sencillez en los colores y los personajes, el autor busca encaminar toda nuestra atención hacia los detalles ambientales, mostrándonos que los personajes no son los importantes en la imagen, sino lo que rodea a estos.

Una de las joyas de la animación experimental, y que al igual que su narrativa, hay que tomarse el tiempo necesario para observar todos los detalles y sentimientos que reúne esta breve pero conmovedora obra.

Lo mejor:

  • El rebosante intimismo que acompaña tanto a la imagen como a la música
  • Las secuencias de panorámica circular son un deleite

Lo peor:

  • El anime experimental es pobremente acogido por la mayoría de los fanáticos

Reseña [Anime]: Karas

Ficha Técnica:

Director: Keiichi Sato

Estudio: Tatsunoko

Fecha de transmisión: 2005 – 2007

Géneros: Sci-fi, acción, fantasía

Demografía: Shonen

Tipo: OVA

Episodios: 6

 
 

 

 

Sinopsis: Karas es una animacion de seis partes de henshin, del genero tipo superheroe japones. Karas trata de la historia de Otoha, un yakuza, viviendo en una versión ficticia de Shinjuku, Tokyo, ciudad poblada por humanos y yōkai (Espirítus Japoneses). Otoha, es uno de los karas, humanos superpoderosos que actuan como agentes de la tierra y también se puede transformar en un vehiculo, avión y en un tanke blindado. Otoha siendo un karas, es un hábil espadachín que intenta detener a su corrupto predecesor, de tomar Tokyo. Entre otros personajes se encuentran: Nue, el yōkai; y Homura, la karas de otra ciudad, ellos ayudan a Otoha en su misión.

Comentario personal: Pese a que no soy fanático de la animación 3D, tengo que admitir que Karas me ha hecho gozar y apreciar las capacidades de ese estilo de animación. La serie está repleta de secuencias de acción sumamente fluidas y dinámicas, la ambientación es sencillamente soberbia e impecable, con tonos muy oscuros y por momentos lúgubres. El montaje híbrido entre 3D y 2D no podía ser más perfecto, y la peculiaridad del diseño mecánico de algunos personajes es revitalizante; sin embargo, y pese a esa casi perfección visual, están algunos personajes acartonados y burdos, que desentonan con la primicia visual meticulosamente cuidada por la que apuesta Karas.

Más allá de la soberbia animación, la obra flaquea y mucho en el ámbito argumental.  En el primer par de OVA’s la historia es extraña y confusa, no desarrolla ni explica mucho, además se lanzan muchos personajes al ruedo y cada uno sin conexión aparente con los demás, lo único que tenemos en ese primer para de OVA’s son leves esbozos de una critica social nada evidente, y que se usa como muchas otras obras simplemente para develar parte de las intenciones del antagonista. Pese a este mal inicio, la obra recompone el camino revelando la escencia de la historia, y atando los cabos sueltos de esos personajes que en primera instancia despliega sin más sentido. Aún así el gusto dura poco, y la historia no tarda en caer en un refrito de batalla incesantes —eso sí, con una esplendida banda sonora como acompañante—, que impiden que Karas de ese famoso paso de calidad y que no se quede como una obra únicamente de atractivo visual.

Después de las 6 entregas se hace evidente la mal concepción y guía con que se creó este anime, y esto lleva a cuestionarnos si fue debido a la cantidad de episodios que los personajes no logran salir del molde y tener una digna participación, y si esto también influyo para que la historia se les fuera de las manos y no pudieran aterrizarla.

En resume, Karas es una obra que flaquea con sus pobres personajes y su inexistente valor narrativo; aunque como premio de consolación, nos deja uno de los festines visuales más atractivas y deslumbrantes que se puedan encontrar en el ambiente del anime.

Lo mejor:

  • Todo el concepto visual; desde su ambientación atrapante, pasando por las fluidas y dinámicas secuencias de acción, hasta llegar a esa perfecta combinación entre el 3D y 2D

Lo peor:

  • Pese a que la historia recompone en algunas OVA’s, al final termina por escapárseles la paloma de las manos
  • Los personajes son sumamente pobres y carentes de carisma
  • Hay leves e inexplorables tintes de una critica hacia la sociedad y a esa enajenación que nos ha llevado a olvidarnos que no somos los únicos que vivimos en este planeta
Categorías:Reseñas Anime Etiquetas: , , , , ,