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Perfiles (V): Junji Ito

Junji Ito Cabecera

El horror, a diferencia de otros géneros los cuales buscan comunicar a su audiencia múltiples emociones y diversos mensajes, es un género sumamente sencillo en donde la meta única y fundamental es provocar una de las sensaciones más básicas del ser humano: el miedo. Pero aunque el objetivo es sólo uno, la tarea de llevarlo a cabo no siempre resulta sencilla, e incluso el género ha pasado por momentos muy sombríos como lo fue casi toda la última década del siglo pasado. Pero sería aún durante el dichoso siglo —más específicamente en 1998— que con la cinta The Ring, dirigida por Hideo Nakata y adaptando la novela escrita por Koji Suzuki, que la industria cinematográfica vio la luz al final del túnel, y nosotros… Bueno, nosotros fuimos testigos por primera vez de la especial mística que poseen los japoneses para ponerlos los pelos de punta y la piel chinita.

Este asalto de los nipones sobre el cine de horror, hizo que todos los fanáticos del género volteáramos hacía el país del sol naciente en búsqueda de más contenido, y ello nos llevo a darnos cuenta que no sólo el séptimo arte japonés podíamos encontrar este contenido tan embrujador, sino que la industria del manga, la colosal industria del manga, es un nicho boyante para degustar este estilo de los japoneses  en donde se mezclan la infinidad de leyendas urbanas y la parte sobrenatural que componen su  folclore. Aún así, no son muchos los artistas abocados a dicho género que han alcanzado una relevancia que va mucho más allá del círculo de aficionados especializados, y de entre ellos, el nombre más conocido el de Junji Ito, autor que con sus historias excéntricas a más no poder y un estilo de dibujo al que llamar bizarro es quedarse corto, ha no sólo conquistado a lectores de manga a nivel mundial, sino también a la industria cinematográfica nipona.

Espirales, espirales everywhere...

Espirales, espirales everywhere…

Junji Ito nació el 31 de julio de 1963 en la prefectura de Gifu, perteneciente a la región de Chûbu. Desde una etapa muy temprana de su vida, Ito comenzó a recibir la influencia del manga y del horror, ello debido a los dibujos que realizaba su hermana mayor, así como el arte de los primeros trabajos de Umezu Kazuo, el clásico mangaka conocido por ser el “padre del manga de horror”. Y pese a que en 1987 Ito ganó una mención honorifica en los prestigiados premios Umezu Kazuo, por una historia corta que él envío a la revista mensual especializada en horror, Gekkan Hallowen, él aún continuaba alternando entre el manga y su carrera como odontólogo, de la cual se licenció en la Universidad de Nagoya.

La llegada de Junji Ito a terreno profesional fue todo lo que cualquiera que se quiera dedicar al mundo del manga desearía. A través de las páginas de la revista Nekumi, Ito empezó a publicar Tomie (misma historia que le ganó la mención honorifica Umezu Kazuo), un manga compuesto en forma de historias cortas que giran alrededor de Tomie, una escolar de belleza sin igual capaz de hipnotizar a cualquiera caballero y convertirlo en una mera voluntad de cumplir cualquier deseo. La aura maldita que rodea a la hermosa Tomie lleva a actos de completa brutalidad: los hombres que caen bajo su embrujo terminan por matarse unos a otros, y las chicas, movidas por los celos, tienen destinos similares. Pero Tomie no se encuentra libre de estos destinos, y a lo largo de las páginas ella es asesinada una y otra vez, sólo para volver a renacer y mantener viva la espiral de brutalidad. Este primer trabajo de Ito se extendería desde 1987 hasta 2001, y le valdría para ganarse el reconocimiento de toda la industria, a la par que se convertiría en su trabajo más representativo y de mayor éxito, al ser adaptado en nada menos que 9 ocasiones a Live Action, siendo la última de ellas en el 2011.

En 1998 Ito comenzaría, en la revista Big Comic Spirit, la publicación de Uzumaki, un manga que a la postre se convertiría en el punto de inflexión de su carrera. En Uzumaki (que literalmente se traduce como “La Espiral”) se nos traslada a Kurôzu-cho, un pequeño pueblo que se ubica en una lejanía muy dentro de las montañas, en donde extraños y paranormales sucesos han comenzados a presentarse, y todos ellos se encuentran relacionados con una forma: la espiral. Pese a que la historia comienza con historias un tanto inconexas, de a poco el autor vamos dejando entrever una línea narrativa principal, y con 3 volúmenes en total, Uzumaki representa, en términos de progresión histórica, el trabajo más extenso que ha desarrollado hasta el día de hoy. A su vez, a través del retorcido y bizarro argumento, Ito plasma la obsesión que posee por las deformaciones corporales, siendo esto uno el principal ingrediente para sobresaltar al lector. Considerado por sus seguidores como el mejor trabajo que ha realizado, la insólita historia tuvo el mismo destino que Tomie, y en el año 2000 recibió una adaptación a Live Action.

Jaws versión Ito.

Jaws versión Ito.

Continuando su relación con la Big Comic Spirit de Shōgakukan, del 28 de febrero de 2002 al 30 de mayo de ese mismo año, Ito sorprendería a propios y extraños con su manga más excéntrico: Gyo. Compuesta por 20 capítulos distribuidos en 2 tomos, Gyo pone de manifiesto que Ito es un autor completamente personal (como el mismo lo reveló en una entrevista para Japanorama), que dibuja lo que al le satisface sin pensar en su receptor. De esta forma de pensar es que nace este triunfo de lo bizarro, en donde lo impensado es la forma básica de la historia, y lo impensado son peces con partes mecánicas y que despiden un hedor insoportable. El éxito de este manga le valdría a para atraer la mirada del medio hermano, y recibir una adaptación en formato de OVA que fue lanzada en 2012. En 2005 lanzó un tomo único de nombre Hellstar Remina, manga en cuyo ceno este gran maestro del género experimenta con temas como la ficción apocalíptica, el horror cósmico, la extinción de la raza humana e incluso se da el tiempo para reflexionar sobre los instintos primitivos del hombre ante un panorama de destrucción y desconcierto.

En 2008 Junji Ito decidió continuar diversificándose como artista, y a través de la revista Magazine-Z, lanzó Ito Junji’s Cat Diary, que representó la hasta hoy única incursión del autor en el género “gag”; sin embargo, y fiel al estilo de su creador, este no es un “gag manga” cualquiera, y si bien no se encuentra clasificado dentro del horror, tiende a generar en el lector esta sensación inquietante que provocan sus otros trabajos. El último trabajo en el cual ha participado es Yuukoku no Rasputin, un manga que adapta la novela semi-biográfica, Kokka no Wana, de Masaru Satou, y en el cual Ito se encargó de poner la ilustración, mientras que el guión corrió a cargo de Takashi Nagasaki. Resaltar que a lo largo de su carrera ha existido una serie de mangas bajo el título de The Horror World of Junji, en los cuales se recopilan las historias cortas que ha ido creando durante su carrera. Por último mencionar que si bien Umezu Kazuo fue su principal influencia, Hideshi Hino, Koga Shinsaku, Yasutaka Tsutsui e incluso H.P. Lovecraft han formado parte de sus influencias, según lo reveló él mismo.

Recortando la temporada: Anime para primavera 2013

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¡Saludos, gente! Como pueden darse cuenta, la temporada de primavera nos ha ganado la carrera, y ya se encuentran ante nosotros sus primeros frutos. Pero no se alarmen, aunque la carrera haya iniciado sin nosotros les tengo 2 buenas noticias. La primera, es que ninguna de las recomendaciones que se encuentran más abajo en la entrada forma parte de esos trabajos que ya han emprendido su andar; la segunda, es que pese a todo pronóstico la habitual lista de lanzamientos me ha causado una sensación agriducle, lo que es positivo teniendo en cuenta que me he cansado de externar mi descontento por la corriente en que se mueve el mar de la animación nipona.

Por cierto, mencionar que con este “Recortando la Temporada” estamos iniciando la segunda vuelta de  este proyecto, ya que fue precisamente con la temporada de primavera del pasado año que empezamos. En fin, sin más preámbulo pasemos a lo importante:

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Una imagen vale más que mil palabras

Título: Shingeki no Kyojin

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 6 de abril

La raza humana, que durante siglos ha vivido en la cúspide del mundo, ahora se ha visto orillada a tener que vivir en pequeñas comunidades aisladas por monumentales murallas; todo con el fin de evitar la completa extinción de la raza a manos de los terribles y enigmáticos titanes, criaturas de inteligencia limitada cuya aparente razón de existencia radica en consumir seres humanos. Cruda y desesperanzada es la historia que cubre a esta obra elegida como Mejor Shonen en la 35va entrega de Premios Shogakukan.

De la mano de una animación que mantiene los rasgos del manga original, y que a la par nos hace evocar a una fabulosa obra como Kaiji, Shingeki no Kyojin inequivocamente se postula como una de las cartas fuertes, sino es que la más fuerte, para esta temporada. Una historia trepidante, repleta de acción, enteramente gráfica y que nos acerca a los terrores de una sociedad al borde de la extinción… Una obra que clama una lucha por sobrevivir.

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La magia de lo cotidiano

La magia de lo cotidiano

Título: Danchi Tomoo

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 6 de abril

Obra de Tobira Oda, el manga Danchi Tomoo, lanzado en 2003 a través de las páginas de la Big Comic Spirits y con 3 nominacions —consecutivas: 2005, 2006 y 2007— a los Premios Culturales Osamu Tezuka, es otra de las adaptaciones a anime que luce más interesante, y especialmente refrescante ya que nos saca de la magia y fantasía muy típica de la animación nipona, para exponernos la belleza que alberga cada situación de la vida.

Tobira Oda nos pone en los zapatos de Tomoo, un vivaz joven de 14 años, que vive junto a su madre y su hermana mayor en un edificio apartamental. Con su padre lejos de casa por motivos de trabajo, Tomoo vivirá aventuras y desaventuras sin importar el tiempo y lugar con todos sus amigos.

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Tetsujin-28 para las nuevas generaciones

Tetsujin-28 para las nuevas generaciones

Título: Tetsujin 28-gou Gao!

Tipo: Cortometrajes

Fecha de estreno: 6 de abril

¿Les suena el nombre “Tetsujin 28”? Seguro que si. Tetsujin 28-go, obra de Mitsuteru Yokoyama no es sólo la obra seminal del género de los “súper robots”, sino que es una de las obras primigenias del anime moderno (así como del manga) y, por ende, una asignatura indispensable para cualquiera que se jacte de ser un fanático comprometido con la animación nipona.

Esta nueva adaptación de la archiconocida franquicia, que vuelve a la pantalla después de 6 años de ausencia luce, en la suma de la duración y el estilo visual, poco accesible para aficionados que no sean muy jóvenes. Sin embargo, me he atrevido a recomendarla no por el valor directo de los cortos, sino para invitarlos a que tomen estas breves entregas como un trampolín para acercarse a una de las obras míticas con las que cuenta el anime.

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Hattori y Kenichi

Hattori y Kenichi

Título: Ninja Hattori-kun

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 13 de mayo

Con la anterior recomendación, y puesto que no es secreto mi fascinación por las obras clásicas, era completamente predecible que Ninja Hattori-kun — adaptación realizada por Shinei Animation, una subsidiaría India de TV Ashi sobre el popular manga del mítico dúo Fujiko Fujio (Doraemon)— hiciera su aparición en esta lista.

El remake comenzó emisión en India en mayo del año pasado a través del canal Nick, y ya supera los 30 episodios. La historia, muy abocada al público joven, nace de un anacronismo muy divertido y acertado, en el cual se mezclan la comedia, los lazos de amistad y las aventuras ninja. Así, en un ambiente contemporáneo  Kenzo Hattori, un ninja de Iga que ha elegigo a Kenichi Mitsuba como su amo, tendrá que arreglarselas para librarse de Kemuzo Kemumaki, un ninja de Koga que se meterá con Kenichi y sus amigos.

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A disfrutar de las vacaciones

¡A disfrutar de las vacaciones!

Título: Saint Onii-san

Tipo: Película

Fecha de estreno: 10 de mayo

Fuera de obras imperecederas como Dragon Ball, Detective Conan, Shin-chan, Doraemon y Space Battle Ship Yamato, que casi por defecto merecen atención, ¿cuál largometraje resulta más interesante para la temporada? Bien podría ser una respuesta acertada la cinta de Steins; Gate, o el retorno de Higurashi no Naku Koro ni, pero no. A mi parecer lo mejor que nos ofrece la temporada, incluso por encima de esas obras clásicas, es la adaptación del segundo trabajo profesional de Hikaru Nakamura, Saint Onii-san.

Hikaru Nakamura se dio a conocer en época reciente con su primer manga, Arakawa Under the Bridge, y su estilo de humor absurdo y despreocupado, enmarcado por tintes surrealista ha convertido a su obra en una lectura altamente gratificante y ciertamente estimulante. Con Saint Onii-san, Arakawa transmuta el carácter divino en algo totalmente mundano, y juega como pocos con dos de las figuras más influyentes de la historia de la humanidad. Una obra que muestra a una joven artista completamente desinhibida, sin tapujos para plasmar sus ideas, sin prejuicios que le resten vigor a su genio… Simplemente imperdible.

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¡Nos vemos en la próxima entrega!

Géneros y Demografías III: Shônen

Shonen Cabecera

“Anime para chicos” es la frase con la que solemos definir al Shônen (o Shounen), un “género” estereotipado y genérico que asociamos con violencia y desnudos, temáticas que solemos creer atraen al público masculino. Sin embargo, aunque de cierta forma todos esos mitos que se yerguen sobre él tienen un grado de verdad, no se trata de animación de debamos menospreciar por anticipado ni tachar de mediocre sin antes haberla visto. Y claro está, no debemos considerarla un género, sino una demografía.

El Shônen, cuyo significado es “muchacho” (少年), es una clasificación en la que englobamos todas aquellas obras de anime o manga que por su temática, argumento, ritmo, diseño visual y diseño de personajes suelen presentar elementos que culturalmente se nos ha enseñado deben gustar a los hombres, aunque esto no significa que no puedan interesar o gustar a las mujeres. La principal razón de la separación entre obras Shônen y Shôjo responde únicamente a necesidades culturales —un tanto machistas hay que admitirlo— en las que se han definido roles (aunque el término correcto el “papeles”) para hombres y para mujeres, estos papeles se basan en las actividades que cada sexo y cada género debe realizan dentro de su sociedad.

Teniendo en cuenta lo anterior nos resultará sencillo entender porque tienen tan éxito ese tipo de series en el sector masculino joven, las peleas, los viajes llenos de aventuras, las chicas sexys, los villanos y la comedia se han asociado a actividades que los hombres debe realiza y disfrutar, o al menos se ha enseñado a los varones a mostrar predilección por ese tipo de contenidos. Para mala fortuna de aquellos artistas que sí se interesan por contar historias, el mainstream ha encontrado en las series Shônen un estupendo mercado para colocar sus productos, provocando con ello que muchas de las obras se conviertan en productos genéricos que únicamente buscan colocar una mercancía en el mercado.

La influencia de las empresas ocasionó que la producción de estas obras empezara a seguir una formula definida con el fin de atraer a los consumidores, justo como hace el cine Hollywoodense. Los animadores y magakas recurrieron a usar ganchos que terminaron por definir al Shônen: hombres aventureros como protagonistas, mujeres atractivas, elementos ecchi, fan-service, peleas constantes y una historia que generalmente siempre gira en torno a un protagonista cuyo único propósito es buscar, encontrar o lograr algo. Asimismo, se intenta dar una moraleja de perseverancia y trabajo en equipo cuyo trasfondo tiene origen en la mentalidad nipona después de la Segunda Guerra Mundial, pues se enseña a seguir adelante sin importar lo difícil que resulte la travesía.

Temáticas

Hemos dicho que el Shônen se enfoca en el público masculino joven, pues bien, éste público va de los doce a los dieciocho años, sin que esto restringa la edad de su público total y final, ya que adultos de treinta años bien pueden sentirse atraídos por lo que las obras de esta demografía pueden ofrecerle. Al ser un rango de edad muy amplio, las obras Shônen enfatizan determinadas temáticas dependiendo del sector de espectadores que quieran atraer, pues los temas de interés de un puberto de trece años no serán los mismo que los temas de interés de un joven que se aproxima a la adultez. Sin embargo, sin importar a que rango de edad se enfoque la obra, ésta presentará problemáticas con las que el espectador o el lector se verán identificados, ya que suelen ser elementos cotidianos que todos vivimos en algún momento.

Aventura. Sin duda es el quid principal de este tipo de obras. La aventura en si misma ha sido considerada un género y se ha asociado al público masculino, pese a no serlo. Lo que entendemos como aventura es retomado de géneros clásicos como la Fantasía Épica o el Western, en donde vemos a valientes aventureros recorrer peligrosos senderos en busca el algo valioso, para salvar a su amada o para vencer a los malos.

Pues bien, lo que el Shônen hace es matizar esta misma situación, pero en lugar de un valiente aventurero nos muestra a un chico normal, que bien podría ser cualquiera de nosotros, enfrentar una difícil travesía durante la cual enfrentará sus propios miedos y debilidades para que —una vez terminada la jornada— regrese como un hombre (algo así como en un ritual de paso).

Dependiendo de aquello que el personaje tenga que enfrentar podremos advertir la profundidad de la obra, la mayoría de las obras comerciales se basan en un despliegue visual de fastuosas peleas, como en Dragon Ball (porque siendo estrictos Gokú nunca madura), cuando el viaje es más de introspección estamos ante una obra de mayor complejidad, como en el caso de Fullmetal Alchemist.

Shonen Aventura

Violencia. El tema favorito de las madres, pues si bien es cierto que la animación y comic japoneses son más violentos que otros, esto responde a una característica cultural, por ejemplo: en la animación estadounidense (Disney y Warner) la violencia no tiene consecuencias, mientras que en las obras niponas sí las tienen, justo como en la vida real; si golpeas a alguien sangrará, no se enrollará como acordeón y caminará tambaleante.

Dentro de las obras Shônen la violencia está siempre presente, ya sea que se trate del tema central o sea un elemento recurrente de la misma. Sin embargo, a diferencia de lo que pasa en el Seinen, la violencia aquí no es malintencionada, no es perversa y siempre mantiene un toque de fantasía y exageración que la hace inverosímil (dentro del Seinen, la violencia es cruda y muy apegada a la realidad). En Saint Seiya, Naruto, Soul Eater, Dragon Ball, Ranma ½ o Bleach, tenemos grandiosas peleas que siempre presentan elementos ficticios y un constante manejo de las artes marciales. Y si bien tenemos constantes peleas contra personajes malvados, en ningún momento hay intención de mostrar una violencia cruel y visceral. En mi opinión, una serie Shônen no es más violenta que una transmisión deportiva.

Sexualidad. Como el público del Shônen ya está dentro de la edad de explotar su sexualidad, la mayoría de estas obras se basan en los elementos sexuales para atraer al público, y eso ha dejado un gran estigma dentro de la comunidad friki, pues suele creerse que un Shônen funcionará únicamente recurriendo al fan-service e incluso al Ecchi, o peor aún, al Hentai. Estos no es del todo cierto, pues a pesar de que muchas de las obras más comerciales recurren a esos ganchos, también hay muchas obras de excelente calidad que no lo hacen, ahí está el caso de Death Note o el ya mencionado Fullmetal Alchemist.

Shonen Sexualidad

La cantidad de elementos sexuales que presente la obra dependerán del rango de edad que quieran atraer, puede que muestres una simple y tierna atracción como en Love Hina o elementos más fuertes y sugerentes como en Ikkitousen.

Chico-chica. Ligar, como dicen los jóvenes de ahora, es otro de esos temas recurrentes en éste tipo de obras, la mayor parte de las veces se trata del chico tímido y patético enamorado de la chica de cuerpo escultural que ni siquiera sabe que existe pero que por azares del destino termina conquistando. Y esto puede derivar en historias muy tiernas, muy sexuales o muy violentas, como en High School of the Dead.

La dinámica en la interacción de hombres y mujeres también es muy particular, sobre todo en obras destinadas a un público entre 13 y 16 años. Generalmente el protagonista masculino es tonto, impulsivo y desesperado, mientras que su acompañante femenina es metódica, inteligente y reflexiva, lo cual hace que ambos se complementen pero genera un estereotipo insalvable que lamentablemente es difícil no ver en las series actuales.

Deportes. El Spokon (género de deportes) es un género aparte, pero la mayoría de esas obras se enfoca al público masculino, por obvias razones, y presentan todos esos elementos de los que ya hemos hablado. Slam Dunk y Captain Tsubasa son dos ejemplos perfectos del Spokon Shônen. Junto al Spokon, el Mecha, el Harem y las Artes Marciales (o peleas en general) son los géneros más comunes en ésta demografía.

Shonen Spokon

Jóvenes solos. Quizás este aspecto es menos notorio en países como el nuestro, pero en Japón es muy frecuente que los hombres jóvenes (salaryman) vivan solos en pequeños departamentos, trabajen y ganen el suficiente dinero para invertir en sus pasatiempos, y como no tienen las presiones de la vida en pareja también pueden disponer de todo su tiempo libre.

El hecho de que cada vez haya más gente con esta situación en Japón hace que el rango de edad se eleve (por eso yo lo puse hasta los treinta años). El Shônen permite disfrutar a estos hombres de aventuras que ellos desearían vivir pero no pueden, les permite soñar con recorrer exóticos mundos y conocer a bellas jovencitas, y de cierta manera libera su estrés de una forma sencilla al permitirles perderse en su imaginación y fantasías pero desde la seguridad de sus hogares (por eso la industria pornográfica en Japón es tan particular).

Si la industria del maganime busca atraer a este sector de consumidores una buen fórmula es ofrecerles historias en donde los personajes sean jóvenes comunes viviendo vidas aburridas y que por una inesperada razón se ven metidos es una excitante aventura que cambiará el resto de sus vidas y que les ofrezca todo aquello con lo que siempre han fantaseado.

Protagonismo masculino

Con lo que hemos visto hasta el momento es más que obvio que el personajes principal generalmente es un hombre, y digo generalmente porque muchas obras Shônen tienen dentro de los papeles protagónicos a las mujeres, y no me refiere a aquellas féminas que le dan juego a personajes masculino, sino que son ellas quienes cargar con todo el peso. El mejor ejemplo es la saga de Ikkitousen, Sonsaku es la protagonista y las mujeres juegan el papel central en la obra.

Shonen Protagonista

Estereotipos

Ya hemos mencionado los estereotipos a lo largo de toda la entrada, sin embargo, hay algunos que no está demás recalcar. En primera tenemos al varón todopoderoso que sin importar lo difícil de su misión o lo estúpido que él sea siempre logrará su cometido. En segunda tenemos a la amiga-novia-amante que estará a su lado en una relación de amor y odio y lo acompañará durante su travesía, proporcionando o no mayor complejidad a la historia pero sirviendo indiscutiblemente como atractivo visual. En tercer lugar están las peleas, ya sean de ninjas, samuráis, gente común, genios malignos, peleadores callejeros, contra monstruos, extraterrestres o demás engendros. En cuarto lugar tenemos la glotonería, muchos de los personajes masculinos son barriles sin fondo (Gokú, Ranma, Naruto, Luffy, L) que comen sin parar. Finalmente en quinto lugar están los amigos inseparables que acompañaran al protagonista siempre (como Krilin).

Diseño

El diseño es muy sencillo, los escenarios están planteados para que en ellos se puedan llevar a cabo intensas peleas que terminarán por destrozar el lugar. La música es pegajosa, fuerte y rápida, lo cual incita a la aventura. Los personajes masculinos no presentan un gran detalles en su construcción, a lo mucho se limitan a tener una cualidad identificadora y poco común. Las mujeres, por su parte, tendrán hermosos y bien desarrollados cuerpos sin importar la edad biológica que supuestamente tengan, aunque esto puede variar dependiendo del rango de edad al que se destine la obra. Los colores son vivos, contratantes y se acoplaran a la emotividad de cada escena.

Ritmo y capítulos de relleno

El ritmo de las obras Shônen es constante, la acción es trepidante y no para, y al menos en cada capítulo vemos una pelea o elemento que engancha al público para seguir la obra. Sin embargo, la mercadotecnia y los tiempos, cuando hablamos de una obra basada en un manga aún en publicación  suele jugar en contra, lo cual fuerza a los productores a alargar innecesariamente una serie con tediosos capítulos de relleno.

Otro problema que suele disgustar a los aficionados es el estilo narrativo de los japoneses, es decir, el hecho de que durante una escena de acción intercalan diálogos, soliloquios o larguísimos flash-backs. De esta forma los cinco minutos que tardaría en explotar Namekusei fueron varios capítulos, y después de que Oliver chutó el balón tardó cinco episodios en llegar a la portería de Beji.

Comedia

La comedia es intrínseca de esta demografía, y básicamente toda es comedia física que gira alrededor del personajes principal  o de algún personajes secundario cuya función es ser el bufón de la obra. En una opinión personal y con base en el anime Shônen que yo he visto, la comedia recurre a chistes simples, morbosos, en ocasiones algo escatológicos y de poco contenido. Hay obras que si bien son Shônen su género principal es la comedia, en esos casos la cosa cabía, pero en el resto de obras, cuyo género es otro, la comedia siempre será simple y barata, nos hará reír un rato pero nada más.

Ganchos

Está demás hablar de los ganchos para atraer y atrapar al público porque lo he hecho a lo largo de todo post, pero tan sólo para dejarlo claro tenemos el gancho femenino, los elementos sexuales, los deportes, las peleas, en drástico cambio de vida de un chico común en un gran héroe, las maquinas (muchas serie Mecha son Shônen) y el humor diseñado para la mentalidad masculina.

Shonen Ganchos

Como podemos, ver el Shônen es una demografía que por la diversidad y complejidad de su audiencia se ha diversificado en múltiples estilos, tipos y estereotipos, se ha enfocado en contar historias y en vender productos, pero principalmente ha buscado ser un escaparate para que el público masculino deje volar su imaginación y vea reflejadas sus fantasías por unos minutos.

Recortando la temporada: Anime para invierno 2012/2013

2012/12/12 2 comentarios

Recortando 4

Y sí, hace un mes desde la última ocasión en que este blog recibió nuevo contenido; no es para nada algo que se deba pasar por alto, y por supuesto que es un hecho que esperaría jamás vuelva a hacerse presente en el futuro de este proyecto, sin embargo la realidad es otra, y lamentablemente es una que no se puede evitar y sobre la cual estaré hablando más a profundidad en la próxima publicación… la que celebrará el primer añito de Habitación Otaku.

Como ya es sabido las recomendaciones que realizo para nada son cuantiosas, sino más bien puntuales y siempre orientadas a redondear el repertorio con el que cada fanático se arma para afrontar la respectiva temporada. Y no sé ustedes, pero desde mi punto de vista la época de invierno, en donde a todo el mundo se le antoja permanecer en casa disfrutando de una frazada y una deliciosa taza de chocolate caliente, debería ser el punto de confluencia de novedades suculentas, o mínimo interesante en todos los puntos de audiencia; sin embargo, y si bien cada vez mi entusiasmo por la llegada de una nueva temporada decrece, tengo que admitir que incluso yo veo venir una temporada invernal con un catalogo tremendamente pobre en cuanto a calidad media, pero apelando a que los fanáticos fieles lograrán encontrar unas cuantas cosillas para entretenerse —especialmente por nuevas temporadas o readaptaciones— evitando así salir a sufrir las inclemencias del clima propio de esta época. Pues sin más a continuación mis recomendaciones:

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Peculiar… bastante peculiar

Título: Senyuu

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 8 de enero

Con Yutaka Yamamoto como timonel en jefe llega Senyuu, una adaptación animada del manga cómico de fantasía creado por Robinson Haruhara, y el cual se encuentra aún en publicación a través de las páginas de la Jump Square de la popular editorial Shueisha.  La historia de tan peculiar trabajo relata los acontecimientos que ocurren en el mundo desde la aparición de un enorme agujero en el centro de la tierra del que salen múltiples demonios. El Rey de la Tierra cree que todo ocurre porque el Rey de los Demonios Rukimedesu, rompió el sello de su tumba, en la cual fue atrapado por un héroe llamado Kureashion hace 1000 años. El Rey decreta que todos los descendientes de aquel héroe deben comandar la lucha contra los demonios y los convoca a palacio.

No sé si es su estilo de animación, o su comedia de tintes un tanto absurdos, o si será la falta de obras atractivas, o si es todo esto (incluyendo la jirafa) sumado a un argumento genérico y muy de juegos de rol. En fin, no importa que ha sido, lo concreto es que esta apuesta singular, simplista y cómica me ha llenado el ojo lo suficiente como para recomendarla. Veremos que sucede con ella una vez que toco la pantalla, y esperemos que resulte entretenida.

 + Info:

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Un lápiz en la nariz pinta bien

Título: Ishida to Asakura

Tipo: Serie

Fecha de estreno: enero de 2013 (día por confirmar)

De comedia surrealista, Ishida to Asakura es la adaptación del manga homónimo creado por Masao —quien se hizo popular en la comunidad artística pivix antes de debutar profesionalmente con este manga—, y que fue publicado curiosamente en la revista principal Young King como en su contraparte mensual de igual nombre. Contando con tan sólo 15 capítulos totales, la historia nos adentra a la vida del co-protagonista Asakura quien quiere llegar a ser profesor en un instituto femenino en el futuro, mientras que Ishida quiere llegar a ser florista junto con Asakura en el futuro.

Hoy en día es raro toparnos con trabajos dedicados puramente a las audiencias adultas del género masculino (seinen), por consiguiente resulta sumamente interesante echarnos un clavado para ver que tipo de obras son las que logran pasar el filtro de todos los clichés que tienen asaltado al anime. De Ishida to Asakura no sabemos prácticamente nada, sin embargo su argumento que casi parece ridículo luce como una apuesta a priori interesante y, sobre todo, muy diferente.

+ Info:

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El “Monkey Punch”

Título: Bakumatsu Gijinden Roman

Tipo: Serie

Fecha de estreno: 7 de enero

No, no es Arsenio Lupin en el periodo Bakumatsu (1853-1867) de Japón; pero sí, el hombre tras el diseño de personajes no es otro que el mítico creador de la emblemática franquicia de Lupin, Kazuhiko Katou, o como mejor se le conoce, Monkey Punch.

La historia nos sitúa a finales del siglo XIX en Kyoto. Manjiro tiene dos caras. De día trabaja ayudando a la gente de Kyoto, pero por las noches se ampara en la oscuridad para arrebatar a los que abusan de su poder lo que le han quitado a la gente y así devolvérselo. Es Roman, el ladrón misterioso. Manjiro sin quererlo se verá involucrado en una conspiración a nivel nacional.

Casi puedo afirmar que cualquier aficionado al manga o el anime está, por consiguiente, interesado en la cultura nipona y todo lo que ello abarca, por tal motivo y si bien Bakumatsu Gijinden Roman —basada en el juego de pachinko CR Ginroku Gijinden Roman— no es una obra de rigor histórico, el simple motivo de que se nos saque de los tiempos modernos para llevarnos un poco a esos periodos del Japón feudal resulta gratificante para como están las cosas en el mundo de la animación nipona.

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Una imagen vale más que mil palabras

Título: Sakasama no Patema

Tipo: Película

Fecha de estreno: 2013 (fecha concreta por definir)

El pasado, Yasuhiro Yoshiura, creador de Time of Eve y Pale Cocoon, volvió nuevamente a deleitarnos con una serie de 4 cortos que sirvieron de prólogo para Sakasama no Patema, su próxima incursión cinematográfica y una posible nueva joya audiovisual de este estandarte de la animación independiente.

La historia de Sakasama no Patema se desarrolla en un mundo bajo tierra construido a base de tuberías, donde los seres humanos deben llevar un tipo de ropa protectora especial. A pesar de todo, los habitantes de los subterráneos, aunque se mueven en total oscuridad, llevan una vida apacible y hasta una princesa de los túneles llamada Patema disfruta explorando este extraño mundo. Su lugar favorito es la “zona peligrosa”, una zona prohibido en la que nuestra protagonista se adentrará movida por pura curiosidad. Sin embargo, y a pesar de ser un lugar cuyo acceso está restringido, los habitantes del lugar nunca han especificado por qué se trata de una zona peligrosa y Patema descubrirá entonces secretos que hasta el momento habían permanecido enterrados en la oscuridad de los túneles.

Desde que Yasuhiro toco terreno en el mundo de la animación, sus producciones han estado ligadas a un tremendo virtuosismo visual, que se manifiesta en el magistral manejo de la narrativa visual que termina siempre por concebir una atmósfera exquisita y sobrecogedora, misma que permea la idea fundamental de esta nueva producción. Bueno, pues ahora lo único que hará falta será la paciencia para disfrutar de un triunfo más de la animación independiente.

+ Info:

¡Nos vemos en la próxima entrega!

Perfiles (IV): Naoko Takeuchi

2012/10/01 1 comentario

Influenciada enormemente por la obra del maestro Leiji Matsumoto (Captain Harlock, Galaxy Express 999), y gracias a la transparencia y sinceridad con que plasma sus ideas y experiencias propias a través de su obra, Naoko Takeuchi se ha constituido como una de las mangakas de temática femenina más importantes de la industria. Es conocida dentro de Japón como la gran revitalizadora del subgénero Mahou Shoujo, y su dibujo de entintado suave e impalpable, con personajes femeninos de ojos grandes, brillantes y expresivos, así como unos protagonistas masculinos de aire serio y personalidad distante (que obedecen al más personal gusto de Naoko), constituyen uno de los conceptos más interesantes dentro de la narrativa visual orientada al público femenino.

Su transitar y rotundo éxito dentro del Mahou Shoujo no sólo le valió para influenciar de manera sustancial trabajos venideros de la misma temática, tales como Magic Knight RayearthFushigi Yuugi o incluso Pretty Cure, sino que es el elemento clave que la llevo a ser reconocida en una cantidad importante de países fuera de Japón. Su legado y gran eco aún siguen latentes fuera del país del sol naciente, una prueba fehaciente es que dentro del cada vez más inerte mercado Latinoamericano de manga y anime, actualmente se está comercializando la serie animada original de Sailor Moon a través de un formato de lujo llamado “Talk Box”.

Naoko Takeuchi nació el 15 de marzo de 1967 en la ciudad de Kôfu, perteneciente a la prefectura Yamanashi, Japón. Después de terminar la educación obligatoria (primaria y secundaria) en donde formó parte de los clubes de astronomía y manga, ingreso en la Universidad Farmacéutica de Kyoritsu por petición de su padre; la petición llegó tras conocer las intenciones de Naoko por convertirse en mangaka, y como medida preventiva si no lograba materializar su sueño, pidió a su hija estudiar otra profesión.

Portada de Chocolate Christmas

Aunque se licenció en Química Farmacéutica y trabajo en el Hospital Universitario de Keio, su sueño de ser mangaka jamás se esfumo de su mente y continuo dibujando a la par que cursaba sus estudios universitarios. En 1986 obtuvo, por su manga Love Call, el galardón como Mejor Artista Revelación entregado por la revista antológica Nakayoshi de la editorial Kodansha. Ese mismo año inicio Prism Time, un compilado de one-shots que no vería su final sino hasta 1997.

Un año después, en 1987, con un manga cuyo particular nombre es Chocolate Christmas, Naoko Takeuchi empieza a formular su propio estilo narrativo sobre una de las temáticas que tendrían mayor predilección durante su carrera: los romances juveniles. A su vez, abre un pequeño ciclo de temas y situaciones, ya que su trabajo posterior, Maria, comparte el mismo hilo conductor e incluye vasos comunicantes bastante importantes. Las ideas que permean ambas historias, y que Takeuchi trata con interés y cuidado, son entre algunas otras: la idealización de la pareja, el enamoramiento de una idea, y el no truncar la felicidad de dos personas que comparten un sentimiento.

Tras una breve incursión con The Cherry Project por el mundo del skate, y sin dejar de lado el toque romántico, Takeuchi deseaba realizar un manga diferente a lo que había hecho hasta ese punto, el cual girara en torno a una heroína. Su editor, Fumio Osano (Osa-P), le propuso que las heroína usara traje de marinero, y dicho esto, fue como, en 1991, nació el primer gran éxito en la carrera de la joven mangaka: Codename: Sailor V. Serializada en la revista Run-Run de Kodansha, Codename: Sailor V era una primicia bastante atractiva para la época, y Toei Animation se percato instantáneamente de ello y busco llevarla a la pantalla chica; sin embargo la experimentada casa productora tuvo que esperar un año hasta la llegada de Bishoujo Senshi Sailor Moon, un manga que tomó la base de Sailor V, y la llevo a un nivel mucho mayor tanto en lo visual como en lo argumental, y en donde el ingrediente principal ya no era sólo una única heroína, sino un grupo de 5 llamadas “Sailor Scouts”.

Dos personajes que marcaron a una generación

A sólo un mes del inicio de publicación de Bishoujo Senshi Sailor Moon, Toei Animation comenzó la emisión de la serie de televisión la cual, a la postre, se convertiría en uno de los más contundentes éxitos de la década de los 90’s y que saco de un claro estancamiento a las obras de Magical Girls. El manga terminó en 1997 con un total de 18 volúmenes, mientras que las adaptaciones animadas alcanzan, hasta la fecha, más de una decena. Como dato interesante resaltar que la misma Naoko Takeuchi se encargo de componer algunos de los temas principales que acompañaron al anime.

Una vez que terminó de dibujar tanto Sailor V como Sailor Moon —ambas en 1997— la relación de Takeuchi con Kodansha se vino a bajo, ya que la editorial perdió 7 páginas del manuscrito original de PQ Angels. La pérdida de estas páginas hizo imposible que el nuevo trabajo se convirtiera en Tankôbon, y ella abandono Kodansha para sumarse a la editorial Shueisha (Dragon Ball) con la esperanza de aprender más sobre la industria y descubrir que tan a menudo se pierden los manuscritos. Pero la ruptura no duró mucho, y en 1999, con la inminente expiración de la licencia de Sailor Moon, Kodansha hizo un trato con Takeuchi. Tras su regreso realizó Love Witch, manga que fue cancelado por razones desconocidas; además trabajo en un one-shot de nombre Toki Meka, así como en la reimpresión de Sailor Moon y Sailor V.

Pero Naoko Takeuchi no es sólo una mujer exitosa en el ámbito profesional, sino también en lo personal. El 6 de enero de 1999 Takeuchi contrajo nupcias con el también mangaka Yoshihiro Togasi, conocido por ser el autor de Hunter x Hunter, Yu Yu Hakusho y Level E. A la boda asistieron todas las seiyuus que dan vida a las Sailor Scouts, así como reconocidos mangakas de la industria.  La luna de miel la pasaron en España y Turquía, y actualmente la pareja ha concebido dos hijos.

Perfiles (III): Minetarô Mochizuki

2012/08/25 2 comentarios

Con un estilo de dibujo bizarro, poco estético y un tanto burdo, Minetaro Mochizuki se ha establecido como uno de los autores por antonomasia del terror psicológico, además de representar una de las principales alternativas al tipo de horror de grandes maestros como Kazuo Umezu, Hino Hideshi, Junji Ito, por citar a algunos. Ahondar en la mente humana, quebrantar la racionalidad, aflorar los más básicos instintos de supervivencia, el miedo cerval y la angustia llevada al extremo son sus temáticas favoritas. La creación de atmósferas, la construcción psicológica y una elaborada y ágil narrativa que mantiene una tensión totalmente creciente son las virtudes que han hecho rendirse a la industria del manga ante su obra.

Minetarô Mochizuki nació el 29 de enero de 1964 en Yokohama, la ciudad más importante en industria y comercio en la prefectura de Kanagawa. Ingreso a la  Escuela de Diseño de Tokyo Gakuin, y tras licenciarse decidió incursionar en el terreno del manga y se hizo con el galardón de Kodansha para Nuevos Artistas. Publicando manga desde los tempranos 19 años a través de las páginas de la revista Young de Kodansha, en 1985, con 21 años de edad, dio su primer campanada con el manga Batâshi Kingyo, una obra que se revuleve entre la comedia y los romances adolescentes. El éxito que tuvo el manga durante la segunda mitad de los 80’s le valió para ser adaptada a un Live-Action en 1990.

En 1993 llegaría la primera de sus obras más representativas: Zashiki Onna (La Mujer de la Habitacón Oscura). Tal fue la acogida de este tomo único que se convirtió en un best-seller y ha sido calificada por la crítica especializada como “el manga más escalofriante de la historia”. Dos años después de la publicación de Zashiki Onna, Minetaro Mochizuki sacudiría la industria con Dragon Head, un seinen post-apocalíptico que rápidamente alcanzó la excelencia. En 1997 la obra fue galardonada en los Premios Kodansha de Manga en la Categoría General; más tarde obtuvo el Premio a la Excelencia en la cuarta entrega de Premios Culturales Osamu Tezuka.

Maiwai, Zashiki Onna y Dragon Head son las obras que han sido publicadas en España (Glénat)

Tras alcanzar la cúspide con Dragon Head, Mochizuki abandona el terreno del terror psicológico para expandir su repertorio dando un giro a sus habituales temáticas. El resultado fue Maiwai, un manga publicado del 2002 al 2008 que si bien tiene de tema central a las aventuras, los piratas y los tesoros prometidos, a través de luchadores enmascarados y obsesivos tiburones asesinos mantiene los tintes bizarros y excéntricos que han caracterizado su carrera. Y el mismo año que terminó Maiwai, dio comienzo a Tôky Kaidô mediante las páginas de la revista Morning de Kodansha, proyecto que termino dos años después con total de 3 tomos.

En la actualidad Mochizuki tiene un proyecto en puerta, mismo que empezará a publicar a partir del 3 de septiembre. El nombre de este nuevo trabajo es Chiisakobee, y se trata de una adaptación de la novela histórica de nombre homónimo escrita por Shûgorô  Yamamoto. En la historia un joven carpintero se encarga de cuidar a varios niños huérfanos tras un gran incendio en Edo (actualmente Tokyo) mientras se esfuerza en la reconstrucción. Pero al parecer el manga no mantendrá la situación cronológica de la novela y se ambientará en una época más contemporánea.

Perfiles (II): Buronson

Los años 80’s fueron el semillero de grandes exponentes del Shounen, y nadie puede negar que de esta época surgió la obra más representativa de la demografía y, quizá, también la más influyente de la historia, me refiero a Dragon Ball. Pero muchas veces está tremenda popularidad fuera del país del sol naciente ha hecho que veamos esta época englobada únicamente en la primicia de Akira Toriyama, privándonos así, de conocer otras grandes obras de igual o mayor calidad, y más importante de conocer a los personajes que catapultaron su carrera. Una claro ejemplo sería Hokuto no Ken… Pero en esta ocasión no hablaremos de la obra en sí, sino de la mente tras tan icónica creación: Buronson.

Nacido en 1947 en Saku, Nagano, y ocasionalmente conocido como Shou Fumimura, aunque más comúnmente por su otro pseudonimo: Buronson, Yoshiyuki Okamura forma parte de una serie muy particular de mangakas, o más bien dicho, de escritores de manga, ya que al igual que Koike Kazuo y Takao Saito, el trabajo de Buronson se limita exclusivamente a crear y escribir la historia, delegando la tarea de ilustración.

Antes de incursionar en el mundo del manga, Buronson formó parte de la Escuela de Entrenamiento de la Fuerza Aérea Japonesa, de la cual se graduó en 1967 para servir como mecánico de radares. Su labor como mecánico sólo duró escasos 2 años, ya que en 1969 salió del cargo para llegar a la industria en la cual brillaría e influiría copiosamente.

Después de trabajar como asistente del mangaka Hiroshi Motomiya, comenzó su carrera en el terreno profesional cuando en 1972 escribió el guión de Pink Punch: Miyabi, manga que contó con los dibujos de Goro Sakai. Pero no sería sino hasta 3 años después cuando Buronson se pondría en el panorama  tras escribir su primer hito, Doberman Keiji, un Shounen de tirada larga (29 volúmenes) que fue ilustrado por el mangaka Shinji Hiramatsu, quien gracias al éxito de Doberman Keiji se impulso para crear su manga más representativo: Black Angels.

Primer Tankobon de “Hokuto no Ken” publicado en 1984

Un año antes de la salida de la gran obra de Toriyama, y apoyado por el ilustrador Tetsuo Hara, Buronson concebió el considerado trabajo de su vida y una de las obras más icónicas, influyentes y revolucionarias: Hokuto no Ken. En Fist of the north Star (nombre bajo el que se publicó en USA por Viz Media en 1989) convergen los estilos de tres de sus grandes influencias. La primera de estas influencias que dan vida al universo de Hokuto no Ken con todos sus atractivos personajes, viene del gran maestro de las artes marciales, Bruce Lee. Las 2 restantes se reflejan en las temáticas y estética preponderantes del manga; una de ellas es el filme post-apocalíptico de origen australiano, Mad Max; la otra, aunque claramente menos evidenciable, es el western europeo —también llamado “spaghetti western”— principalmente de la mano de Sergio Leone. Pero la importancia que tiene la ópera prima de Buronson dentro del panorama general del manga, no sólo se limita a lo que representa la obra en si misma, sino que viene más por el hecho de haberse convertido, por su contenido, en un manga seminal para muchos otros trabajos que siguieron el camino que marcó la historia de Kenshiro.

Tras haber finalizado su obra clave con un total de 27 volúmenes a sus espaldas, el guionista se embarco en una de las colaboraciones que vista desde la actualidad suena más que atractiva, lamentablemente para esa época el nombre de Kentarou Miura era prácticamente desconocido, y su obra Berserk, aún no rebasaba la etapa piloto. De esta cooperación entre un hombre más que acentado dentro de la industria, y otro que apenas comenzaba los pasos de una carrera bastante encomiable, es que surgió a través de las páginas de la Young Animal, el manga Oh Roh, para posteriormente culminar con una secuela: Oh Roh Den. Y pese a que en conjunto precuela y secuela no alcanza la calidad argumental de otros trabajos de Buronson, el desempeño de Miura fue lo suficientemente bien logrado como para que estos dos compartieran créditos una vez más con el manga Japan, lanzado en 1992.

Dentro de los artistas que le han dado vida a los trabajos de Buronson, uno se desprende y distingue claramente sobre los demás, hablo de Ryoichi Ikegami (trabajó como asistente del gran maestro Shigeru Mizuki). Ikegami llegó en el momento de mayor lucidez argumental de Buronson, y juntos crearon una de las más grandes mancuernas en la historia del cómic Japonés. Durante esta época somos participes de una nueva faceta del escritor, pero no una mera faceta para escapar de las temáticas que lo vieron consagrarse, sino una faceta para manifestar como el mejor autor de mangas erigidos en la temática negra, dejándonos entrever su conocimiento sobre el oscuro mundo del crimen y las mafias, y su elocuencia y realismo para plasmarlo sin matices y convertirlo en un mundo totalmente atrayente.

Mayo, el frío asesino de los 5 dólares

Ikegami es prácticamente una apuesta muy segura para cualquier guionistas, de aquí que esta fabulosa mancuerna haya dado cuatro excitantes creaciones, tres de ellas erigidas sobre el mundo del crimen, las conspiraciones y los asesinos a sangre fría. Strain, publicado de 1996 a 1998, marcó el estilo para las dos posteriores creaciones, que poseen un peso específico bastante importante. Con su segundo trabajo el dúo alcanzo la cúspide no sólo de su colaboración, sino del manga en general, ya que si bien Hokuto no Ken es y seguirá siendo la obra más representativa del escritor, Sanctuary, publicada en 1990 es, a mi parecer, el thriller político-criminal por excelencia y uno de los más grandes mangas jamás escritos. Aunque el manga no obtuvo ningún reconocimiento concreto, como dato anecdótico y como muestra de su influencia, en la película The Fifth Element, el personaje de Bruce Willis tiene el segundo volumen del manga al costado de su cama (aquí la imagen). Pero la revancha no se haría esperar, ya que en 2002 gracias al manga, Heat, obtuvieron el galardón en la categoría general de los premios Shogakukan.

El pasado 12 de abril Buronson finalizó, Full Swing, un Shounen beisbolero que vio la luz en mayo de 2010. Por último y aprovechando el tema del béisbol es preciso recalcar que dentro de la prolífica trayectoria del escritor, se encuentra una colaboración con el popularisimo Mitsuru Adachi, a través de A White Summer, un manga que tiene como tenue hilo conductor al llamado “rey de los deportes”, pero cuyo objetivo principal se centra en las relaciones personales.