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Recortando la temporada: Anime para verano 2014

Recortando Summer 2014

Antes de pasar a lo que compete a esta entrada, deseo, apelando a su paciencia, tomarme unos momentos para comentar un poco la situación general de este espacio a raíz de esa última entrada en la cual anuncie mis intenciones por incursionar en la creación de video podcast colaborativos, y en la cual también externe —y puse como principal motivo para dichas intenciones—  el agobio y frustración mental que me sobrecogían cada vez que me sentaba frente al teclado.

Desde que hice de su conocimiento mis intenciones por volcar mi tiempo en un nuevo proyecto han pasado ya poco más de dos meses, tiempo más que suficiente para que ustedes se estén preguntando ¿cuándo iniciará el proyecto? O, ¿en que fase se encuentra? Bueno, lamento informar que de momento no vamos a ningún lado con dicho proyecto. La razón de ello es debido a que dentro de los escasos fanáticos que atendieron mi invitación a través de los diferentes sitios a los cuales recurrí, ni uno sólo tenían el más mínimo interés ni por el anime clásico ni por el manga, lo cuál aún me inquieta siendo que en todos los sitios que publique el anuncio hice énfasis en este detalle.

Cualquiera consideraría este un fracaso rotundo (siendo sincero lo es), sin embargo, estos dos meses me han servido para reflexionar sobre todo lo relacionado con este espacio, y pensar las cosas más claramente sobre lo que deseo para su futuro. Así que puedo decirles que si bien la invitación resulto infructuosa, no voy a quitar el dedo del renglón, y de hecho voy a tomar el toro por los cuernos al proponer la idea directamente con bloggers activos que encajen en el perfil que busco, aunque con el ligero cambio de que el proyecto ahora sería un podcast simple, es decir, sólo audio. De igual forma, y ya para no extenderme más en esto, mencionar que independientemente de la cristalización o no del proyecto, continuaremos con el contenido escrito, aunque claro en la medida que las nuevas obligaciones lo permitan, ya que si hemos mantenido este espacio durante más de dos años de esta forma, no hay razón para desistir ante problemas que han estado ahí desde un inicio.

A path is something you create as you walk it. The ground you’ve trodden hardens, and that’s what forms your path. You’re the only one who can create your own path. Walk on your own. If you haven’t given up yet, that is.

Cross Marian (D.Gray-Man)

¡El verano ya está aquí! Y con el no sólo llega este calorcito que nos hace querer ir a la playa o a la piscina, tomar bebidas refrescantes y vestir ropa ligera y sandalias. También trae de la mano una nueva dosis de anime que, a primera vista, luce muy disfrutable e interesante, tanto como para quedarse en casa con algo refrescante en un lado. Es por ello que a través de Habitación Otaku te contamos cuales son nuestras preferidas:

El misterio y horror se apoderarán del verano

El misterio y horror se apoderarán del verano

Título: Tokyo Ghoul

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 3 de julio

La historia se ambienta en Tokio, donde extraños asesinatos han sido cometidos… dejando un extraño liquido como evidencia en los crímenes. Ante este extraño patrón la policía concluye que se trata de algún tipo de “Ghoul” devora hombres. Kaneki Ken es un chico de universidad que creen que los ghouls están haciéndose pasar por humanos, siendo esta la razón de que nadie se haya topado con ninguno… y puede que su teoría tenga bastante de verdad, más de la que se puede imaginar.

A través del misterio, la violencia, los seres sobrenaturales, elementos psicológicos, referencias a Osamu Dazai y Franz Kafka, y especialmente una animación de altísimo nivel técnico que cobija y potencia el argumento a niveles completamente diferentes a los mostrados en el manga original, es que Tokyo Ghoul se presenta como uno de los lanzamientos más atractivos para esta época del año. Una obra que sin lugar a discusión posee un potencial tremendo para complacer por completo el paladar de todo fanático de las series de misterio y horror. Entre sus credenciales se cuentan sus 10 tomos recopilatorios, así como ubicarse entre los 30 mangas más vendidos a lo largo de todo el año pasado.

+ Info:

Tributo a la noble arte del Kamishibai

Tributo a la noble arte del Kamishibai

Título: Yami Shibai

Tipo: Serie

Fecha de estreno: por definirse

Yami Shibai es una historia ilustrada cuya temática son los rumores y las leyendas urbanas que han circulado a lo largo de la historia por Japón y animada mediante la técnica del “kamishibai”, o lo que es lo mismo, usando figuras de papel y pergaminos.

A través de las anteriores entregas siempre nos abstuvimos de incluir lanzamientos que tuvieran relación, ya fuera de precuela o secuela, con obras recientes; sin embargo, siempre hay una excepción, y es que Yami Shibai sin duda merece ser mencionada como una de las indispensables en la lista de todo fanático. Pero, ¿qué hace tan especial a esta serie de historias cortas como para ponerla en pedestal? Fácil sería presentarla como una apuesta totalmente refrescante, con una base narrativa tanto argumental como visual digna de elogio y de provocar todas las sensaciones a las que apela el terror. Pero hacerlo sería quedarnos cortos, ya que no es sólo una bocanada de aire fresco, sino también una obra que rinde un merecido tributo a la noble arte del Kamishibai, que durante varios siglos sirvió como uno de los métodos predilectos de enseñanza en el pueblo japonés, y que incluso cautivo a genios del manga como Shigeru Mizuki. Y de manera semejante tenemos toda esta conexión con la riqueza del más claro folclore japonés, en donde también se incluyen las cuantiosas leyendas urbanas que forman parte ya de la identidad del país del sol naciente.

+ Info:

casfsd

“Aprieta el gatillo del mundo”.

Título: Zankyou no Terror:

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 10 de julio

En un día de verano… De repente, una inmensa bomba explotó en Tokio. Los culpables tras el ataque terrorista que despertó a esta nación complaciente, sólo eran dos chicos. Los culpables, ahora conocidos como “Sphinx”, comenzaron un juego masivo que envuelve a todo Japón.

Yoko Kanno en la música, Shinichiro Watanabe en los controles… ¿¡qué más podemos pedirle al mundo, señores!? No cabe la menor duda de que tener a estos dos colosos de la industria compartiendo escena, ha hecho que Zankyou no Terror sea, por encima de su argumento, el máximo foco de atención proveniente de la animación original. Pero no nos quedemos ahí, el argumento que Watanabe estará dirigiendo bajo la animación, la preciosa animación del estudio Mappa, luce sumamente interesante y prometedor de la mano de esta exploración de uno de los temas más preocupantes de los últimos años: los ataques terroristas. Un thriller que seguro dará de que hablar, y mucho.

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El fenómeno del Mahou Shoujo regresa

El más grande fenómeno del Mahou Shoujo regresa a la TV

Título: Pretty Guardian Sailor Moon: Crystal

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 5 de julio

Usagi Tsukino es una estudiante de segundo curso un poco torpe y llorica, pero que siempre está llena de energía. Un día se encuentra con Luna, un gato negro con una luna creciente en la frente, y se transforma en “Sailor Moon”, una guerra del amor y la justicia que luce un traje especial. Elegida como la guardiana de la justicia, a Usagi se le encomienda la misión de encontrar el “Cristal de plata ilusorio” junto a otras Sailor y de proteger a la Princesa. Mientras tanto, la Reina Beryl, realeza del Reino Oscuro, envía secuaces a la ciudad en la que vive Usagi para arrebatarle el Cristal, que resulta ser un objeto con un poder inmenso. Y entonces, extraños sucesos comienzan a darse… ¡¿Podrá Sailor Moon, acompañada del resto de Sailor, encontrar el Cristal y proteger a la Princesa?!

¿Qué más se puede decir de la máxima creación de Naoko Takeuchi que no haya sido dicho ya?  Sailor Moon es una obra que no requiere presentación alguna, no sólo dentro del territorio japonés, sino también a nivel mundial. Estamos ante el retorno del máximo icono en la historia del Mahô Shôjo. Una serie que se extendió a lo largo del orbe cautivando al público femenino y masculino por igual rompiendo las barreras demográficas. Anime que nos hará evocar los mejores momentos de nuestra infancia, y para los fanáticos de latinoamérica, sin duda rememorar aquella época dorada en donde la animación nipona era pieza fundamental de la programación en la TV abierta.

+ Info:

Pues hemos llegado al final de las recomendaciones. En esta ocasión enfocadas exclusivamente a la parte destinada a la pantalla chica y dejando a un lado lo habitual que era incluir también producciones cinematográficas. Pero tampoco queremos desentendernos por completo y sólo les recordamos tener un ojo sobre la nueva producción de Ghibli, Omoide no Marnie, ya que polémica o no últimamente para el estudio, Ghibli siempre será la más grande máquina de sueños del país del sol naciente.

¡NOS VEMOS EN LA PRÓXIMA TEMPORADA!

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Habitación Otaku quiere Podcast

2014/04/16 2 comentarios

Podcast HO

Así es señores, tal como lo expresa el título de esta entrada, deseamos iniciar un un proyecto de podcast propio para este espacio. La razón primordial de ello no es otra que traer mayor diversidad y actividad a este espacio, que como bien saben aquellos que lo han seguido durante estos dos años y meses que tiene de existencia, ha adolecido de una inconsistencia muy marcada con relación al tiempo de publicación de nuevo contenido. En su momento, y así lo externe en varias reseñas, la causa fue falta de tiempo, sin embargo, a últimas fechas, el problema no tiene relación alguna con la disponibilidad de tiempo, sino que obedece más que nada a un cansancio de mi parte hacia esta rutina de trabajar en solitario y en lenguaje escrito todo el siempre. Es por ello que sumado al motivo principal que son ustedes, también deseo materializar este podcast para despejarme un poco de la rutina, y no sin dejar de lado que estaría cumpliendo un sueño personal.

Esta entrada no es sólo para comunicarles las intenciones, sino que también quiero aprovecharla como punto de anuncio ya que este proyecto no puedo realizarlo sólo, y voy a estar buscando aficionados que deseen colaborar para echar a volar el proyecto, pero para ello les platico primero lo que tengo en mente. Empiezo por contarles que mis intenciones no son crear un podcast básico (sólo audio), sino que veo más provechoso e interesante crear un video podcast, evidentemente utilizando un servicio para vídeo llamadas, que en este caso veo conveniente emplear el servicio de Google+ dado que tengo intención de hacer stream, y empleando los Hangouts de Google la transmisión en vivo a través de Youtube se realiza de forma automática. Una idea más clara de lo que busco la van a encontrar en los siguientes video podcast: Melee It On Me y The Aniverse Podcast. Me gustaría que el grupo estuviera compuesto de entre tres o cuatro personas. Sobre la periodicidad, estuve pensando que un programa cada tres semanas sería perfecto, con una duración de hora y media. El propósito del contenido pues sería apegado a la filosofía del blog, por lo que se estaría más que nada comentando opiniones sobre noticias recientes, intercambiando puntos de vista sobre títulos y autores, entre otras actividades, todo ello en un ambiente que aunque objetivo sea cordial y divertido. A grandes rasgos esa es la idea que deseo presentar, aunque como se va a tratar de un proyecto colaborativo algunas cosas pueden cambiar antes de empezar y una vez que todo el concepto se comente con las personas que formarían el equipo de este proyecto.

Para los interesados a continuación se enumeran los requisitos:

  • Contar con una conexión a Internet mínima de 2 Mb/512 Kb (Bajada/Subida).
  • Disponer de cámara web, micrófono (tener en cuenta la calidad) y audífonos.
  • Ser de Latinoamérica y contar con excelente disposición de tiempo por las noches. Tentativamente el programa sería alrededor de las 11:00 pm (UTC-06:00).
  • Tener gusto por el intercambio de opiniones y el análisis crítico.
  • Gusto tanto por el anime como por el manga.
  • Conocer obras clásicas de manga y anime, así como aún disfrutar viendo este tipo de contenido.
  • No tener miedo a expresarse y ser bastante desenvuelto.

Nota: Se lo difícil que es encontrar personas que conozcan y gusten del anime y manga clásico, por lo que si no dispones de alguno de los requisitos técnicos, ya sea cámara web o la conexión especificada, no importa, ponte en contacto, y ya veremos como podemos lidiar con ello. Además en un determinado caso de no poder materializar el proyecto de video podcast, iríamos por un podcast de únicamente audio. Como digo, no es común encontrar aficionados que realmente les interesen obras fuera de lo actual y comercial, y habiéndolos encontrado sería absurdo dejarlos ir.

Pues ya no me extiendo más con este anunció, sólo decirles que para los interesados pueden mandarme un correo a mi dirección personal: m1ke_89@hotmail.com o dejar un comentario por este medio. De igual forma si a ustedes no les interesa pero conocen a alguien que podría interesarle, por favor. Se que el proyecto no es sencillo de concretar, pero tengo toda la fe de que podrá llevarse a cabo.

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Reseña [Anime]: Kite

Director: Masaki Watanabe Estudio: Palm Studio Lanzamiento: 2006 Géneros: Slice of Life Demografía: Seinen Tipo: Serie (11 capítulos)

  Director: Yasuomi Umetsu
  Estudio: Green Bunny & Arms
  Lanzamiento: 1998
 Géneros: Violencia, hentai, drama,   dthriller
  Demografía: Seinen
  Tipo: OVA (2 capítulos)

Si bien no recuerdo con exactitud la fecha exacta en que escuche por primera ocasión que desde la cinematografía norteamericana se estaban barajando la posibilidad de desarrollar una adaptación Live Action de las OVAs de Kite, si recuerdo muy bien que no hubo ni el más leve atisbo de sorpresa o entusiasmo de mi parte. Primeramente, no me fue sorpresivo dado que para esas épocas fue cuando se vivió con mayor fuerza la insistencia de las productoras norteamericanas por hacerse de éxitos de la industria animada del país del sol naciente, buscando darle una bocanada de aire fresco a una industria cinematográfica que desde hace tiempo esta en claro detrimento. Y Kite permaneció un buen tiempo en el limbo de las productoras, y todo apuntaba a que moriría de la misma enfermedad que todos los otros anuncios sobre adaptaciones que la antecedieron o precedieron, y que únicamente se mantuvieron en especulaciones y declaraciones vacías hasta esfumarse por completo de la mente de las productoras. Hablar sobre estos intentos fallidos no tiene caso, y no por representar proyectos que realmente jamás existieron,  sino por la aberración que supone siquiera imaginar su puesta en escena.

Después de una buena cantidad de años, y aunque en fechas no muy lejanas ya se habían dado muestras de que el proyecto se encontraba en fases avanzadas, por fin se ha liberado el primer Trailer, prueba máxima de la consumación del proyecto para bien de algunos, y mal de muchos. Menciono esto último ya que si incluso las adaptaciones a Live Action que se realizan dentro del propio país del sol naciente difícilmente llegan a llenarle el ojo si quiera a los fanáticos medianamente críticos, de aquí que cómo pensar que una cinematografía perteneciente a una cultura completamente distinta podría realizar un trabajo más loable. Pues bueno, existen ciertos argumento que hacen pensar lo contrario, especialmente considerando que estamos ante un trabajo que tiene en temas como los asesinatos, la violencia y la acción uno de sus bastiones primordiales, temas que en términos generales se posicionan dentro de lo que se ha explorado por el cine de los Estados Unidos, y que además constituye uno de sus principales nichos de trabajo. Las capacidades para explorar estos temas no quedan en duda a través del trailer, la adaptación luce visualmente muy estimulante pese al corto presupuesto, y todo indica que se ceñirá bastante a los niveles que se establecen en las OVAs; sin embargo, para que este proyecto funcione casi como la obra original, no sólo hace falta usar una parte de la fórmula y en una dosis semejante, sino que es imperativo incluir todo el paquete completo y esto, irremediablemente conlleva, no dejar de lado el controversial y totalmente explicito contenido sexual. Y no hay manera posible que esta adaptación, en donde destaca el nombre del señor Samuel L. Jackson—quién ya tiene experiencia en este tipo de trabajos al ser la voz original de Afro Samurai—, pueda ofrecernos esto último de la forma que se presenta en las OVAs.

Sinopsis

Kite se revuelve alrededor de Sawa, una estudiante de instituto que queda huérfana desde muy temprana edad, al ser sus padres victimas de un brutal doble asesinato. Akai, quien junto con Kanie son los detectives que en su momento investigaron el brutal crimen, se hace cargo de la tutela de Sawa. Aprovechándose de su postura como tutor, Akai comienza una relación sexual a una edad muy temprana de Sawa, y lleva esta situación al punto de convertirla, prácticamente, en su esclava sexual.

Poco tiempo después Sawa se inicia como asesina después de que los corruptos detectives que se han hecho cargo de ella la obligan a asesinar a un presunto violador de niñas. Este constituye el inicio de una vida en la cual Sawa se dedicará a asesinar bajo las ordenes de Akai, y entre los blancos principales se encuentran peces gordos del mundo corporativo y estrellas de televisión y la pantalla grande. Eventualmente la joven asesina conocerá a Oburi, también huérfano y asesino, motivo que llevará a ambos ha crear un vinculo. Causa de este encuentro Sawa descubrirá que Kanie es quien cometió el brutal asesinato de sus padres,  y que detrás de todo eso estaba Akai…

El rostro de la inocencia y la fatalidad

Creo que esta totalmente claro que no son OVAs para menores de edad, pero también es preciso ir más profundo en el asunto y decir que tampoco es para cualquiera del público adulto, y que más bien estamos ante una creación dirigida exclusivamente para aquellos del sector adulto que posean un amplío criterio. La obra de Yasuomi Umetsu es una creación eminentemente controversial, impactante, y una que puede herir sensibilidades y causar malestar en cierto sector de los espectadores. Si bien las dosis de violencia gráfica son bastantes y tienden a la crudeza y brutalidad, queda claro que este no es el elemento que arrastra a este anime hacia un público muy selecto, y el trailer que recientemente se lanzó es la prueba al presentar a dicho contenido como su apuesta máxima. Entonces lo que lleva este trabajo a ser catalogado como una obra para aficionados de criterio amplío se encuentra en el abundante contenido sexual, que además de ser completamente explicito toca un tema muy delicado como es el de la pederastia.

Aunque a niveles temáticos la trama funciona casi a una única velocidad, que vendría siendo todo lo relacionado con la tremenda y estimulante avalancha de violencia enteramente gráfica que brota a través de los encargos de asesinato tanto de Sawa como de Oburi, que además son aderezados con impresionantes escenas de acción, no esta a discusión el hecho de que Kite es una historia que se encuentra construida a través de diferentes capas que a su vez están interrelacionadas. La intención de Umetsu al concebir este producto de animación, no es otra que imprimir una radiografía clara, sin matices ni tapujos sobre el oscuro mundo del crimen en la sociedad moderna, y no sólo de una ficción como la que se formula para este ocasión. Y es gracias a dicha intención que la narrativa se nutre a sí misma echando mano de temas ligados al mundo del crimen como lo son la corrupción en las fuerzas del orden y en las altas esferas del mundo corporativo, así como los abusos de autoridad y el infame proteccionismo hacia las figuras públicas; pero ante todo, resaltar la no existencia de una autoregulación por parte del autor en el tema del abuso infantil, porque si bien para muchos será cuestionable su inclusión en la forma en que se hace —con cierto afán de excitar al espectador—, consideró, desde una perspectiva totalmente personal —y esperando que no se malentienda mi juicio— que la inclusión de esta horrible perversión era algo tremendamente necesario para ubicarnos por completo en esta trágica realidad, y no darle la vuelta al tema que lamentablemente se encuentra mucho más latente en nuestra sociedad de lo que nosotros creemos.

No hace falta decir lo que sigue... todos los sabemos.

No hace falta decir lo que sigue… todos los sabemos.

El abuso de autoridad, las malas intenciones y eventos tan traumáticos como una violación o el asesinato de los progenitores, son germenes que dan lugar a situaciones terribles como lo son una infancia rota o la instrumentalización del ser humano en edades tempranas, y que como bien lo prueba Kite, la segunda siempre conllevará la primera. Aunque el tema de infantes y adolescentes que son convertidos en meras y vacías armas humanas es lacerante y complicado si quiera de tratar, en la industria del manganime no ha sido una situación que pocos trabajos se atreven a abordar, sino todo lo contrario: es un tema, que con matices y regulaciones por lo general bastante fuertes, es la parte medular de muchos trabajos no sólo entre la demografía Seinen, sino también en el Shônen. Uno de los más claros referentes en lo que corresponde al trato y exploración de dicho tema, lo encontramos en la emblemática franquicia de Mechas, Mobile Suit Gundam. La obra maestra del mítico Yoshiyuki Tomino siempre centra su narrativa en personajes niños y adolescentes que por distintos motivos son arrastrados hacia una interminable guerra, y nos presenta como los horrores de la misma terminan por engullir y destrozar física y psicológicamente a  infantes que deben arrebatar la vida de sus congéneres para sobrevivir. Y así podríamos encontrar muchos más ejemplos: Bokurano, Alien Nine, Gunslinger Gilr, etc. La diferencia con Kite, radica en la forma en que presenta dicho tema, así como el carrusel de infortunios que lo ocasionaron. Aunque a diferencia de algunos otras creaciones, tanto en el manga como en el anime, esta no profundiza en ningún momento en los dilemas morales que emanan de esta situación, cosa que si realizan otros exponentes y que innegablemente redondea mucho más lo expuesto.

A diferencia de la mayor parte de series de anime, Kite no se compone de un plato principal y un postre o una serie de ellos, sino que pone ante nuestra mesa un par de platos fuertes para nuestro deleite. En un primer plato tenemos a todo el repertorio de temas que cobijan al argumento, y en un segundo plato, y me atrevo a decir que incluso superior, tenemos al brutal y abrumador apartado técnico. Visualmente, Kite, es, simple y llanamente, una heroicidad de proporciones bíblicas.  Una pieza de alta costura que pone todas virtudes para llevar a límites insospechados la violencia y las secuencias de acción. No existe momento alguno en que esta exacerbación de las secuencias de acción, que son enmarcadas por grandes escenarios de la destrucción e inmensos baños de sangre, se sientan superflua o fuera de foco, yo diría que es todo lo contrario: este extremismo contribuye a formar un espectáculo tan estimulante como impactante. Así mismo el diseño de personajes es algo pocas veces visto en el mundo de la animación nipona. Su creador guarda especial cuidado con los personajes centrales y convierte a su estilo visual en un espejo de su interior. El diseño de Sawa y Oburi es de una dualidad muy especial, ya que mezcla la inocencia de unos jóvenes que fueron arrastrados a dicho infierno, pero a la vez deja entrever esta otra faceta que se encuentra creciendo en su interior desde el momento en que asesinaron por primera vez. Por su parte Kanie y Akai cuentan con estilo muy diferentes, ambos perversos, pero especialmente el del primero es hasta cierto punto grotesco y turbado.

En resumidas cuentas, Yasuomi Umetsu edifica una obra que transgrede todo lo antes narrado en la industria. Un trabajo que arriesga todo al abordad el tema del abuso infantil y que sin embargo no sólo no pierde absolutamente nada, sino que por el contrario gana un lugar en las obras de culto de la animación nipona. Un anime que no indaga por propia mano en los temas complicados que presenta, sino que los presenta para que el espectador indague dentro de su mente, para que se cuestione sobre lo que sus ojos están presenciando. Y por cierto, aprovechar para mencionar que existe una dichosa “secuela” de nombre Kite Liberator, que no importa como se le vea, lo único que hace es tomar el nombre y lugar de su antecesora, ya que no existe punto de comparación, ni en argumento ni en calidad técnica. Absténganse de verla, es sólo un desperdicio de tiempo. Aunque eso sí, si desean seguir indagando en la mente de este volátil e incisivo director, por supuesto que deben ver Mezzo Forte, que se ubica sólo un peldaño abajo de Kite y con la cual van a tener el mismo festín de sensaciones que con la reseña de hoy.

Lo mejor:

  • Tener una historia en donde se refleja sin reparos toda la crudeza y perversidad que entrañan las situaciones que mueve dicha obra.
  • El reparto de personajes se encuentra perfectamente definido y bastante bien trabajados.
  • Todo el apartado técnico es una pieza maestra. Sin embargo, las secuencias de acción simplemente son desaforadamente geniales. Son como una inyección de adrenalina para el espectador.

Lo peor:

  • La duración. Verdaderamente te quedas con ganas de ver más.

Reseña [Anime]: Noiseman Sound Insect

2013/08/24 2 comentarios
Director: Masaki Watanabe Estudio: Palm Studio Lanzamiento: 2006 Géneros: Slice of Life Demografía: Seinen Tipo: Serie (11 capítulos)

  Director: Kôji Morimoto
  Estudio: Studio 4ºC
  Lanzamiento: 1997
  Géneros: Experimental, Sci-fi 
  Demografía: Shônen
  Tipo: Cortometraje

A grandes rasgos el mundo de la animación nipona se encuentra en un constante ciclo de expansión y globalización, lamentablemente dicho proceso no se presenta de forma uniforme, y si bien terrenos como la animación independiente completamente canónica comienza, poco a poco, a ganar peso e importancia, no sucede lo mismo cuando nos referimos al tema de lo experimental o de vanguardia, que tristemente sigue siendo territorio sumamente inexplorado y no digamos infravalorado.

El tema de la escasez de trabajos en el rubro de lo experimental no es para nada un hecho menor, y mucho menos uno de reciente aparición, sino que estamos ante una problemática tan añeja y enraizada como la llegada del anime a los hogares nipones. De aquí que no es de extrañar que el mismísimo dios (Osamu Tezuka), en determinado momento de su carrera, haya expresado su consternación ante semejante situación, canalizando la misma hacia las series de televisión principalmente. Y es que no es para menos: el anime se torna, con el paso de los años, en un medio que gira en torno a cada vez menos cantidad de temáticas, ritmos narrativos y estilos gráficos. Así que, tomando la batuta dejada por el conocido blogger “Capitán Urías” (creador de la arcadia más culturalmente dispersa de toda la blogosfera) en su artículo Garabatos orientales 2 – Madurad, otakus, madurad publicado en el portal de cómics Zona Negativa —aunque extrapolando dicho argumento a la animación— es preciso mencionar que el panorama totalmente sombrío que se cierne sobre las muestras experimentales seguirá tal cual ha permanecido desde siempre. Y si existe una remota posibilidad de revertir dicha situación, no puede venir de otro lado más que de la fanaticada; ya que sí, seguirán existiendo animadores y estudios que en determinado momento se atrevan a romper con los cánones establecidos y realizar trabajos en donde nos conecten directamente con su imaginación, sin embargo estos seguirán siendo sucesos aislados como hasta el día de hoy debido a que no existe un público suficiente y definido que consuma con avidez dichas creaciones.

La influencia que cualquier fanaticada extranjera puede ejercer sobre la industria del anime, si bien ha ido creciendo conforme la industria se va expandiendo y globalizando, aún permanece siendo reducida o prácticamente nula; pero mucho peor sería si volteamos la mirada en otra dirección y esfumamos toda preocupación por dicha situación, en lugar de brindarle la importancia que este tema posee a la par que invitamos a los nuevos y viejos aficionados a otorgarle una oportunidad a lo experimental, que por naturaleza no clama y apunta por grandes masas de público, pero que innegablemente requiere un grupo de soporte mucho mayor del que actualmente posee.

Sinopsis

En una ciudad llamada Champon, un científico crea una forma de vida sintética llamada Noiseman, que borra las ondas hertzianas de la música transformándolas en cristales. Un grupo de jóvenes bikers se rebelan contra Noiseman para poder controlarlo.

Exaltando los sentidos

Si Makoto Shinkai es el estandarte del anime independiente apegado a los cánones comerciales, Kôji Morimoto, principal mente creativa tras Noiseman Sound Insect, es uno de los pilares fundamentales y máximos impulsores de la experimentación visual y narrativa en el arte del anime. Morimoto es, además, una muestra de que para hacer aquello que más nos mueve se necesita tomar al toro por los cuernos, esto se expresa con la fundación del estudio 4°C, que al día de hoy se ha vuelto uno de los refugios predilectos para aquellos que gustamos de disfrutar algo diferente. Su carrera lo ha encumbrado como uno de los máximos directores de corto y mediometrajes, pero si algo nos ha regalado, y nos sigue regalando con cada nueva aparición, es una revolucionaria forma de entender y apreciar el mundo de la animación.

La animación experimental apela, fundamentalmente, a la libertad… la libertad artística, la libertad narrativa y la libertad visual en pro de contraponerse a lo establecido dentro del ámbito comercial. Aunque la idea es romper convencionalismos al proveer vía libre para que el artista plasme sus ideas, esta no se encuentra en conflicto con las clásicas características de seguir una estructura lineal de sucesos entrelazados. Esta estructura de inicio, desarrollo y final existe y da forma a los acontecido en Noiseman Sound Insect, sin embargo dicho concepto es mezclado con todo lo experimental que Morimoto puede ser.

¿Cuántas obras literarias, producciones cinematográficas o series televisivas, conocemos cuyo argumento surge de la confrontación entre fuerzas malignas y aquellas que intenta preservar el bien y la paz? Bueno, la respuesta para dicha pregunta es que podríamos comenzar a enumerar creaciones y jamás terminaríamos sencillamente porque estamos hablando de uno de los argumentos más antiguos y universales que existe. Y lo que es aún más sorprendente es como pese a ser tocado en innumerables ocasiones y formas, continua siendo un tema central ampliamente funcional. De este argumento especialmente se ha nutrido el mundo del anime, en donde este a su vez se ha mezclado gloriosamente con ingredientes como la magia, la fantasía, los poderes sobrenaturales, el horror, las artes marciales, etc. Evidentemente, Noiseman Sound Insect, se suma a este barco de influencias, pero para deleite de todos nosotros, lo hace tratando este tema de confrontación de fuerzas contrarias desde una perspectiva completamente novedosa, interesante y con gran concepto. Morimoto toma este argumento antiquísimo y lo transmuta en 2 conceptos análogos, como son la música (en este caso representando el bien o lo armonioso) y por otro lado el molesto ruido (representando el mal o la perturbación de la armonía). El incluir una historia que se desarrolla y concluye en los pocos minutos de duración es un acierto, ya que por un lado no lo vuelve un trabajo que sería completamente ajeno a todo el público no cómplice, mientras que para aquellos que están relacionados con lo experimental notarán este movimiento en los conceptos y la inventiva que suponen.

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Noiseman, el singular villano creado por Kôji Morimoto

La mayor aportación que este genial cortometraje ofrece al mundo del anime estriba en todo lo comprendido por su particular universo. Es normal encontrarnos con trabajos que construyen un universo propio para dar vida a una historia determinado, sin embargo es igual de común encontrarnos con cadencias en cuanto detalles que terminan por no redondear la idea general que se quiere transmitir con dicho universo. Y he aquí el gran mérito de este trabajo que, con tan sólo 15 minutos de animación, formula un universo que se encuentra respaldado por un cuerpo de detalles referentes a la mecánica que rige la vida en este mundo muy bien descritos, y esto nos habla del cuidado que el director y su equipo pusieron para entregarnos el mejor trabajo posible. Entre algunos de estos detalles que podemos puntualizar se encuentran, primeramente, el diseño del antagonista de esta pequeña historia, Noiseman, cuya naturaleza y objetivos se representan fielmente por las distorsiones que sufre su cuerpo tal como lo hace el ruido electrónico sobre cualquier onda de sonido pura y armoniosa. Por otro lado nos encontramos con cómo jamás se pierde el peso que tiene la música en dicho universo y esta incluso se muestra de forma muy clara como simboliza el alma de los seres que habitan en ese universo la cual es convertida en cristales; y no olvidar como el ruido actúa de ente perturbador para alienar el actuar y pensar al contaminar la esencia vital de los personajes que, como hemos dicho, es la pureza de la música.

Para terminar de redondear el particular universo que se gesta en este trabajo Morimoto aporta su gran sentido visual, mientras que la emblemática compositora Yôko Kanno completa el experimento encargándose del apartado musical. Empezando por lo referente al soundtrack, considero que Kanno nos demuestra que es una de las más grandes en el mundo del anime, y así mismo nos demuestra que no se necesitan muchos elementos para crear un gran cuerpo sonoro, sino solamente lo justo y adecuado. Hago hincapié en esto ya que el soundtrack se compone en su totalidad por sencillas mezclas de sonidos un tanto techno y tribales, pero el timing con el que se van colocando resulta perfecto para deleitar al oído y exaltar nuestro sentidos para experimentar nuevas sensaciones a la hora de disfrutar la animación.

Cuando analizamos la trayectoria del estudio 4ºC posterior a la realización de este corto, podemos notar una clara semejanza entre la animación de una máxima del estudio como lo es Tekkon Kinkreet a la expuesta en este trabajo. Esto evidentemente nos habla de que la idea visual funcionó para cerrar una muestra de virtuosismo artístico; y no deja de sorprenderme como es que esa paleta de colores en tonos totalmente pasteles, muy discretos, sin grandes prestaciones funcionan para empatarse con una ambientación futurista muy sórdido y saturado. Yo hubiera esperado una composición de colores completamente cargada hacia los tonos eléctricos, fuertes, con grandes secuencias de luces, ya que a final de cuentas estamos tratando el tema de la música, del ruido, de lo electrónico, sin embargo el riesgo en apostar por algo poco convencional resulta todo un éxito y aporta un buen nivel de deleite visual para nuestro ojos fanáticos.

Lo mejor:

  • Un concepto muy original tanto en argumento, narrativa visual y composición musical.
  • Es como una droga para todos nuestros sentidos.
  • Muchos detalles sobre el universo y todo ellos muy cuidados por su creador.

Lo peor:

  • El ambiente se prestaba para darle un poco más secuencias de acción al corto.

Recortando la temporada: Anime para primavera 2013

Recortando 5

¡Saludos, gente! Como pueden darse cuenta, la temporada de primavera nos ha ganado la carrera, y ya se encuentran ante nosotros sus primeros frutos. Pero no se alarmen, aunque la carrera haya iniciado sin nosotros les tengo 2 buenas noticias. La primera, es que ninguna de las recomendaciones que se encuentran más abajo en la entrada forma parte de esos trabajos que ya han emprendido su andar; la segunda, es que pese a todo pronóstico la habitual lista de lanzamientos me ha causado una sensación agriducle, lo que es positivo teniendo en cuenta que me he cansado de externar mi descontento por la corriente en que se mueve el mar de la animación nipona.

Por cierto, mencionar que con este “Recortando la Temporada” estamos iniciando la segunda vuelta de  este proyecto, ya que fue precisamente con la temporada de primavera del pasado año que empezamos. En fin, sin más preámbulo pasemos a lo importante:

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Una imagen vale más que mil palabras

Título: Shingeki no Kyojin

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 6 de abril

La raza humana, que durante siglos ha vivido en la cúspide del mundo, ahora se ha visto orillada a tener que vivir en pequeñas comunidades aisladas por monumentales murallas; todo con el fin de evitar la completa extinción de la raza a manos de los terribles y enigmáticos titanes, criaturas de inteligencia limitada cuya aparente razón de existencia radica en consumir seres humanos. Cruda y desesperanzada es la historia que cubre a esta obra elegida como Mejor Shonen en la 35va entrega de Premios Shogakukan.

De la mano de una animación que mantiene los rasgos del manga original, y que a la par nos hace evocar a una fabulosa obra como Kaiji, Shingeki no Kyojin inequivocamente se postula como una de las cartas fuertes, sino es que la más fuerte, para esta temporada. Una historia trepidante, repleta de acción, enteramente gráfica y que nos acerca a los terrores de una sociedad al borde de la extinción… Una obra que clama una lucha por sobrevivir.

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La magia de lo cotidiano

La magia de lo cotidiano

Título: Danchi Tomoo

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 6 de abril

Obra de Tobira Oda, el manga Danchi Tomoo, lanzado en 2003 a través de las páginas de la Big Comic Spirits y con 3 nominacions —consecutivas: 2005, 2006 y 2007— a los Premios Culturales Osamu Tezuka, es otra de las adaptaciones a anime que luce más interesante, y especialmente refrescante ya que nos saca de la magia y fantasía muy típica de la animación nipona, para exponernos la belleza que alberga cada situación de la vida.

Tobira Oda nos pone en los zapatos de Tomoo, un vivaz joven de 14 años, que vive junto a su madre y su hermana mayor en un edificio apartamental. Con su padre lejos de casa por motivos de trabajo, Tomoo vivirá aventuras y desaventuras sin importar el tiempo y lugar con todos sus amigos.

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Tetsujin-28 para las nuevas generaciones

Tetsujin-28 para las nuevas generaciones

Título: Tetsujin 28-gou Gao!

Tipo: Cortometrajes

Fecha de estreno: 6 de abril

¿Les suena el nombre “Tetsujin 28”? Seguro que si. Tetsujin 28-go, obra de Mitsuteru Yokoyama no es sólo la obra seminal del género de los “súper robots”, sino que es una de las obras primigenias del anime moderno (así como del manga) y, por ende, una asignatura indispensable para cualquiera que se jacte de ser un fanático comprometido con la animación nipona.

Esta nueva adaptación de la archiconocida franquicia, que vuelve a la pantalla después de 6 años de ausencia luce, en la suma de la duración y el estilo visual, poco accesible para aficionados que no sean muy jóvenes. Sin embargo, me he atrevido a recomendarla no por el valor directo de los cortos, sino para invitarlos a que tomen estas breves entregas como un trampolín para acercarse a una de las obras míticas con las que cuenta el anime.

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Hattori y Kenichi

Hattori y Kenichi

Título: Ninja Hattori-kun

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 13 de mayo

Con la anterior recomendación, y puesto que no es secreto mi fascinación por las obras clásicas, era completamente predecible que Ninja Hattori-kun — adaptación realizada por Shinei Animation, una subsidiaría India de TV Ashi sobre el popular manga del mítico dúo Fujiko Fujio (Doraemon)— hiciera su aparición en esta lista.

El remake comenzó emisión en India en mayo del año pasado a través del canal Nick, y ya supera los 30 episodios. La historia, muy abocada al público joven, nace de un anacronismo muy divertido y acertado, en el cual se mezclan la comedia, los lazos de amistad y las aventuras ninja. Así, en un ambiente contemporáneo  Kenzo Hattori, un ninja de Iga que ha elegigo a Kenichi Mitsuba como su amo, tendrá que arreglarselas para librarse de Kemuzo Kemumaki, un ninja de Koga que se meterá con Kenichi y sus amigos.

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A disfrutar de las vacaciones

¡A disfrutar de las vacaciones!

Título: Saint Onii-san

Tipo: Película

Fecha de estreno: 10 de mayo

Fuera de obras imperecederas como Dragon Ball, Detective Conan, Shin-chan, Doraemon y Space Battle Ship Yamato, que casi por defecto merecen atención, ¿cuál largometraje resulta más interesante para la temporada? Bien podría ser una respuesta acertada la cinta de Steins; Gate, o el retorno de Higurashi no Naku Koro ni, pero no. A mi parecer lo mejor que nos ofrece la temporada, incluso por encima de esas obras clásicas, es la adaptación del segundo trabajo profesional de Hikaru Nakamura, Saint Onii-san.

Hikaru Nakamura se dio a conocer en época reciente con su primer manga, Arakawa Under the Bridge, y su estilo de humor absurdo y despreocupado, enmarcado por tintes surrealista ha convertido a su obra en una lectura altamente gratificante y ciertamente estimulante. Con Saint Onii-san, Arakawa transmuta el carácter divino en algo totalmente mundano, y juega como pocos con dos de las figuras más influyentes de la historia de la humanidad. Una obra que muestra a una joven artista completamente desinhibida, sin tapujos para plasmar sus ideas, sin prejuicios que le resten vigor a su genio… Simplemente imperdible.

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¡Nos vemos en la próxima entrega!

Reseña [Anime]: Docchi ni Suru

 Director: Masaki WatanabeEstudio: Palm Studio Lanzamiento: 2006 Géneros: Slice of Life Demografía: Seinen Tipo: Serie (11 capítulos)

  Director: Koji Yamamura
  Estudio: Dentsu
  Lanzamiento: 1999
  Géneros: Comedia
  Demografía: Kodomo
  Tipo: Cortometraje

Si han seguido las esporádicas publicaciones de este espacio, al menos desde el mes de diciembre, sabrán que mencione una muy posible disminución en la actividad a partir de febrero por motivo de la realización de mis prácticas profesionales fuera de mi ciudad natal. Bueno, esto se cumplió, pero de una manera mucho más severa de lo que pude haber imaginado. Pero aunque la incursión en la vida labor, las responsabilidades de vivir de forma independiente y los hermosos reportes y formatos que me dedico a llenar con gran esmero, han recortado de manera bestial mi tiempo libre, prometimos continuar actualizando este espacio y vamos a cumplirlo.

Con mi actual y mezquino tiempo libre, embarcarme en reseñas de trabajos de mediana y larga duración equivaldría al suicidio: no disponemos del tiempo para repasar la obra en cuestión, y como se podrán dar cuenta por la periodicidad de las publicaciones, no somos unos genios con la ideas, y mucho menos unas gacelas escribiendo parrafos. De tal modo que para tratar de evitar desaparecer más de lo que ya lo hacíamos cuando disponíamos de tiempo para invertir, el enfoque de reseñas se encausará en obras cortas que nos exijan aquello de lo que lamentablemente carecemos.

Lo positivo de llevar al sitio hacia este nuevo enfoque, radica en que podremos reavivar la relación con la animación y ser más constantes con este tipo de contenido que a últimas fechas tenemos un poco abandonado. Y de la mano de la filosofía del blog, priorizaremos el contenido de aquello que llaman “animación independiente” y que tanto merece ser comentada en todos los sectores de esta afición. Para arrancar este ciclo por llamarlo de una manera que no privará al blog de la publicación de manga, aunque claro que igual será sobre obras cortas lo haremos ocupándonos de una de las creaciones de Koji Yamamura, director de un estilo muy único y personal, mismo que lo ha encumbrado como uno de los máximos estandartes del anime independiente.

Sinopsis

Raoul, un pequeño caimán, sufre de dolor en una de sus muelas, pero a la vez requiere urgentemente un corte de cabello. ¿Debería ir al dentista o visitar al barbero? Por su parte, Madillo, una armadillo, se debate entre llevar una sombrilla consigo o no a causa de las amenazantes pero intermitentes nubes.

What is your choice?

Aunque en 2002 formó parte del quinteto nominado a Mejor Cortometraje Animado por su trabajo con Mt. Head, y pese al impulso que ello supuso para darse a conocer dentro de las filas de la crítica especializada, la figura de Koji Yamamura aún permanece muy desconocida para los círculos más numerosos de aficionados —cosa completamente contraria a lo que ocurre con otros animadores independientes tales como Makoto Shinkai o Yasuhiro Yoshiura—. Sin contar con ninguna referencia del trabajo de este magnifico director, Docchi ni Suru a priori resulta un corto surgido como parte de una faceta experimental por parte de su creador, sin embargo es todo lo contrario.

A lo largo de su multipremiada trayectoria, Yamamura se ha encargado de construir un universo de la animación que difícilmente comparte semejanza con directores anteriores a él mismo. Y como bien lo evidencia Docchi ni Suru, su obra nace de temas simples e incluso, como en esta ocasión, completamente insípidos y cotidianos, para a lo largo de los escasos pero suficientes minutos, dotarlos de un sentido completamente diferente, llegando en ocasiones a convertirlos en temas que invitan a pensar en nuestra forma de ver la vida y el anime. Por el lado de la estética, esta apunta mayormente al despliegue pictórico y minimalista, y ambos, tanto temática como estética, se han nutrido del intimismo con que Yamamura realiza su labor.

Nuestro joven caimán, su terrible dilema... y un rostro a través de dos árboles.

Nuestro joven caimán, su terrible dilema… y un rostro que se forma en los árboles.

Si con sólo haber leído la sinopsis me preguntaran sobre el público al que va dirigida, no dudaría en decir que es exclusiva para los más pequeños. Sin embargo una vez vista no resulta complicado llegar a la conclusión de que estamos ante un corto casi universal, fácilmente disfrutable por el público infantil, y leible por adolescentes y adultos. Quedaría a consideración si fue premeditado, porque evidentemente el argumento de la toma de decisiones a mi parecer carece casi por completo de relevancia si eres un pequeñín, ya que toda tu atención es absorbida por los exóticos personajes, la música, el diseño  y el surrealismo agradable.  En el caso del público adulto, el tema de las decisiones es lo fundamental. Es lo esencial porque expresa la otra idea que yo entiendo del autor: el poner de manifiesto que decisiones tan simples como elegir entre ir al doctor y después a cortarnos el cabello, o cargar un paraguas en días en donde amenaza la lluvia, no tienen mayor complicación si eres un niño, pero a medida que nos hacemos grandes, este tipo de situaciones comienzan a convertirse en auténticos dilemas, que no llevan a otra cosa que a complicarnos la existencia.

En sus obras más determinantes, Yamamura nos ha deleitado la pupila con un estilo visual casi poético y pictórico que sin duda ha inspirado a personjaes como el ganador del Oscar, y también animador independiente, Kunio Kato. Aún así, la idea visual que cobija al cotidiano argumento resulta muy degustable e interesante, especialmente por el toque infantiloide que trata de asemejarse a los clásicos dibujos realizados con crayones en los jardines de infantes. De este universo visual, que ha sido procreado con un tono muy amigable, me ha parecido harto interesante los toques surrealistas que bañan ciertos aspectos del apartado y que ayuda a dar una estética más incluyente a la par que nos hace evocar los trabajos de alguien como Shigeru Tamura. Sin olvidar mencionar que existe un juego de perspectivas sutil y escaso, pero que le aporta más detalles para apreciar y comentar.

Como era de esperarse, aún en un trabajo menor, Yamamura no deja ningún aspecto sin cubrir, y en lo referente al reparto de personajes su genio sale a relucir para ofrecernos un conjunto de personajes muy originales y de rasgos antropomórficos con bastante sentido de originalidad y que redondean un discurso visual completamente diferente y atractivo. En definitiva, una muestra de los territorios inexplorados a los que nos puede llevar la otra cara de la animación japonesa, así como las ideas que la nutren y que nos invitan a sumergirnos dándole una merecida oportunidad.

Lo mejor:

  • Un concepto muy original de hacer animación.
  • Es una buena manera para acercarse a la carrera de uno de los más grandes de la animación independiente.

Lo peor:

  • La música es un tanto enfadosa.

Géneros y Demografías III: Shônen

Shonen Cabecera

“Anime para chicos” es la frase con la que solemos definir al Shônen (o Shounen), un “género” estereotipado y genérico que asociamos con violencia y desnudos, temáticas que solemos creer atraen al público masculino. Sin embargo, aunque de cierta forma todos esos mitos que se yerguen sobre él tienen un grado de verdad, no se trata de animación de debamos menospreciar por anticipado ni tachar de mediocre sin antes haberla visto. Y claro está, no debemos considerarla un género, sino una demografía.

El Shônen, cuyo significado es “muchacho” (少年), es una clasificación en la que englobamos todas aquellas obras de anime o manga que por su temática, argumento, ritmo, diseño visual y diseño de personajes suelen presentar elementos que culturalmente se nos ha enseñado deben gustar a los hombres, aunque esto no significa que no puedan interesar o gustar a las mujeres. La principal razón de la separación entre obras Shônen y Shôjo responde únicamente a necesidades culturales —un tanto machistas hay que admitirlo— en las que se han definido roles (aunque el término correcto el “papeles”) para hombres y para mujeres, estos papeles se basan en las actividades que cada sexo y cada género debe realizan dentro de su sociedad.

Teniendo en cuenta lo anterior nos resultará sencillo entender porque tienen tan éxito ese tipo de series en el sector masculino joven, las peleas, los viajes llenos de aventuras, las chicas sexys, los villanos y la comedia se han asociado a actividades que los hombres debe realiza y disfrutar, o al menos se ha enseñado a los varones a mostrar predilección por ese tipo de contenidos. Para mala fortuna de aquellos artistas que sí se interesan por contar historias, el mainstream ha encontrado en las series Shônen un estupendo mercado para colocar sus productos, provocando con ello que muchas de las obras se conviertan en productos genéricos que únicamente buscan colocar una mercancía en el mercado.

La influencia de las empresas ocasionó que la producción de estas obras empezara a seguir una formula definida con el fin de atraer a los consumidores, justo como hace el cine Hollywoodense. Los animadores y magakas recurrieron a usar ganchos que terminaron por definir al Shônen: hombres aventureros como protagonistas, mujeres atractivas, elementos ecchi, fan-service, peleas constantes y una historia que generalmente siempre gira en torno a un protagonista cuyo único propósito es buscar, encontrar o lograr algo. Asimismo, se intenta dar una moraleja de perseverancia y trabajo en equipo cuyo trasfondo tiene origen en la mentalidad nipona después de la Segunda Guerra Mundial, pues se enseña a seguir adelante sin importar lo difícil que resulte la travesía.

Temáticas

Hemos dicho que el Shônen se enfoca en el público masculino joven, pues bien, éste público va de los doce a los dieciocho años, sin que esto restringa la edad de su público total y final, ya que adultos de treinta años bien pueden sentirse atraídos por lo que las obras de esta demografía pueden ofrecerle. Al ser un rango de edad muy amplio, las obras Shônen enfatizan determinadas temáticas dependiendo del sector de espectadores que quieran atraer, pues los temas de interés de un puberto de trece años no serán los mismo que los temas de interés de un joven que se aproxima a la adultez. Sin embargo, sin importar a que rango de edad se enfoque la obra, ésta presentará problemáticas con las que el espectador o el lector se verán identificados, ya que suelen ser elementos cotidianos que todos vivimos en algún momento.

Aventura. Sin duda es el quid principal de este tipo de obras. La aventura en si misma ha sido considerada un género y se ha asociado al público masculino, pese a no serlo. Lo que entendemos como aventura es retomado de géneros clásicos como la Fantasía Épica o el Western, en donde vemos a valientes aventureros recorrer peligrosos senderos en busca el algo valioso, para salvar a su amada o para vencer a los malos.

Pues bien, lo que el Shônen hace es matizar esta misma situación, pero en lugar de un valiente aventurero nos muestra a un chico normal, que bien podría ser cualquiera de nosotros, enfrentar una difícil travesía durante la cual enfrentará sus propios miedos y debilidades para que —una vez terminada la jornada— regrese como un hombre (algo así como en un ritual de paso).

Dependiendo de aquello que el personaje tenga que enfrentar podremos advertir la profundidad de la obra, la mayoría de las obras comerciales se basan en un despliegue visual de fastuosas peleas, como en Dragon Ball (porque siendo estrictos Gokú nunca madura), cuando el viaje es más de introspección estamos ante una obra de mayor complejidad, como en el caso de Fullmetal Alchemist.

Shonen Aventura

Violencia. El tema favorito de las madres, pues si bien es cierto que la animación y comic japoneses son más violentos que otros, esto responde a una característica cultural, por ejemplo: en la animación estadounidense (Disney y Warner) la violencia no tiene consecuencias, mientras que en las obras niponas sí las tienen, justo como en la vida real; si golpeas a alguien sangrará, no se enrollará como acordeón y caminará tambaleante.

Dentro de las obras Shônen la violencia está siempre presente, ya sea que se trate del tema central o sea un elemento recurrente de la misma. Sin embargo, a diferencia de lo que pasa en el Seinen, la violencia aquí no es malintencionada, no es perversa y siempre mantiene un toque de fantasía y exageración que la hace inverosímil (dentro del Seinen, la violencia es cruda y muy apegada a la realidad). En Saint Seiya, Naruto, Soul Eater, Dragon Ball, Ranma ½ o Bleach, tenemos grandiosas peleas que siempre presentan elementos ficticios y un constante manejo de las artes marciales. Y si bien tenemos constantes peleas contra personajes malvados, en ningún momento hay intención de mostrar una violencia cruel y visceral. En mi opinión, una serie Shônen no es más violenta que una transmisión deportiva.

Sexualidad. Como el público del Shônen ya está dentro de la edad de explotar su sexualidad, la mayoría de estas obras se basan en los elementos sexuales para atraer al público, y eso ha dejado un gran estigma dentro de la comunidad friki, pues suele creerse que un Shônen funcionará únicamente recurriendo al fan-service e incluso al Ecchi, o peor aún, al Hentai. Estos no es del todo cierto, pues a pesar de que muchas de las obras más comerciales recurren a esos ganchos, también hay muchas obras de excelente calidad que no lo hacen, ahí está el caso de Death Note o el ya mencionado Fullmetal Alchemist.

Shonen Sexualidad

La cantidad de elementos sexuales que presente la obra dependerán del rango de edad que quieran atraer, puede que muestres una simple y tierna atracción como en Love Hina o elementos más fuertes y sugerentes como en Ikkitousen.

Chico-chica. Ligar, como dicen los jóvenes de ahora, es otro de esos temas recurrentes en éste tipo de obras, la mayor parte de las veces se trata del chico tímido y patético enamorado de la chica de cuerpo escultural que ni siquiera sabe que existe pero que por azares del destino termina conquistando. Y esto puede derivar en historias muy tiernas, muy sexuales o muy violentas, como en High School of the Dead.

La dinámica en la interacción de hombres y mujeres también es muy particular, sobre todo en obras destinadas a un público entre 13 y 16 años. Generalmente el protagonista masculino es tonto, impulsivo y desesperado, mientras que su acompañante femenina es metódica, inteligente y reflexiva, lo cual hace que ambos se complementen pero genera un estereotipo insalvable que lamentablemente es difícil no ver en las series actuales.

Deportes. El Spokon (género de deportes) es un género aparte, pero la mayoría de esas obras se enfoca al público masculino, por obvias razones, y presentan todos esos elementos de los que ya hemos hablado. Slam Dunk y Captain Tsubasa son dos ejemplos perfectos del Spokon Shônen. Junto al Spokon, el Mecha, el Harem y las Artes Marciales (o peleas en general) son los géneros más comunes en ésta demografía.

Shonen Spokon

Jóvenes solos. Quizás este aspecto es menos notorio en países como el nuestro, pero en Japón es muy frecuente que los hombres jóvenes (salaryman) vivan solos en pequeños departamentos, trabajen y ganen el suficiente dinero para invertir en sus pasatiempos, y como no tienen las presiones de la vida en pareja también pueden disponer de todo su tiempo libre.

El hecho de que cada vez haya más gente con esta situación en Japón hace que el rango de edad se eleve (por eso yo lo puse hasta los treinta años). El Shônen permite disfrutar a estos hombres de aventuras que ellos desearían vivir pero no pueden, les permite soñar con recorrer exóticos mundos y conocer a bellas jovencitas, y de cierta manera libera su estrés de una forma sencilla al permitirles perderse en su imaginación y fantasías pero desde la seguridad de sus hogares (por eso la industria pornográfica en Japón es tan particular).

Si la industria del maganime busca atraer a este sector de consumidores una buen fórmula es ofrecerles historias en donde los personajes sean jóvenes comunes viviendo vidas aburridas y que por una inesperada razón se ven metidos es una excitante aventura que cambiará el resto de sus vidas y que les ofrezca todo aquello con lo que siempre han fantaseado.

Protagonismo masculino

Con lo que hemos visto hasta el momento es más que obvio que el personajes principal generalmente es un hombre, y digo generalmente porque muchas obras Shônen tienen dentro de los papeles protagónicos a las mujeres, y no me refiere a aquellas féminas que le dan juego a personajes masculino, sino que son ellas quienes cargar con todo el peso. El mejor ejemplo es la saga de Ikkitousen, Sonsaku es la protagonista y las mujeres juegan el papel central en la obra.

Shonen Protagonista

Estereotipos

Ya hemos mencionado los estereotipos a lo largo de toda la entrada, sin embargo, hay algunos que no está demás recalcar. En primera tenemos al varón todopoderoso que sin importar lo difícil de su misión o lo estúpido que él sea siempre logrará su cometido. En segunda tenemos a la amiga-novia-amante que estará a su lado en una relación de amor y odio y lo acompañará durante su travesía, proporcionando o no mayor complejidad a la historia pero sirviendo indiscutiblemente como atractivo visual. En tercer lugar están las peleas, ya sean de ninjas, samuráis, gente común, genios malignos, peleadores callejeros, contra monstruos, extraterrestres o demás engendros. En cuarto lugar tenemos la glotonería, muchos de los personajes masculinos son barriles sin fondo (Gokú, Ranma, Naruto, Luffy, L) que comen sin parar. Finalmente en quinto lugar están los amigos inseparables que acompañaran al protagonista siempre (como Krilin).

Diseño

El diseño es muy sencillo, los escenarios están planteados para que en ellos se puedan llevar a cabo intensas peleas que terminarán por destrozar el lugar. La música es pegajosa, fuerte y rápida, lo cual incita a la aventura. Los personajes masculinos no presentan un gran detalles en su construcción, a lo mucho se limitan a tener una cualidad identificadora y poco común. Las mujeres, por su parte, tendrán hermosos y bien desarrollados cuerpos sin importar la edad biológica que supuestamente tengan, aunque esto puede variar dependiendo del rango de edad al que se destine la obra. Los colores son vivos, contratantes y se acoplaran a la emotividad de cada escena.

Ritmo y capítulos de relleno

El ritmo de las obras Shônen es constante, la acción es trepidante y no para, y al menos en cada capítulo vemos una pelea o elemento que engancha al público para seguir la obra. Sin embargo, la mercadotecnia y los tiempos, cuando hablamos de una obra basada en un manga aún en publicación  suele jugar en contra, lo cual fuerza a los productores a alargar innecesariamente una serie con tediosos capítulos de relleno.

Otro problema que suele disgustar a los aficionados es el estilo narrativo de los japoneses, es decir, el hecho de que durante una escena de acción intercalan diálogos, soliloquios o larguísimos flash-backs. De esta forma los cinco minutos que tardaría en explotar Namekusei fueron varios capítulos, y después de que Oliver chutó el balón tardó cinco episodios en llegar a la portería de Beji.

Comedia

La comedia es intrínseca de esta demografía, y básicamente toda es comedia física que gira alrededor del personajes principal  o de algún personajes secundario cuya función es ser el bufón de la obra. En una opinión personal y con base en el anime Shônen que yo he visto, la comedia recurre a chistes simples, morbosos, en ocasiones algo escatológicos y de poco contenido. Hay obras que si bien son Shônen su género principal es la comedia, en esos casos la cosa cabía, pero en el resto de obras, cuyo género es otro, la comedia siempre será simple y barata, nos hará reír un rato pero nada más.

Ganchos

Está demás hablar de los ganchos para atraer y atrapar al público porque lo he hecho a lo largo de todo post, pero tan sólo para dejarlo claro tenemos el gancho femenino, los elementos sexuales, los deportes, las peleas, en drástico cambio de vida de un chico común en un gran héroe, las maquinas (muchas serie Mecha son Shônen) y el humor diseñado para la mentalidad masculina.

Shonen Ganchos

Como podemos, ver el Shônen es una demografía que por la diversidad y complejidad de su audiencia se ha diversificado en múltiples estilos, tipos y estereotipos, se ha enfocado en contar historias y en vender productos, pero principalmente ha buscado ser un escaparate para que el público masculino deje volar su imaginación y vea reflejadas sus fantasías por unos minutos.